Otro super-héroe llega a la gran pantalla, esta vez uno de los más clásicos y patrióticos, Capitán América, personaje creado por DC Comics y recuperado en los 60 por Stan Lee en The Avengers (Los Vengadores). El film es un claro producto comercial directo al éxito en taquilla, por poner datos en su primer fin de semana ha liderado el ranking de taquilla en EE.UU., recaudando hasta 65 millones de dólares. Partiendo de esta permisa tenemos claro por donde irán los derroteros de la película.
Y es que “Capitán América” es un producto en sí, un film dedicado básicamente a los fans del héroe y a los de DC y Marvel en general. Mucha acción, algunos personajes carismáticos (siempre tirando de actores consagrados), guión justito y grandes efectos especiales, que con la llegada del 3D pues triplican su función.

La primera parte del film está muy bien logrado, la caracterización de Chris Evans a quien también veíamos como La Antorcha Humana en los Cuatro Fantásticos como el enclenque (retocado digitalmente) Steve Rogers, un chico que sueña con alistarse para hacer lo que hacen los hombres, luchar por la patria en la gran guerra, resulta de lo más creíble, incluso el guión se vuelve interesante centrándose en plena Segunda Guerra Mundial, con el imperio nazi de fondo. La ambientación y recreación de los años cuarenta también está muy conseguida.
La película empieza a ser una pasarela de efectos cuando el personaje es sometido a un audaz experimento, del cual sale convertido en una nueva raza de súper soldado y debe enfrentarse al villano Johann Schmidt (Red Skull), bien interpretado por Hugo Weaving, acostumbrado ya a hacer de malo en varias películas (Matrix, V de Vendetta).

La cinta, dirigida por Joe Johnston (Parque Jurásico 3, El hombre lobo) logra su propósito, que es básicamente entretener al público, más no se puede buscar, y la fecha escogida para el lanzamiento no es mala, en medio de agosto, dónde lo que vamos es a descansar y distraernos de nuestras trabas del resto del año.

En definitiva, la historia se nos puede llegar a hacer demasiado larga, sobretodo para aquellos que busquemos algo más, y es que no hubiera estado mal que se hondara más en el pasado del personaje o haberlo intercalado en el resto de la trama, hubiera supuesto un plus a esta más bien floja puesta en escena del cómic.

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captainamerica.marvel.com

“Nowhere Boy” es la ópera prima de la directora británica Sam Taylor-Wood, una cinta basada en una figura tan pesante como John Lennon. El film narra los años de adolescencia del músico y su relación con dos de las mujeres más influyentes en su vida, su madre y su tía, dos mujeres diametralmente opuestas aún siendo hermanas, y magistralmente interpretadas por Kristin Scott Thomas y Ann-Marie Duff respectivamente.

La historia se centra en esa etapa de la vida de John pasando de puntillas por encima de todo lo que tiene que ver con el tema Beatles, tan solo comentado en la formación de la primera banda de Lennon, The Quarrymen, junto a McCartney y Harrison. Y centrándose sobretodo en ese triángulo afectivo que tiene mucha más que ver con la parte humana del mito.

John Lennon vive con sus tíos en Liverpool, tiene una buena relación con ellos, pero al morir su tío, la madre de John, quien le había abandonado a los cinco años, regresa en busca de su hijo. Ahí surgirán las tensiones entre la madre y su recta tía que siempre intenta llevarle por el buen camino y que trata de que mantenga las formas. De ese modo el rebelde y enérgico John se verá envuelto en una relación a tres bandas algo compleja y que mermará en su carácter. En casa de su madre además descubrirá la libertad y su pasión por la música rock en una época en la que Elvis era el rey y el mundo abría los ojos a conceptos hasta el momento inimaginables.

Sam Taylor-Wood realiza una dirección correcta, donde lo que más destaca es la escenografía y las interpretaciones, a parte de las de antes mencionadas, la del actor protagonista Aaron Johnson (Kick-Ass). Ya que la directora no se desvela nada nuevo y se centra básicamente en dirigir sin ir más allá o realizar nuevos apuntes como en otros casos. De todos modos “Nowhere Boy” basada en las memorias escritas por la hermana de John Lennon, Julia Baird, resulta un drama interesante en la que descubriremos algunos detalles del genio hasta ahora desconocidos.

nowhereboy.com

Se acerca a nuestra cartelera “Happythankyoumoreplease” película que ganó el premio del Público en la pasada edición del festival de Sundance. La cita, dirigida por el Josh Radnor, conocido sobretodo por el papel de Ted Mosby en la serie de televisión “Cómo conocí a vuestra madre” es un soplo de aire fresco en la tragicomedia ligera del cine actual, con un tono remarcadamente independiente.

La historia se va entretejiendo entre todos los personajes que aparecen en ella. Se centra en la ciudad de Nueva York, dónde vive el escritor Sam Wexler (el propio Radnor) quien se despierta un día tarde para asistir a una importante de reunión, se encuentra a un niño perdido en el metro y se hace cargo de él. Alrededor de ellos, que son el eje principal de la la película, giran las vidas de una joven con alopecia y muy mala suerte con el sexo opuesto, una pareja con sus conflictos diarios y una camarera.
De tono costumbrista y sencillez en la narración, “Happythankyoumoreplease” resulta una obra deliciosa de ver, al menos la primera vez, ya que logra alejarse en lo que puede de los tópicos del género para ofrecernos algo más, por lo menos unos diálogos más interesantes, irónicos y ácidos en algunas ocasiones, que consiguen mantenernos enganchados durante todo el metraje.

Si lo que buscas es pasar un buen rato y sentirte identificado de una manera u otra con los personajes que desfilan por la pantalla más que en otras ocasiones, esta es tu película. Sobretodo si tu edad es de veintilargos para arriba, ya que el film va de eso, de cierto periodo de nuestras vidas, de la madurez, la amistad, la búsqueda de la felicidad, del caerse y volverse a levantar…

En definitiva, Radnor consigue tocarnos la fibra, al menos por un rato. Ve a verla, seguro que no te arrepientes de pagar entrada.

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El nuevo filme de Darren Aronofsky (La fuente de la vida, Réquiem por un sueño, Pi: Fe en el caos) vuelve a jugar con la complejidad de sus personajes, la materia de la que están hechos y la búsqueda incesante, casi obsesiva de un resultado que no siempre suele acabar como se espera en un principio. En “Cisne Negro” este peso recae sobre una bailarina de ballet, Nina (Natalie Portman).
Todos sabemos de lo estricto de la profesión,  aquí el director aprovecha para llevarlo a lo extremo y convertir eso en algo prácticamente existencial. Como si de una obra nietzcheana se tratase toca los temas universales del bien y el mal y las disputas internas en una persona.

Nina es una bailarina que vive por y para el ballet, su madre trata de hacerle alcanzar todo aquello que ella no alcanzó en su día, así que Nina apenas tiene vida propia. Vive obsesionada por la figura de otra bailarina de su misma academia, mayor que ella y que simboliza todo aquello que ella quisiera alcanzar, esta bailarina de nombre Beth (Wynona Ryder) vive con sus propios complejos. Beth está a punto de retirarse y el director de ballet (espléndido Vincent Cassel) ha pensado en Nina para el papel principal, pero para ello deberá pasar por la dura experiencia de conocerse más a fondo a si misma y explorar sus rincones más oscuros, algo totalmente nuevo para ella. De ese modo entrará en una espiral de hechos que la harán llegar hasta el extremo y la transformarán, en una pugna interna por sacar su lado más salvaje y desinhibido a la vez que sigue siendo ella misma, algo desquiciante.

Natalie Portman consigue recoger en casi dos horas de metraje la esencia de esa bailarina al borde de la locura mientras experimenta nuevas sensaciones. La verdad es que en casi toda la película la vemos a ella que nos dirige de manera ejemplar de punta a punta de la cinta sin que podamos apartar la mirada de la pantalla.

Esta dualidad es la que ofrece a la película el valor que tiene, a parte de la excelente dirección y las brillantes interpretaciones que convierten una historia que en principio podría resultar sencilla y simple en algo más. Recomendable.

Candidata a los premios Óscar de este año, el nuevo film de David O. Russell (Three Kings, I Heart Huckabees), no nos aporta ninguna historia que no conozcamos ya, pero en el fondo el guión no es lo que más peso tenga esta película centrada basicamente en los actores y sus interpretaciones. The Fighter nos narra la historia del boxeador Mickey Ward (Mark Wahlberg) y la relación con quienes le rodean: su hermano, ahora también su entrenador, Dicky Eklund (Christian Bale), la madre de ambos (Melissa Leo) y su mujer (Amy Adams). Y como estás relaciones se tensan y se embrollan como una cuerda con el deporte como telón de fondo.

Ward matiene una relación de amor-odio con su hermano al que admira a la vez que envidia, intenta captar el agrado de su madre más atenta por el primogénito que por su segundo hijo y es apoyado y querido por su mujer, quizás la única que lo entiende en el fondo. Bale está magistral en su interpretación como ex-boxeador que se hace entrenador para huir de las drogas y el crimen, Leo consigue plasmar todo lo que el personaje necesita en su interpretación, Adams otorga fuerza al papel y Wahlberg está básicamente correcto en un papel en el que también habían pensado en actores como Brad Pitt o Matt Damon, lástima que no pueda extraer más el jugo al personaje. La cinta juega con la personalidad marcada de cada uno de estos personajes para impactar en ciertos momentos, y es simplemente eso, no busquen nada más allá si se esperaban otra cosa.

De todas formas The Fighter no deja de ser una película interesante quizás realmente merecedora de esa candidatura. Una historia marcada por los valores, puede que incluso con algún desaire moralista, pero que consigue enganchar al espectador.

www.thefightermovie.com