Baz Luhrmann

El film arranca con Nick Carraway (interpretado más que correctamente por Tobey Maguire) que nos cuenta como conoció a Jay Gatsby (brillante Leonardo DiCaprio), la relación de este con Daisy Buchanan (Carey Mulligan), y la impresión que este hombre rico le causó. La narración es fiel al original pero peca en las formas, convirtiéndose en un ejercicio visualmente potente, y exorbitante, pero algo frío y vacío en cuanto al universo que el escritor quiso reflejar, la clase alta en los años 20 en EEUU. Porque el envoltorio es muy brillante pero al final lo más destacable de la película es sin duda el elenco de actores que la forman, siendo el resto un viaje kitsch de casi dos horas de duración, y eso es mucho para aquel al que no le gusten este tipo de películas. Así que al que no le guste el cine de Luhrmann, mejor que ni se acerque a la sala. Quizás se salva el último tercio de película, que es la que dispone de mayor carga de dramatismo pero el resto es un espectáculo de color y confeti.

Puede que “El gran Gatsby” disponga de algunos buenos momentos, que agrade a los seguidores del australiano a de cualquiera de los interpretes, pero al final se aleja en demasía de la atmósfera de la historia y cae en una ostentación en ciertos momentos innecesaria.

Calificación: 6/10

Al fin y al cabo estamos hablando de púberes, de niños de camino a la madurez, un momento de la vida de cada uno en la que pasamos por un proceso transformador que nos acaba convirtiendo en lo que somos. Nos define, y mientras tanto estamos sometidos al escrutinio del entorno que nos rodea, porque el peso de social es grande, incluso superada ya esa etapa. Aprovechando estos temas tan universales, personales y cercanos Sciamma nos narra un bonito cuento muy bien interpretado por las actrices principales (Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson), que aunque jóvenes ya nos demuestran su talento. “Tomboy” cuenta la historia de Laure, una niña de aspecto andrógino que llega nueva al barrio y se hace pasar por un chico, se cambia el nombre por Mickäel y ese verano conoce a Lisa, quien le prestará mucha atención porque es diferente a los demás chicos que conoce. La tensión por lo que puede que pase más adelante o a cada momento que Laure se hace pasar por chico (teniendo en cuenta que los padres no saben nada de esto), es un punto a favor de la película que aumenta su emoción al final de la misma. Eso junto al hecho de ver los acontecimientos desde el punto de vista de los niños y de un modo totalmente tierno es lo que hace que la película sea digna de destacar.

“Tomboy” es pues un nuevo planteamiento de ver la búsqueda de la analogía sexual, bajo un punto de vista que mezcla los toques mágicos con la realidad cruda y dura.

Calificación: 8/10

La película ha sido producida por Francis Ford Coppola y su hijo Roman, ya que el director disponía de los derechos del texto y era un proyecto que ya tenía en mente desde hacía años. En ésta se narra el camino hacia la libertad de tres jóvenes, Sal Paradise (seudónimo de Kerouac), un neoyorquino que aspira a escritor y que para evadirse se la realidad tras la muerte de su padre se une a Dean Moriarty (quien en realidad es Neal Cassady) y a LuAnne Henderson (mujer de Cassady quien también fue escritora). Esta road movie cuenta con una estupenda banda sonora, una dirección de fotografía exquisita y un reparto con buena nota (más para unos que para otros) y entre los que encontramos a Sam Riley, Garrett Hedlund, Kristen Stewart, Amy Adams, Alice Braga, Kirsten Dunst y Viggo Mortensen.

“En la carretera” es un grito a la libertad, un camino hacia el cambio imaginada por todos aquellos a los que no les gusta la realidad que les rodea. Pese a la cantidad de texturas que aparecen en el texto, el relato en gran pantalla se queda corto en los 124 minutos de metraje que dura el film, no acaba de profundizar del todo en algunos pensamientos de los protagonistas y nos narra casi solo las acciones que tienen lugar de manera consecutiva, y quizás la parte que se eche de menos de la adaptación sea hondar un poco más en la personalidad del protagonista o de algunos de ellos, sus puntos de vista. Aunque por otro lado se agradezca la fidelidad al original en cuanto a narración de los hechos se refiere.

Sexo, drogas, alcohol, conversaciones nihilistas, música jazz, eso es lo que podemos encontrar en este retrato de una época a la se le deben muchas cosas y que abrió un camino que ahora están tratando de volver a cerrarnos en muchos sentidos.

Calificación: 8/10

Para empezar decir que ese mundo, el de los adolescentes, en el que nos introduce muchas veces Korine es fiel a la realidad, quizás no a la de todos pero sí a la de la sociedad del momento, tan solo hay que encender el televisor para darse cuenta de unas cuantas cosas y que el californiano nos retrata del modo más desgarrador e hiper-real posible. En este caso, cuatro chicas de instituto (tema a parte es si la elección de las actrices ha sido buena, porque dos de ellas vienen de Disney tratando de hacer de chicas malas, bla, bla bla…) que sueñan con un ideal impuesto por el entorno y a la vez por ellas mismas en el que se mezcla la fiesta, la fiesta y más fiesta y que tiene lugar al otro lado del país, en las interminables playas de Florida (lo que aquí vendría a una Ibiza en hora punta, por ejemplo). Pero ese paraíso muchas veces choca en un momento dado con una realidad que quizás no es el esperada, ya que toda esa fantasía tiene también su lado oscuro con la que irremediablemente te das de bruces.

Es en ese momento en el que siempre aparece una figura clave, en este caso encarnada en el personaje de James Franco, que viene a ser como un ángel a caballo entre el cielo y el infierno. Éste las guiará por un recorrido donde estarán presentes las armas, las drogas, los atracos, temas pop, el sexo y el alcohol que se representan en algunas escenas como una especie de videoclip de un grupo riot de intenciones declaradas. Por lo tanto “Spring breakers” es un fragmento de una descarnada y distorsionada (siempre llevada al límite) realidad en la que la juventud juega un papel clave, todos hemos pasado por momentos más o menos escandalosos a ojos del observador, y que mezclada con las circunstancias y el ámbito dan lugar a un cóctel explosivo.

El film tendrá defensores y detractores y está claro que no es apta para todo el mundo, pero al fin y al cabo es lo que Korine busca en cada una de sus historias, dejando la decisión del visionado en manos del espectador.

Calificación: 8/10

A favor

Aleix G.: Para aquellos que no hayan visto Looper no continuéis leyendo.
Estaremos de acuerdo en que este año ha sido el año de los desastres de grandes blockbusters de ciencia ficción. Hasta Disney se ha estrellado con John Carter, un truño bastante gordo, pero nada comparable a grandes entregas como Battleship (donde un Liam Neeson necesitaba dinero porque sino no se entiende) o Underworld: El despertar. O peor aún, el horror indescriptible de Prometheus.

Por fin un pequeño soplo de aire fresco. Una doble trama escondida con giro de argumento a media película (totalmente opaco en la promoción de la película) que se agradece. Un Joseph Gordon-Levitt aceptable (y con una cara rara debido al impecable maquillaje que lo acerca a su tocayo Willis), un Bruce Willis interpretándose a sí mismo por enésima vez a lo Bardem en No country for old man y un buen elenco de secundarios hacen creíble la mayoría de escenas. También se agradece que no nos intenten explicar a lo Inseption (Origen) cómo coño funcionan los viajes en el tiempo, ni cómo el ser humano ha desarrollado poderes telekinéticos, ni porqué sólo las armas cortas disparan láseres…. que para la trama de la película nos debería importar un pimiento!

A pesar de acabar siendo un mix entre Terminator y Akira y tener algunos agujeros insalvables (típicos del género, como el tema de la existencia paralela cuando se va cambiando el presente….etc…), Looper es una película de ciencia-ficción digna para pasar un domingo por la tarde entretenido sin salir del cine con ganas de matar a alguien o pensar que los guionistas de Hollywood se han vuelto todavía más retrasados. A ver si puedo tomármelo como un previo de calidad a lo que espero sea The Hobbit!!! Vale la pena…

En contra

Ramon Sort: Has sido demasiado generoso con tu crítica. La película se deja ver bien e incluso pasas un buen rato viéndola, pero tiene un fallo de guión y otro de montaje imperdonables en una película profesional.
1. Se dice que en el futuro no se puede asesinar y por eso meten a los condenados en la máquina del tiempo para que los maten los loopers del presente. Pues bien, los tíos que van a buscar a Bruce Willis asesinan a su pareja. Si asesinan a la china entonces es posible asesinar en el futuro, ergo no tienen ningún sentido los looper y con ello la película.
2. Se ve la escena en que llega Bruce Willis y golpe a su yo del pasado y después se escapa en un tren. De golpe y porrazo la película se para en seco y se repite la misma escena, pero en esta ocasión el yo del pasado mata a Bruce Willis. Entonces se ve como el protagonista va creciendo hasta que se convierte en Bruce Willis y vuelve a repetirse la suso dicha escena en que golpea al yo del pasado. El montador ha montado la misma escena dos veces y es evidente que la primera vez que la monta no tiene ningún sentido.

Aleix G.: Un momento, un momento…. por partes:
1- Lo mejor de la peli es el maquillaje de Gordon-Levitt (con esa premisa ya no dice mucho!), pero teniendo en cuenta lo último que se ha hehco en el género, está se convierte en la mejor peli de sci-fi del año (por suerte o por desgracia)… Dime cuál es la útlima película buena de ciencia ficción que has visto en el cine?
2- En ningún momento de la película se dice que NO se pueda matar a nadie en el futuro si no que gracias a la tecnología te pillan siempre. Con lo que el fallo de guión no es que la manten en sí, sino que una vez asesinada (y por lo tanto descubierto el asesino!) porqué no matan a Willis en lugar de enviarlo al pasado… Supongo que porque entonces la peli se llamaría algo así como One way ticket en lugar de Looper.
3- Lo de “kit kat” es un recurso típico del género “what if”… no le veo pega. Además es la única manera de explicar realmente lo que le pasó a Willis en el futuro, cómo evoluciona el personaje de G-Levitt y hacer un incapie que el futuro puede ser reescrito constantemente…

Enlace a artículo del autor: Aleix Gordo Blog

La cinta de Jeff Nichols es una dicotomía entre lo más profundo de nosotros mismos y nuestros misterios como seres humanos y el miedo a una realidad inmediata que pueda acabar con todo lo que hemos logrado en la vida. La lucha interna del protagonista, Curtis (brillantemente interpretado por Michael Shannon, actor fetiche del director), nos permite darnos cuenta que a veces la linea que separa la verdad de nuestro punto de vista subjetivo es muy fina. Por ese motivo no tenemos claro en ningún momento si las premoniciones con las que sueña Curtis son fruto de una posible esquizofrenia por otro lado temida, o si por el contrario son el signo de un devastador futuro que le espera a él y a los suyos si no hacen algo por remediarlo.

Además está el hecho de chocar con todos aquellos que le rodean, incluso su mujer que ve que prefiere gastar el dinero en construir un bunker que en la operación para curar a su hija de una enfermedad auditiva, en pos de que el fin del mundo se acerca y que está haciendo todo lo que puede por salvarlas. Así encontramos a un ser en continúa confrontación con su entorno y hasta con él mismo. Y aquí encontramos la grandeza del film, dónde lo absurdo se podría volver lógico y al revés. Y dónde el protagonista debe de cargar tanto con la incomprensión como con la angustia que supone una situación como la que atraviesa.

Apoyando el trabajo de Shannon y el buen trabajo de planos de Nichols está Jessica Chastain, conocida gracias a su excelente trabajo en títulos como “El árbol de la vida”, el guión del propio director y la música de David Wingo que le da un ambiente en ciertos momentos asfixiante y en otros sosegado.

Calificación: 9/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Con un protagonista poco formal como es un caballo, lo cierto es que él es el eje en torno al cual gira cada una de las narraciones que se centran en las vidas de sus dueños a lo largo de cierto periodo de tiempo; la película nos muestra lo mejor y lo peor de la esencia del ser humano visto tras los ojos de un hermoso animal y donde el juego de tomas acojen un peso importante. Hay momentos realmente destacables como cuando lo liberan de la alambrada o cuando nos encontramos en medio de la batalla contra los alemanes en la Primera Guerra Mundial.

El guión está basado en la novela de Michael Morpurgo, y muy bien adaptado a la gran pantalla, fallan quizás un poco las interpretaciones “humanas” que pierden cierta intensidad frente a esa brillantez de escenas muy bien retratadas donde se cruzan la inocencia, el ímpetu y la ensoñación de un punto de vista personal que evoca todo aquello que nos hace ser quienes somos. Pero aún así estos relatos, concretamente tres, nos ofrecen la posibilidad de explorar el simbolismo del que hace gala el bueno de Steven.

Una obra familiar que, como clara excepción, merece las nominaciones a las que le ha sometido la Academia, y que cuenta además con el excelente apoyo y trabajo de John Williams con el que vuelve a contar tras años de colaboración conjunta.

Calificación: 8/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Porque el film de Miller trata temas universales como el coraje, la superación personal, y la intención de querer cambiar las cosas muchas veces injustas. La figura clave esta vez no es la del entrenador o la de la estrella deportiva, sino que Pitt interpreta a Billy Beane, el mánager de los Oakland Athletics, un equipo que va a la deriva hasta que Beane ve la luz gracias a la ayuda de Peter Brand, un economista de Yale con talento para los números. De ese modo Beane iniciará una confrontación contra las grandes franquicias que se han llevado a sus mejores jugadores en los últimos años a base de talonario, demostrando que gracias al ingenio, la voluntad y sobretodo la humanidad, se consigue el éxito, aunque a veces el éxito no sea bien bien aquello que creen las grandes compañías.

Partiendo de esa base que tiene como fundamento el factor humano, el realizador (especializado sobretodo en documentales) plasma plano a plano la evolución de un personaje en el que el actor ha encajado perfectamente. Y que además ha agradado tanto a la crítica como a la Academia porque está basada en un hecho real. Si a eso le sumamos unas buenas actuaciones del elenco de secundarios que van desde Philip Seymour Hoffman que como siempre está excelente hasta el propio Jonah Hill que funciona muy bien al lado de Pitt, el resultado es un título más que recomendable.

Quizás el hecho de que el guión este basado en un libro, “Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game” haya ayudado al éxito de la película, sin desmerecer por otro lado el trabajo de Aaron Sorkin (La red social) y Steven Zaillian (En busca de Bobby Fischer). Una buena película que te dará que pensar, aunque sea tan solo un rato.

Calificación: 8/10

Pinche aquí para ver el vídeo

La historia del film es sencilla y gira alrededor de Gosling, un mecánico y conductor de escenas de riesgo para películas que también hace trabajos para grupos criminales. Su vida cambia cuando conoce a Irene (Mulligan), una madre cuyo esposo (Oscar Isaac) está en prisión y que se dedica a cuidar a su hijo Benicio. Sin embargo, la manera en la que la película es narrada es lo que la hace grande.

Su hipnótica banda sonora, las escenas de acción, la eclosión de violencia explícita y la sensibilidad del protagonista, un lobo solitario seguro de si mismo y regido por estrictos códigos de conducta, que es capaz de mostrar grandes dosis de ternura y a su vez una brutalidad espantosa, y que se mantiene en equilibrio muy a pesar de la situación desencadenante tras decidir proteger a su heroína, convierten a esta cinta en una película de culto.

Asimismo, en “Drive” yacen claras referencias al cine negro, a las pelis de Serie B, a las de acción de los 80′s y, por supuesto, al cine indie. Y de hecho, es el propio director quien asegura que se trata de un homenaje a Alejandro Jodorowsky, a pesar de que también se inspiró en “Scorpio Rising” de Kenneth Anger (al loro!: la cazadora que lleva el protagonista durante toda la película tiene bordada un escorpión en la parte de atrás, y en algunas imágenes parece que tenga vida propia).

Por otro lado, y si vamos más allá… me atrevería a decir que “Drive” se mete de lleno en una ávida reflexión sobre las decisiones difíciles de la vida. Aquellas que te ponen del revés y de las que a veces resulta complicado reponerse sin habernos hecho alguna que otra herida. Pero también nos habla de las expectativas, de las oportunidades, de la finitud de la vida y… del amor, de la necesidad de amor por encima de todas las cosas, de ese amor que es capaz de atraparte y de quemarte y que te invita a dejarte llevar, aunque sepas de antemano que existe la posibilidad de que salgas mal parado. Todo ello se escenifica en una ciudad como Los Ángeles, vista desde el lado más perverso y obscuro, y aderezado con malas compañías, dinero sucio y ajustes de cuentas.

Sin más, “Drive” está llena de grandes detalles visuales y sonoros, esenciales para transmitir las historias de estos personajes brutales en situaciones desesperadas. La tensión traspasa la pantalla y a lo largo de sus 100 minutos te mantiene en vilo hasta que llega el apoteósico desenlace final, que marcará vuestras retinas cinéfilas de por vida.

Recomendadísima!*****

Recurriendo a un tema que podemos encontrar a títulos como “Cantando bajo la lluvia” e incluso la más reciente también gala (aunque en clave de animación), el “Ilusionista”, dónde de repente todo un mundo decae para dar paso a una versión reformada del mismo, “The Artist” se cuela en el mundo del cine de los años veinte, plagado de galanes, femmes fatales, contrastes en blanco y negro y el uso de la fotografía y la iluminación como piezas clave de cada una de las composiciones u obras.

La historia homenajea claramente a aquella época, echa una mirada atrás con admiración, y nos sitúa en un Hollywood donde famosas estrellas como George Valentin ven como su mundo se derrumba con la llegada del cine sonoro, la aparición de nuevos actores y la incipiente caída en el olvido que eso puede suponer. En el caso contrario encontramos a nuevas promesas emergentes como Peppy Miller. Es ese contraste, gracias por supuesto también a las interpretaciones de Jean Dujardin (George Valentin), Bérénice Bejo (Peppy Miller), entre otros, el que teje esta fascinante historia que no se aleja tanto de la realidad en la que vivimos hoy en día en el que las cosas cambian constantemente y donde hay que reciclarse o morir.

El film contiene además ciertos toques de parodia (no olvidemos que el director ha firmado anteriormente títulos como “OSS 117″, curiosa versión del cine de James Bond), tragi-comedia y consigue meternos de pleno en la piel del protagonista como a través del sonido acaba descubriendo un universo totalmente desconocido para él que además supone una amenaza. Ingredientes que logran mantener al palco enganchado a la pantalla y que la acaben aclamando como de lo mejorcito de este año que nos deja.

Calificación: 9/10

Pinche aquí para ver el vídeo

“Criadas y señoras”

Un drama que critica el racismo pero sin caer en la lágrima fácil, con algunos toques de humor y una buena aproximación a los personajes, que si en algunos casos puede caer en el cliché, no por ello resulta menos honesta.

La historia nos transporta al sur de los EEUU en los años sesenta, concretamente a Jackson, Mississippi, Eugenia (Emma Stone), una joven escritora regresa a la ciudad tras haber estudiado fuera, al volver no se encuentra precisamente con el escenario que recordaba ya que las que en su día fueran sus amigas se han convertido en unas mujeres déspotas que maltratan, con buenas formas eso sí, a sus criadas, las mujeres que las criaron en la infancia. A partir de este hecho de enfrentamiento racial, Eugenia decidirá escribir un libro que hable sobre el trato vejatorio de algunas capas sociales por parte de otras, del comportamiento xenófobo en la sociedad que le rodea y en definitiva de la vida de estas mujeres, gracias a la ayuda de Aibileen (Viola Davis), la criada de su mejor amiga que animará a las demás a que se enfrenten también a sus miedos pese a la amenaza que se les puede venir encima por parte de todos aquellos que se encuentran a su alrededor. Solo de este modo podrán cambiar la historia y la sociedad en pro de las generaciones venideras.

La verdad es que Taylor lo tenía fácil con un guión tan rico y lleno de matices, pero también es verdad que su adaptación a la gran pantalla, con una muy acertada elección del elenco principal entre el que encontramos a Octavia Spencer, Viola Davis, Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain o Ahna O’Reilly, la ambientación de la película y ese acercamiento a los personajes, la película dura casi dos horas y media y consigue mantenernos atentos en todo momento, logra que como mínimo reconozcamos su tarea.

“Criadas y señoras” acaba siendo finalmente una película de esas que hay que ir a ver antes de que te hablen de ella, un film de los pequeños que merece el éxito cosechado.

Calificación: 8/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Mike (Paul Giamatti) es un abogado con recursos más bien escasos y buen padre de familia, un día uno de sus clientes, el señor Leo Poplar (Burt Young) debe de ponerse en manos de la justicia para que lo ingresen en una residencia dado a su brote de demencia senil, pero éste se niega. Mike decidirá encargarse entonces del anciano, aunque por motivos más económicos que altruistas, así que se pone al cuidado de Leo, pero lo acaba ingresando igualmente en la residencia para recibir los mil dólares que el estado debe de pagar al cuidador. Pronto aparecerá en la ciudad Kyle (Alex Shaffer), el nieto de Leo, un muchacho algo tímido y retraído, Mike decidirá alojarlo en su casa, aunque su esposa (Amy Ryan) en principio no querrá. Al final le cogerán tanto cariño como si se tratara de un miembro más de la familia.

Lo mejor de la película es que no cae ni en el melodrama desbordado que podría darse con este tipo de guión en el que uno de los personajes es la víctima de su propia vida, ni en la risa boba, pese a sus momentos humorísticos. Es decir que resulta inclasificable. Es un film que emociona aunque de un modo hiperrealista. Consigue hacernos sonreír y es como si viéramos la trama de la vida de cualquier persona sin ahondar en lo trágico ni en lo burlesco. Los personajes te envuelven en un ambiente acogedor, son seres con sus virtudes y sus fallos, pero honestos al fin y al cabo. Y el chaval protagonista se aleja del adolescente peligroso, del delincuente típico, mostrando más entereza que ninguno de los demás personajes, logrando cambiar, en cierta forma, a todos los que le rodean. Algo así como el héroe anti-héroe de la película.

Los combates en los que participan los protagonistas son además una clara alegoría de su lucha día a día, de su realidad, mientras que el título del metraje hace referencia tanto a esas ganas de salir victorioso por lo menos una vez, como a que al final de la historia todas las partes involucradas pueden salir ganando de una manera u otra.

Calificación: 8/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Terrence Malick

Nunca contar el significado de la vida fue tan bello, pese a que sé que nos encontraremos con toda clase de detractores que empezarán a decir que si la historia es una “fumada” del cineasta, que si está sobrevalorada y si en el fondo es un plomo. Para los que la sepamos disfrutar he de decir que hay que verla como un mensaje, gozando de su bella fotografía y su puesta en escena, mención a parte de las interpretaciones (a cargo de Penn y Pitt), pero sobretodo lo que importa es lo que se encuentra detrás de ella.
La historia nos traslada a los años cincuenta, al corazón de los Estados Unidos, dónde Jack empieza a vivir su vida primero con gran sorpresa por todo lo que le rodea, después con alguna decepción como es la relación con su padre, y al final con cierta nostalgia y el descubrimiento de si mismo.

Pero “El árbol de la vida” es ante todo una película con la que dejarse llevar y poner los cinco sentidos en ella, puede que como le ocurre al protagonista, alguna parte nos decepcione e incluso nos parezca demasiado pretenciosa, pero en su conjunto total es una magnánima obra, con sus perfecciones y sus imperfecciones, aunque a pesar de todo bonita. Como la vida misma.

Calificación: 8/10

Antoine Fuqua

Sal (Ethan Hawke), Eddie (Richard Gere) y Tango (Don Cheadle), son tres policías de Nueva York que cada día deben de salir a la calle y dejarse la piel en ello. Sal intenta tirar adelante su familia, llegando incluso a veces a que se le pasen ideas extremas por la cabeza. Eddie está a punto de retirarse, pero tendrá que pasar un día más con los recién llegados al cuerpo. Por otro lado Tango se mueve por una fina linea que se mueve entre el bien y el mal, llegando a hacer amistad con el delincuente interpretado por Wesley Snipes.

Fuqua vuelve la vista atrás a títulos de los setenta ya directores como Don Siegel o Richard Fleischer. Indaga y se sumerge en el día a día de este oficio entregándonos un relato áspero como lo es la realidad misma, que en algunos momentos resulta brillante pero que en otros se nos hace algo tedioso. La película goza de muy buenos recursos técnicos, tanto en la banda sonora, como en la fotografía y el montaje. Recupera el espíritu de series como “The Wire” dirigida por él mismo y dispone de un buen elenco de actores que echábamos de menos por su buen saber hacer. Quizás una de las más destacables es la Gere que lejos de buscar el plano perfecto sobre su persona, ofrece un retrato sincero de su personaje, un oficial de policía que ya no cree en nada y que en un momento determinado tomará una decisión que le hará cambiar la manera de ver las cosas.

Lo dicho, un film que igual si el género, tanto en televisión como en el séptimo arte, no hubiera estado tan explotado hubiera destacado más. Aún así merece la pena disfrutarla.

Calificación: 6/10

Pinche aquí para ver el vídeo

“Horrible Bosses” título original de la cinta intenta llevar hasta el extremo una idea que en cualquier momento puede haber pasado por la cabeza de cualquiera aunque sea de modo inconsciente. Por un lado tenemos a un rudo hombre de negocios, un millonario sin escrúpulos, frío como el hielo, por otro una jefa acosadora sexual y finalmente al hijo de papá medio drogadicto y bastante capullo, brillantemente interpretados por los actores Kevin Spacey, Jenniffer Aniston y Colin Farrell, en registros en los que no estamos acostumbrados a verlos, pero bien desenvueltos e hilarantes, sobretodo los dos últimos, dando una vuelta de tuerca más a los clichés que por serlo no resultan menos reales.

Lo bueno de la película es que no usa los típicos recursos a los que estamos acostumbrados últimamente como el humor negro o la escatología, es un poco más inteligente que eso y utiliza la locura y los extremos para el divertimento del espectador y sobretodo se centra en un tema que nos toca a todos de cerca, sobretodo en los tiempos que corren en que seríamos capaces de cualquier cosa por mantener el empleo.

El equilibrio entre el elenco principal, ver a algunos actores en papeles al límite y una buena banda sonora y montaje convierten el film de Gordon en una buena historia para pasar el rato, y reirte un tanto más de esas miserias que nos asaltan a todos en el día a día, el esperpento de la vida misma plasmado en una pantalla.

Calificación: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

“Killing Bono”

Basado en el libro autobiográfico del propio McCormick del mismo nombre, el film nos narra como poco después Neil acaba montando su propia banda e insta a Iván para que se quede con ellos con la excusa de que en un futuro triunfarán por todo lo grande, cuando en realidad es Hewson (quien acaba cambiando su nombre por Bono), el que se agolpa con otros músicos, crea U2 y pasa a los anales del rock de los 80. Todo ello aderezado con un humor muy sutil y nada gratuito que hace que el elenco de actores escogidos encaje a la perfección en su papel.
Sí, es una peli de música, sobre músicos y para fans, pero es algo más, es una especie de lección de vida con toques satíricos, en el que el protagonista aprenderá que quizás no solo basta con desear algo para que ocurra y que no hay que perder la cabeza si eso no es así porque eso impedirá realizar otras cosas que sí serían posibles.

Tanto Barnes (Narnia, Dorian Gray) como Sheehan (Misfits) están geniales en sus respectivos papeles de los McCormick, mientras uno simboliza el ansia por triunfar, la ambición, el otro simboliza la razón, el sentido común (por no hablar de la trastada del hermano al hacerle perder la oportunidad de su vida). A destacar las interpretaciones de Peter Serafinowicz como el mánager del grupo, Krysten Ritter como Gloria, Stanley Townsend como el gangster irlandés semi-productor que los persigue, Martin McCann como Bono y por supuesto el inigualable Pete Postlethwaite en su última interpretación dando vida al casero gay Karl.

Si a eso además le sumamos una gran banda sonora que nos transporta nostalgicamente a los ochenta y que se traslada también a las localizaciones y el vestuario, nos da como resultado una excelente película de obligado visionado, sobretodo si eres un melómano empedernido.

Calificación: 8/10

Pinche aquí para ver el vídeo

‘El origen del planeta de los simios’, está bien dirigida, no se excede en el uso de efectos especiales, sino que los integra muy bien al guión, cuenta con buenas interpretaciones (incluida la de Andy Serkis quien se esconde tras el sistema CGI que da forma al simio protagonista), y su ritmo y narración es impecable, consiguiendo que no nos aburramos y permanezcamos con los ojos pegados a la pantalla en todo momento.
Nos cuenta como Will Rodman (James Franco) un científico que trabaja para una gran corporación farmacéutica, Gen-Sys, dirige una investigación que desarrolla un virus benigno que recupera el tejido del cerebro humano deteriorado. La intención de Will es conseguir una solución para el alzhéimer que cure a su padre, pero la investigación usando a varios monos sale mal, y deberá de ocuparse de la cría de una fallecida simia en el laboratorio. A partir de entonces la cría, ahora un miembro más de la familia, crecerá, pero para sorpresa de Will, el fármaco que estaba creando es muy potente y César (el simio) experimentará una evolución que cambiará el transcurso de las cosas…

El guión también está muy bien planteado, ya que deja algunos cabos sueltos para la próxima incursión, y realiza guiños muy sutiles a las películas anteriores, como cuando por ejemplo en el periódico se puede leer lo de “astronautas perdidos en el espacio”.

En definitiva, hay que aplaudir esta arriesgada propuesta que se ha acabado convirtiendo en una de las gratas sorpresas del cine este verano. Ya somos muchos los que esperamos ansiosos una continuación, deseamos que sea pronto.

Calificación: 8/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Haciendo honor a la nostalgia, “Super 8″ de JJ Abrams, (un director de televisión pasado al cine por su grandilocuencia en contar historias, eso está claro), se presenta como un ejercicio que cuenta con el entretenimiento como su mejor arma. Peca un poco de seguir los mismos pasos de aquello a lo que homenajea sin buscar la innovación, pero consigue convencer al espectador, por lo menos al perfil medio, quizás no tanto a los más exigentes.

Porque sobre “Super 8″ se divisa la alargada sombra de Spielberg, productor del film, las referencias a Amblin Entertainment y a títulos como E.T, Los Goonies o Parque Jurásico y la fascinación ufológica y la mirada inocente de las décadas de los setenta y ochenta. Aunque por otro lado el punto de vista del creador de Perdidos, Alias o Fringe queda también reflejado en algunos instantes del metraje, como en las persecuciones por ejemplo.

En el verano de 1979 en un pueblo de Ohio, unos jóvenes que están grabando su primera película casera en super 8 son testigos de un catastrófico accidente entre trenes. Después de esto empiezan a ocurrir una serie de desapariciones que por lo visto tienen que guardar alguna relación con el suceso. A parte de los niños, el padre de uno de ellos y ayudante del sheriff también empezará a sospechar que ocurre algo extraño ya que un despliegue militar empieza a apoderarse de la zona.
Manteniendo el suspense, sobretodo al principio y consiguiendo no mostrarnos al monstruo hasta el momento indicado, incluso en los trailers y campañas virales, Abrams consigue mantener al espectador atento a la pantalla, parte de ello también viene propiciado por las buenas interpretaciones del elenco de noveles actores, entre ellos Elle Fanning como Alice, Joel Courtney como Joe y el desternillante Ryan Lee como Cary. Algunas tomas destacables como el accidente visto desde el punto de vista de los amigos y algunos efectos especiales.

“Super 8″ es una cinta con la que el espectador disfrutará un rato, sobretodo el público joven, no hay que buscar mucho más, no hay que poner el dedo en la llaga. Por supuesto no es los títulos a los que hace referencia, aunque nos lo hayan querido vender así. De todos modos el que lo entienda, sabrá apreciar bien los momentos mágicos de los que goza la película.

Destacar por otro lado la banda sonora a cargo de Michael Giacchino (Perdidos, Up, Star Trek) , en una labor excelente, intercalada con algunos temas míticos de la época.

Calificación: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Nos encontramos ante una road movie de tintes sci-fi, un film atípico y curioso que hará las delicias de aquellos que aunque ya se han hecho mayores miran al pasado con cierta nostalgia, los que siguen lanzando insignias como “I want to belive”, buscan en el cielo por las noches y sueñan con encontrarse algún día con los men in black.
Con la mirada puesta sobre la parodia del género, sobretodo la gestada en los setenta-ochenta bajo nombres como Spielberg y Lucas. Algunos guiños. El punto de vista europeo y los tópicos, también cabe decirlo, sobre los americanos, “Paul” nos regala muy buenos momentos geeks y de amor hacia esa época, sus películas, series e incluso su música, que quizás no encontrábamos desde cintas como “Rebobine, por favor” de Michel Gondry.

El film empieza cuando Graeme Willy (Simon Pegg, Hot Fuzz/Arma fatal) y Clive Gollings (Nick Frost, Hot Fuzz/Arma fatal, Zombies Party/Una noche de muerte) dos freakys, deciden viajar desde Reino Unido hasta el Comic-Con de San Diego, pasando por algunos de los puntos más emblemáticos de la cultura U.F.O como el Área 51, de repente en medio de la carretera topan con el que resulta ser un irónico y graciosillo alienígena que lleva sesenta años encerrado allí aconsejando a los líderes mundiales acerca de otros alienígenas y que decide escaparse porque sabe que van a por él para diseccionarlo porque ya no resulta útil. Mientras tanto los que se supone son los hombres de negro, al mando el agente Zoil (Jason Bateman, Juno) y el padre de Ruth Buggs (Kristen Wiig, Date Night, Lío embarazoso), una joven a la que ellos han secuestrado accidentalmente, irán tras ellos para darles captura. Grame y Clive deberán entonces salvar al alien, devolverlo a la nave nodriza y así convertirse en héroes interestelares.

El guión corre a cargo de los propios Pegg y Frost y la dirección, más que correcta llega de la mano de Greg Mottola (“Supersalidos”, “Adventureland”) quien sabe otorgarle ese aura semi-adolescente al tratamiento de los personajes.

El resultado es un refrescante film ideal para estos días estíos, aunque un tanto fríos, entretenida y que puede gustar a un amplio abanico de edades, pero sobretodo a los que rondamos cerca de los treinta hasta los cuarenta.

Calificación: 6/10

Pinche aquí para ver el vídeo

www.whatispaul.com

El personaje creado hace más de quince años por J. K. Rowling vuelve a la gran pantalla, esta vez en un emotivo regreso, ya que se trata de la despedida, por lo menos por el momento, de Harry Potter hacia su séquito de fans en todo el planeta que este mes se dirigían a mares a las salas de cine.
Polémica a parte sobre si el último libro de la saga se ha dividido en dos películas por motivos creativos o puramente comerciales, la verdad es que “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte II” resulta ser una cinta llena de sensibilidad, acción, planos espectaculares y una gran banda sonora, como las mejores historias de las que disfrutábamos de pequeños y mucho superior a alguno de los capítulos anteriores sobre el joven mago.

El hecho de estar realizada en 3D ha sido un plus a favor de una serie que de que haberse estirado más hubiera llegado a resultar a ser pesada, así que se agradece este punto (a parte o final) en la narración. Una narración que esta vez se centra en un tenebroso Hogwarts que es atacado sin piedad por el ejército de Lord Voldemort (Ralph Fiennes), cuyo único objetivo es acabar con la vida de Harry. Mientras tanto algunos caerán en el camino en esta trama (séptimo capítulo del libro) mucho más oscura y sombría que sus antecesoras, pero donde el protagonista (Daniel Radcliffe) volverá a contar con la inestimable ayuda de Ron y Hermione (Rupert Grint y Emma Watson), quienes se tienen que encargar de encontrar y destruir junto a su amigo, los horrocruxes en los que Voldemort ocultó partes de su alma, con la esperanza de alcanzar la inmortalidad.

En este caso cabe destacar tanto la dirección de David Yates, como el guión de Steve Kloves, las interpretaciones de los secundarios como Maggie Smith, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, Matthew Lewis y por supuesto el regreso de Alan Rickman como el profesor Severus Snape. E incluso las principales son correctas, a fuerza de un papel que han hecho suyo. La épica en las imágenes de gran belleza y el entretenimiento a raudales, ponen la guinda final a “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte II”, una película que gustará tanto a los que son como los que no son fans de la saga.

En resumen un excelente final para una serie que ha creado ya historia al lado tan solo de algunos pocos títulos del cine actual, que ha marcado a toda una generación y puede que a las venideras.

Calificación: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

harrypotter.warnerbros.com

Tras títulos tan dispares como “Orgullo y prejuicio”, o “El solista”, el británico Joe Wright regresa con este thriller que nos ha sorprendido a todos de mayor o menor manera. “Hanna” es una cinta nada convencional que escapa a la imagen de cine purista al que hasta ahora nos tenía acostumbrados el director, para adentrarse en algo totalmente diferente y demostrar que puede salir airoso en el intento.
La historia se centra en una joven (Saoirse Ronan) que ha sido educada y criada al margen del mundo en el norte de Finlandia, con la única intención de convertirla en una máquina de matar. Su padre (Eric Bana), un ex hombre de la CIA, se ha encargado de ella durante todo este tiempo pero de repente llega la hora de separarse. La muchacha deberá escapar a sus perseguidores cuando es capturada, aprenderá a convivir en un universo al que no está acostumbrada y descubrirá la verdad sobre si misma.

“Hanna” es un film que se apoya sobretodo en las interpretaciones del trío protagonista, a parte de Ronan y Bana, Cate Blanchett en el papel de la despiadada agente de la inteligencia, Marissa Wiegler, vuelve a demostrar que puede estar soberbia como mala de la película. El equilibrio entre el thriller y la acción también es uno de los puntos fuertes de esta extraña cinta además de la estupenda banda sonora a cargo de Chemical Brothers que en los momentos más frenéticos consigue mantenernos enganchadísimos a la butaca. Las localizaciones ayudan también a la fotografía del film con algunos planos destacables en distintos puntos de Europa como Andalucía o Alemania y África, en la peregrinación sin aliento de la protagonista intentando huir de las garras de sus captores. Algunos puntos cómicos entre la broma y la sátira ayudan a deslizar a los personajes a través de la historia, aunque haya momentos que nos resulten poco creíbles.

Así lo nuevo de Wright se transforma en un ejercicio en el que pesan tanto las escenas adrenalíticas como los sentimientos/sensaciones del personaje principal en busca de sus raíces y su identidad, aunque en algunos momentos pueda fallar un poco en la forma de contarlo, sin profundizar más en el tema. De todos modos y en general, se trata de una cinta curiosa que puede gustar o no, pero que en si resulta distinta y original.

hannathemovie.com

Tras el chasco que supuso la precuela “X-Man Origins:Wolverine”, la saga más popular de cómic Marvel llevada al cine, y la primera, regresa a las pantallas de la mano del director británico Matthew Vaughn (Kick-Ass, Stardust). Lo hace con una nueva revisión de los personajes centrales, los que dieron vida a la historia, en sus años de juventud. Así encontramos al profesor Charles Xavier (James McAvoy), Magneto (Michael Fassbender) y Mística (Jennifer Lawrence) en el punto de partida, cuando el primero debido a unas duras condiciones en la niñez empieza a desconfiar del género humano e incluso a odiarlo, y los otros dos descubren que son “especiales”, diferentes a los demás.

Vaughn dirige con gracia, sin perder la esencia de los films de Bryan Singer, respetando el gran trabajo de este y regresando al camino en que el director de las dos primeras entregas dejó a los personajes, pero bajo un prisma personal y en una vuelta al pasado, capaz de crear por tanto una precuela susceptible de contener varias continuaciones.

Desde el punto de vista de los amantes del género y los fans de la franquicia, se agradecen detalles como el vestuario actual de los X-Men, más acorde con lo que podemos ver en formato papel, pero se echa de menos una revisión más profunda en el tratamiento de los personajes, si bien resulta difícil dado a la amplia aparición de estos. Aún así tanto el terceto protagonista como el villano Sebastian Shaw (interpretado por Kevin Bacon), gozan de algo más de disección por parte de los guionistas.

Así pues “X-Men: Primera generación” se desenvuelve bien ofreciéndonos grandes momentos que equilibran la acción y los efectos especiales con el tratamiento de los personajes y las interpretaciones, algunas más brillantes que otras, convirtiéndose por tanto en un producto de obligado visionado y que puede gustar desde al más flexible amante de este tipo de películas, hasta al más exigente. Una gran puesta en escena que sorprenderá y entretendrá a partes iguales.

www.x-menfirstclassmovie.com

Tras su ópera prima, Duncan Jones regresa con su segunda película “Código fuente”, un film de ciencia-ficción que si bien guarda paralelismos con “Moon” es bastante diferente a esta.

Colter Stevens (Jake Gylleenhal como protagonista de acción más que correcto) se despierta en un tren y conoce a una chica que se llama Christina Warren (Michelle Monaghan) quien parece conocerle de antes, extrañado se dirige al baño y descubre que su reflejo no es el de su persona sino el de otro hombre. Automáticamente después aparece en una unidad de aislamiento de alta tecnología, donde conoce a otra mujer con uniforme militar llamada Goodwin (Vera Farmiga) que le exige que le cuente todo lo que ha visto.

Así arranca el guión escrito por Ben Ripley, quizás no con una filmografía muy destacable, que si bien tiene algunos puntos flojos, se sostiene bastante bien a lo largo del metraje, sobretodo por la impecable dirección de Jones, sencilla pero directa y con algunos planos magistrales obra de Paul Hirsch en el montaje. Si bien es cierto que la historia se basa en una cadena de repetición de los hechos hay momentos demasiado previsibles y tampoco se acaba de sacar todo el jugo como podría haber sido de otra manera.

Aunque en conjunto se puede decir que “Código fuente” es una muy buena película del género que no cae en los clichés y que entretiene hasta el final. Un film que no se para solo en las escenas de acción sino que va más allá, ofreciéndonos a parte de momentos frenéticos, una clara reflexión de la escencia del ser humano y de la toma de decisiones, del espacio tiempo, de la acción-reacción, las casualidades y hasta los deseos no cumplidos. Y es en ese punto en el que guarda cierto paralelismo con “Moon” ya que las peliculas de Jones no son lo que parecen en un principio, he ahí la clave de su inesperado éxito.

Con la mezcla de estos ingredientes conseguimos saborear una película en la que disfrutaremos a partes iguales de misterio, intriga, acción, ciencia-ficción, humanismo y existencialismo, un plato muy completo que hay que degustar.

www.enterthesourcecode.com

Una batalla personal para afrontar una guerra mundial

Quizás quedará  esta crítica como muy cómoda, porque a toro pasado todos sabemos mucho, y la escribo la noche después de que El Discurso del Rey, se haya llevado los 4 Oscars de más prestigio –Mejor Película, Director (Tom Hopper), Actor Protagonista (Colin Firth) y Guión Original (David Seidler), pero tengo la tranquilidad moral de saber que esta crítica la iba a hacer la semana pasada y por motivos personales me fue imposible. Por si sirve de algo ayer tarde (lógicamente antes de la gala), volví a verla por 2ª vez, quise llevar a mi hijo de 11 años, al que le ofrecí 3 opciones, Chico y Rita (animación y una banda sonora estupenda), Valor de Ley (western, paisajes, caballos, tiros y  estas cosas que siempre han gustado a los críos, y a nosotros también cuando lo éramos), o El Discurso del Rey ( de la cual le dije que era una película inteligente, sin efectos, sin parafernalias, sin escenas de acción, pero con un contenido más que importante). Quedará feo que lo diga, pero el chaval eligió la última opción y le primó más supongo, el entusiasmo con que le explique lo mucho que me había gustado la película cuando la vi por primera vez, que otros factores.

La película es un ejercicio de proximidad, dentro del contexto de una de las casas más estiradas del mundo de las realezas, basada en un hecho real y con fuertes evocaciones del regio cine inglés, el director Tom Hopper ha sabido recrear una época y una situación inusual en la que él que llegará a ser el Rey Jorge VI de Inglaterra, tiene que afrontar sus problemas de tartamudez que le han acompañado desde la infancia para poder ejercer de monarca en una situación de declaración de guerra donde la radio era el único sistema de comunicación y propaganda, donde la palabra, a falta de imagen era el recurso para alimentar consciencias y enervar corazones ante esa 2ª Guerra Mundial que estaba en camino.

Para ser conscientes de las connotaciones del retrato monárquico que desprende la película, un apunte, el guionista David Seidler hoy en día con 74 años, hace ya 30 que tenía escrito el guión, pero no lo ejecutó por expresa petición de Isabel que lógicamente llegó a ser la reina Madre (Helena Boham Carter, en el film, también muy correcta y creíble), hasta la muerte del Rey en atención a los doloroso recuerdos que le suponía. Por el contrario y para compensar parece ser que una de las más grandes fans de esta obra es la actual Reina de Inglaterra, que quedó fascinada por como se retrataba este retazo de historia que no deja de ser parte de la suya.

Impresionante el papel de Colin Firth, y casi encuentro injusto que el Oscar al mejor secundario no haya sido para Geoffrey Rush, (el logopeda Lionel Logue) este veterano y exquisito actor que da una replica la papel del Rey absolutamente carismática, y que consigue que el desarrollo de esta pequeña epopeya de esfuerzo, conocimiento y amistad llegue a momentos realmente emotivos. Todo ello acompañado de una ambientación correctísima, una fotografía eficaz, y un evidente sentido de la dirección, nos dejan un ejercicio cinematográfico esplendido.

No quiero contar mucho más por aquello de que cuando vayáis a verla la descubráis vosotros mismos, solo os puedo decir que ya no son los Oscars, ni los Bafta, ni ….muchos otros reconocimientos públicos que ha tenido, es disfrutar de la sintonía entre personajes, entre la realeza y el pueblo cuando aquella primera necesita del humilde para poder ser grande.

www.kingsspeech.com