A favor

J.J Abrams vuelve a la carga con un film que sume a un futurista mundo en una profunda crisis que tambalea los cimientos de la civilización.

Nuestros amigos de la Enterprise, se verán de nuevo inmersos en una aventura, en busca de un misterioso y amenazador villano que quiere destruir la flota estelar a toda costa. Sus imaginativos y enigmáticos propósitos traerán de cabeza a toda la tripulación.

El guión es simple y definido, bastante predecible, pero funciona perfectamente y el ritmo de la película nos mantiene atentos a la pantalla en los cambios continuos de trepidantes persecuciones y batallas espectaculares, con guiños cómicos puntuales, en un despliegue de arrolladoras escenas que nos dejan disfrutar del film en toda su extensión y consiguen la inmersión del espectador en una excelente y genuina aventura de ciencia ficción.

Chris Pine como el Capitán Kirk, en su papel de héroe inadaptado está correcto, aunque a mi parecer demasiado joven e impulsivo para ser un capitán de una nave que requiere una experiencia y aplomo que pocos han sabido llevar a la pantalla.

Zachary Quinto como Spock, logra conectar con el espectador en una actuación excelente durante toda la película. La capacidad que tiene el actor de pasar de momentos de incomprensión a la complicidad o de la frialdad a la rabia, son magistrales. Un digno sucesor de Spock.

Benedict Cumberbatch como John Harrison, el villano de la película, es todo un acierto. En sus cortas apariciones llena la pantalla. Una magistral interpretación donde demuestra todo su talento como actor y nos convence.

Simon Pegg en su característico papel cómico da vida a un formidable Scotty que os sacará más de una sonrisa.

El momento erótico, lo marca la hija del Almirante, una rubia despampanante que nos sobresalta en una, por desgracia ,corta escena donde sale con ropa interior, atentos. Poca cosa más se puede decir de su pobre actuación en la película.

El apartado técnico, impecable, aunque era de esperar tras la inversión de 185 millones en la película.
Una ambientación perfecta como la ciudad de un Londres futurista, que maravilla por su recreación magnífica.

Los efectos especiales brillan por su realización y espectacular ejecución, en muchas de las escenas que llenan todo el film de secuencias emocionantes y vibrantes que no te dejarán indiferente.

Todo ello aderezado por la banda sonora de Michael Giacchino que nos introduce de lleno en escena.
Un excelente trabajo en su conjunto.

En contra

“Star Trek: En la oscuridad” es un film de título engañoso. Al leerlo uno cree que verá en la pantalla una historia con grandes dosis de emoción o dramatismo y eso no acaba sucediendo en lo nuevo de J.J Abrams. Parece que al genio ya no le brilla tanto la lámpara y que a falta de nuevas ideas e intentando homenajear en todo momento a la serie original, como si de un simple fan se tratara, seduzca a partir de efectos especiales impresionantes y magnánimos para dejar a los seguidores con la boca abierta.

Porque sí, porque hay escenas como el salto de la tripulación entre naves o el final cuando se enfrentan al villano que están muy bien realizadas y con unos efectos especiales espectaculares, pero de ahí a que la historia pueda trascender una vez te has alejado de la sala, poco.

Así como la anterior “Star Trek” (2009) profundizaba mucho más en la entidad de los personajes, sus confrontaciones y personalidades y daba la sensación de ser una historia lograda y un nuevo punto de inflexión en la factoría, esta segunda parte se ha quedado en lo que algunos se han atrevido incluso a catalogar como un videoclip de una estrella del pop, debido a su excesiva carga de destello visual.

Se entiende que haya quien la defienda por ser un gran espectáculo, pero hubiera sido de bofetada que después del gasto de la cantidad de dólares que han invertido en la película no hubiera sido de tal manera.
“Star Trek: En la oscuridad” es el regozijo del mainstream, una peli blockbuster hecha por un fan para los fans de la saga. Una película palomitera sin muchas más pretensiones que deslumbrar a través de grandes efectos y nuevas tecnologías.

Aún así la salvaría por las interpretaciones de gran parte del elenco, sobretodo por las actuaciones de Zachary Quinto como Spock y Benedict Cumberbatch, como el villano de la película. Y por el atrevido y apabullante despliegue audiovisual que acaba ofreciendo, si no vas al cine esperando mucho más.

Redacción: Paco / Markus

Baz Luhrmann

El film arranca con Nick Carraway (interpretado más que correctamente por Tobey Maguire) que nos cuenta como conoció a Jay Gatsby (brillante Leonardo DiCaprio), la relación de este con Daisy Buchanan (Carey Mulligan), y la impresión que este hombre rico le causó. La narración es fiel al original pero peca en las formas, convirtiéndose en un ejercicio visualmente potente, y exorbitante, pero algo frío y vacío en cuanto al universo que el escritor quiso reflejar, la clase alta en los años 20 en EEUU. Porque el envoltorio es muy brillante pero al final lo más destacable de la película es sin duda el elenco de actores que la forman, siendo el resto un viaje kitsch de casi dos horas de duración, y eso es mucho para aquel al que no le gusten este tipo de películas. Así que al que no le guste el cine de Luhrmann, mejor que ni se acerque a la sala. Quizás se salva el último tercio de película, que es la que dispone de mayor carga de dramatismo pero el resto es un espectáculo de color y confeti.

Puede que “El gran Gatsby” disponga de algunos buenos momentos, que agrade a los seguidores del australiano a de cualquiera de los interpretes, pero al final se aleja en demasía de la atmósfera de la historia y cae en una ostentación en ciertos momentos innecesaria.

Calificación: 6/10

Al fin y al cabo estamos hablando de púberes, de niños de camino a la madurez, un momento de la vida de cada uno en la que pasamos por un proceso transformador que nos acaba convirtiendo en lo que somos. Nos define, y mientras tanto estamos sometidos al escrutinio del entorno que nos rodea, porque el peso de social es grande, incluso superada ya esa etapa. Aprovechando estos temas tan universales, personales y cercanos Sciamma nos narra un bonito cuento muy bien interpretado por las actrices principales (Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson), que aunque jóvenes ya nos demuestran su talento. “Tomboy” cuenta la historia de Laure, una niña de aspecto andrógino que llega nueva al barrio y se hace pasar por un chico, se cambia el nombre por Mickäel y ese verano conoce a Lisa, quien le prestará mucha atención porque es diferente a los demás chicos que conoce. La tensión por lo que puede que pase más adelante o a cada momento que Laure se hace pasar por chico (teniendo en cuenta que los padres no saben nada de esto), es un punto a favor de la película que aumenta su emoción al final de la misma. Eso junto al hecho de ver los acontecimientos desde el punto de vista de los niños y de un modo totalmente tierno es lo que hace que la película sea digna de destacar.

“Tomboy” es pues un nuevo planteamiento de ver la búsqueda de la analogía sexual, bajo un punto de vista que mezcla los toques mágicos con la realidad cruda y dura.

Calificación: 8/10

La película ha sido producida por Francis Ford Coppola y su hijo Roman, ya que el director disponía de los derechos del texto y era un proyecto que ya tenía en mente desde hacía años. En ésta se narra el camino hacia la libertad de tres jóvenes, Sal Paradise (seudónimo de Kerouac), un neoyorquino que aspira a escritor y que para evadirse se la realidad tras la muerte de su padre se une a Dean Moriarty (quien en realidad es Neal Cassady) y a LuAnne Henderson (mujer de Cassady quien también fue escritora). Esta road movie cuenta con una estupenda banda sonora, una dirección de fotografía exquisita y un reparto con buena nota (más para unos que para otros) y entre los que encontramos a Sam Riley, Garrett Hedlund, Kristen Stewart, Amy Adams, Alice Braga, Kirsten Dunst y Viggo Mortensen.

“En la carretera” es un grito a la libertad, un camino hacia el cambio imaginada por todos aquellos a los que no les gusta la realidad que les rodea. Pese a la cantidad de texturas que aparecen en el texto, el relato en gran pantalla se queda corto en los 124 minutos de metraje que dura el film, no acaba de profundizar del todo en algunos pensamientos de los protagonistas y nos narra casi solo las acciones que tienen lugar de manera consecutiva, y quizás la parte que se eche de menos de la adaptación sea hondar un poco más en la personalidad del protagonista o de algunos de ellos, sus puntos de vista. Aunque por otro lado se agradezca la fidelidad al original en cuanto a narración de los hechos se refiere.

Sexo, drogas, alcohol, conversaciones nihilistas, música jazz, eso es lo que podemos encontrar en este retrato de una época a la se le deben muchas cosas y que abrió un camino que ahora están tratando de volver a cerrarnos en muchos sentidos.

Calificación: 8/10

Para empezar decir que ese mundo, el de los adolescentes, en el que nos introduce muchas veces Korine es fiel a la realidad, quizás no a la de todos pero sí a la de la sociedad del momento, tan solo hay que encender el televisor para darse cuenta de unas cuantas cosas y que el californiano nos retrata del modo más desgarrador e hiper-real posible. En este caso, cuatro chicas de instituto (tema a parte es si la elección de las actrices ha sido buena, porque dos de ellas vienen de Disney tratando de hacer de chicas malas, bla, bla bla…) que sueñan con un ideal impuesto por el entorno y a la vez por ellas mismas en el que se mezcla la fiesta, la fiesta y más fiesta y que tiene lugar al otro lado del país, en las interminables playas de Florida (lo que aquí vendría a una Ibiza en hora punta, por ejemplo). Pero ese paraíso muchas veces choca en un momento dado con una realidad que quizás no es el esperada, ya que toda esa fantasía tiene también su lado oscuro con la que irremediablemente te das de bruces.

Es en ese momento en el que siempre aparece una figura clave, en este caso encarnada en el personaje de James Franco, que viene a ser como un ángel a caballo entre el cielo y el infierno. Éste las guiará por un recorrido donde estarán presentes las armas, las drogas, los atracos, temas pop, el sexo y el alcohol que se representan en algunas escenas como una especie de videoclip de un grupo riot de intenciones declaradas. Por lo tanto “Spring breakers” es un fragmento de una descarnada y distorsionada (siempre llevada al límite) realidad en la que la juventud juega un papel clave, todos hemos pasado por momentos más o menos escandalosos a ojos del observador, y que mezclada con las circunstancias y el ámbito dan lugar a un cóctel explosivo.

El film tendrá defensores y detractores y está claro que no es apta para todo el mundo, pero al fin y al cabo es lo que Korine busca en cada una de sus historias, dejando la decisión del visionado en manos del espectador.

Calificación: 8/10

A favor

Aleix G.: Para aquellos que no hayan visto Looper no continuéis leyendo.
Estaremos de acuerdo en que este año ha sido el año de los desastres de grandes blockbusters de ciencia ficción. Hasta Disney se ha estrellado con John Carter, un truño bastante gordo, pero nada comparable a grandes entregas como Battleship (donde un Liam Neeson necesitaba dinero porque sino no se entiende) o Underworld: El despertar. O peor aún, el horror indescriptible de Prometheus.

Por fin un pequeño soplo de aire fresco. Una doble trama escondida con giro de argumento a media película (totalmente opaco en la promoción de la película) que se agradece. Un Joseph Gordon-Levitt aceptable (y con una cara rara debido al impecable maquillaje que lo acerca a su tocayo Willis), un Bruce Willis interpretándose a sí mismo por enésima vez a lo Bardem en No country for old man y un buen elenco de secundarios hacen creíble la mayoría de escenas. También se agradece que no nos intenten explicar a lo Inseption (Origen) cómo coño funcionan los viajes en el tiempo, ni cómo el ser humano ha desarrollado poderes telekinéticos, ni porqué sólo las armas cortas disparan láseres…. que para la trama de la película nos debería importar un pimiento!

A pesar de acabar siendo un mix entre Terminator y Akira y tener algunos agujeros insalvables (típicos del género, como el tema de la existencia paralela cuando se va cambiando el presente….etc…), Looper es una película de ciencia-ficción digna para pasar un domingo por la tarde entretenido sin salir del cine con ganas de matar a alguien o pensar que los guionistas de Hollywood se han vuelto todavía más retrasados. A ver si puedo tomármelo como un previo de calidad a lo que espero sea The Hobbit!!! Vale la pena…

En contra

Ramon Sort: Has sido demasiado generoso con tu crítica. La película se deja ver bien e incluso pasas un buen rato viéndola, pero tiene un fallo de guión y otro de montaje imperdonables en una película profesional.
1. Se dice que en el futuro no se puede asesinar y por eso meten a los condenados en la máquina del tiempo para que los maten los loopers del presente. Pues bien, los tíos que van a buscar a Bruce Willis asesinan a su pareja. Si asesinan a la china entonces es posible asesinar en el futuro, ergo no tienen ningún sentido los looper y con ello la película.
2. Se ve la escena en que llega Bruce Willis y golpe a su yo del pasado y después se escapa en un tren. De golpe y porrazo la película se para en seco y se repite la misma escena, pero en esta ocasión el yo del pasado mata a Bruce Willis. Entonces se ve como el protagonista va creciendo hasta que se convierte en Bruce Willis y vuelve a repetirse la suso dicha escena en que golpea al yo del pasado. El montador ha montado la misma escena dos veces y es evidente que la primera vez que la monta no tiene ningún sentido.

Aleix G.: Un momento, un momento…. por partes:
1- Lo mejor de la peli es el maquillaje de Gordon-Levitt (con esa premisa ya no dice mucho!), pero teniendo en cuenta lo último que se ha hehco en el género, está se convierte en la mejor peli de sci-fi del año (por suerte o por desgracia)… Dime cuál es la útlima película buena de ciencia ficción que has visto en el cine?
2- En ningún momento de la película se dice que NO se pueda matar a nadie en el futuro si no que gracias a la tecnología te pillan siempre. Con lo que el fallo de guión no es que la manten en sí, sino que una vez asesinada (y por lo tanto descubierto el asesino!) porqué no matan a Willis en lugar de enviarlo al pasado… Supongo que porque entonces la peli se llamaría algo así como One way ticket en lugar de Looper.
3- Lo de “kit kat” es un recurso típico del género “what if”… no le veo pega. Además es la única manera de explicar realmente lo que le pasó a Willis en el futuro, cómo evoluciona el personaje de G-Levitt y hacer un incapie que el futuro puede ser reescrito constantemente…

Enlace a artículo del autor: Aleix Gordo Blog

Aprovechando el lanzamiento de la nueva película, dirigida por Mark Andrew, Brenda Chapman y Steve Purcell, Disney Pictures ha lanzado un juego para iOS que reseñaremos a continuación, en versión Temple Run, uno de los juegos más aclamados en la App Store. El juego está disponible para iPhone 3GS, iPhone 4, iPhone 4S, iPod touch e iPad.

Temple Run: Brave

Disney ha comprado parte de los derechos de Temple Run, el exitoso juego lanzado por Imangi Studios en 2011, para lanzar su propia versión basado en el nuevo personaje de Pixar. La historia se centra en una princesa escocesa que trata de salvarse de un hechizo impuesto a su familia desde hace tiempo. Basado en la misma jugabilidad, deberemos de escapar corriendo (a lo Indiana Jones), de los peligros que nos acechan. Una de las mejoras con las que nos topamos de entrada, son la mejora en los gráficos que encontramos en esta versión adaptada. Aunque no encontramos nada nuevo que difiera del título original, sí que los fans de la princesa Mérida encontrarán horas de diversión asegurada.

Otro pequeño cambio que encontramos es que para ambientarlo más en la historia, dispondremos de armas nuevas, como un arco, con el que podremos derribar algunos muros (con dianas includias) para conseguir puntuación extra. Además podremos recoger, en un instante más relajado de la partida, algunas monedas que aumentarán nuestro score final. Los enemigos también varian un poco, ya que en Temple Run te perseguían monos, y aquí el oso enemigo de la protagonista. La banda sonora acompaña excelentemente al título que con este cambio a 3D lo convierte en, aunque sea lo mismo, una nueva experiencia.

Esta versión también podremos encontrarla en Android, y aunque en un principio era de pago, ahora mismo podemos encontrarla completamente gratuita, algo que supone un incentivo más a la hora de conseguir descargas. Y por citar alguna desventaja, en según que versión de dispositivo, la pantalla se para a veces, quizás debido a su gran renderización, y eso lo convierte en un handicap a la hora de disfrutar al 100% del juego.

Pese a las pequeñas inconveniencias, Temple Run Brave, se convierte en un buen título adaptado a una licencia como ha ocurrido en casos como Angry Birds Rio o Fruit Ninja: Puss, por ejemplo.

Puntuación de Popchild:

Jugabilidad: 8/10

Sonido: 8/10

Gráficos: 9/10

Entretenimiento: 7/10

Media: 8/10

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Brave – La película

La intachable y relevante carrera del estudio del flexo, es decir Pixar, es innegable y a estas alturas es muy difícil superar el listón tan alto que ellos mismos han dejado en la historia de la animación. Brave no conseguirá superar esa barrera, pero se trata sin duda de una buena película que se suma al listado de grandes títulos de los que dispone la factoría.

Tras varios cambios en la dirección y pasar de un supuesto tono más oscuro que se pormetía en un principio a otro más infantil y “mainstream” (efectos del miedo a la crisis, puede ser…), la cinta dirigida finalmente por Mark Andrews, Steve Purcell y Brenda Chapman (de quien parte la idea principal basada en la relación con su hija), y quienes han trabajado también en el guión, resulta una historia marcada por los valores personales y generacionales.

La historia se centra en la princesa escocesa Mérida que se ve obligada a buscar pretendiente para casarse, aunque ella decide optar por cambiar las costumbres de su entorno y familia y lanzarse a la aventura. Es la primera vez que en Pixar encontramos a una protagonista femenina que nos acerca de ese modo más a las princesas Disney, sobretodo a heroinas como Mulan. Como siempre el diseño de los personajes ha estado minuciosamente cuidado, tanto de principales como de secundarios, sino solo hace falta fijarse en la extensa cabellera de la protagonista. Los escenarios, en la Escocia Medieval también suponen un punto a favor del film. Así que en esta cinta han arriesgado un tanto en su forma pero en su contenido seguimos encontrando una historia para toda la familia, cargada de entretenimiento, con momentos de gran sentido del humor y ternura.

Brave recupera de ese modo un poco más la credibilidad hacia Pixar que la había perdido en Cars 2, pese a tener sus buenos momentos, aún sin por ello arriesgar tanto como nos prometían en un inicio, deberemos de esperar un poco más para verlo. Aún así se trata de una película altamente recomendada, sobretodo para verla con los más pequeños, que al final es en realidad hacia quien van dirigidas este tipo de historias, y sin perder el ritmo.

Calificación: 7/10

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Por un lado analizaremos el juego para plataformas iOS que ha salido a la venta esta misma semana (también disponible para Android). Por otro la pre-crítica del esperado film protagonizado esta vez por Andrew Garfield (Peter Parker), Rhys Ifans (Dr. Curtis Connors / El Lagarto) y Emma Stone (Gwen Stacy) y dirigida por Marc Webb (500 days of Summer).

The Amazing Spiderman – El juego

Gameloft presenta “The Amazing Spiderman”, un juego posterior a un inicial “Spider-Man Total Mayhem” publicado en 2010. Se trata de un título que gustará tanto a los fans del personaje como a los que no lo son tanto. Además presenta en esta nueva versión algunas mejoras que hacen de la jugabilidad algo mucho más destacable que el anterior. Este se acerca más a títulos como “Batman Arkham City” para PC, por ejemplo. El manejo de los controles es mucho más sencillo e intuitivo, veremos a nuestro protagonista avanzar por los tejados de la ciudad de Manhattan, enfrentándose a matones y moviéndose gracias a la ayuda de sus telas de araña.

El movimiento del personaje por la pantalla es bastante rápido, por lo que tampoco es extraño que nos peguemos más de un batacazo contra el suelo o edificio. Salvaremos a inocentes y nos enfrentaremos a varias misiones y saltaremos de un lugar a otro gracias a la ayuda de un mapa que nos guiará por los diferentes niveles que deberemos de superar, además de las misiones que nos vayan apareciendo. La dificultad se va acentuando a medida que avanzamos en la partida, en algunos casos quizás hasta se nos complica demasiado, aunque no significa que sea imposible superar las pruebas que nos plantea este juego bastante a los RPG clásicos. Spiderman se va volviendo más poderoso debido a que cada vez que superamos un nivel conseguimos además de sumar puntuación, adquirir nuevas habilidades.

Además de adquirir poderes, superar misiones y detener a criminales, también podemos subir nuestra puntuación si logramos encontrar arañas (en otros juegos podrían ser monedas por ejemplo) que serán nuestros ítems extra. Por si esto fuera poco, podremos intercambiar estas arañas por artículos en una tienda tales como tónicos curadores y balsámicos para ser invencibles, o comprarlos en in-app (con dinero de verdad) si así lo decidimos.

Los gráficos son muy buenos, aunque podrían haber sido mejores, el entretenimiento asegurado. Aún así una gran experiencia para sentirte en la piel de superhéroe y surcar rascacielos, ventanales y deslizarte con la ayuda de esos hilillos lanzados desde tus muñecas.

Puntuación de Popchild:

Jugabilidad: 8/10

Sonido: 8/10

Gráficos: 8/10

Entretenimiento: 9/10

Media: 8/10

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The Amazing Spiderman – La película

La precuela del hombre(chico)-araña nos devuelve a las ya populares cintas mainstream que dirigiera Sam Raimi en su momento. Es decir que regresamos a lo que ya nos era conocido de antemano. Si alguien esperaba factor sorpresa, mejor que se cambie de sala ya que no todo puede ser el caso Batman-Nolan. Este título no es peor que sus antecesores, pero tampoco destaca, simplemente cumple su misión.

Si en “(500) Días juntos” Marc Webb desarrollaba un retrato dramático de toques románticos sobre las relaciones modernas, en “The Amazing Spiderman” poco se nota su mano, sobretodo debido a ese siempre presente arsenal de efectos especiales, persecuciones y explosiones que las productoras imponen frente al lirismo de los directores. De algún modo la huella del director queda palpable en algunos diálogos y en algún recurso musical (suena Coldplay en cierto momento) pero poco más, el resto a cumplir con el contrato con los estudios.

Aún así “The Amazing Spiderman” nos ofrece algunos muy buenos planos (como cuando vemos por primera vez el disfraz de Peter Parker), un gran elenco de actores que van desde los principales, Andrew Garfield (“La red social”), Emma Stone (“Criadas y señoras”), estos con más química que Tobey Maguire-Kirsten Dunst, Rhys Ifans (“Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 1″), hasta los secundarios como los veteranos Martin Sheen y Sally Field, y recupera la figura de este icono del cómic adentrándose un poco más en sus relaciones personales, dando cierto giro en este sentido y con un cameo (como no) de Stan Lee incluido.

Una cinta tanto para adolescentes como para seguidores de la saga, aunque con tanto estreno de película de superhéroes al canto no consiga prevalecer tanto en nuestro subconsciente como debería. Ah! y mucha atención a los créditos finales y su clara alusión a una segunda parte.

Calificación: 6/10

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La cinta de Jeff Nichols es una dicotomía entre lo más profundo de nosotros mismos y nuestros misterios como seres humanos y el miedo a una realidad inmediata que pueda acabar con todo lo que hemos logrado en la vida. La lucha interna del protagonista, Curtis (brillantemente interpretado por Michael Shannon, actor fetiche del director), nos permite darnos cuenta que a veces la linea que separa la verdad de nuestro punto de vista subjetivo es muy fina. Por ese motivo no tenemos claro en ningún momento si las premoniciones con las que sueña Curtis son fruto de una posible esquizofrenia por otro lado temida, o si por el contrario son el signo de un devastador futuro que le espera a él y a los suyos si no hacen algo por remediarlo.

Además está el hecho de chocar con todos aquellos que le rodean, incluso su mujer que ve que prefiere gastar el dinero en construir un bunker que en la operación para curar a su hija de una enfermedad auditiva, en pos de que el fin del mundo se acerca y que está haciendo todo lo que puede por salvarlas. Así encontramos a un ser en continúa confrontación con su entorno y hasta con él mismo. Y aquí encontramos la grandeza del film, dónde lo absurdo se podría volver lógico y al revés. Y dónde el protagonista debe de cargar tanto con la incomprensión como con la angustia que supone una situación como la que atraviesa.

Apoyando el trabajo de Shannon y el buen trabajo de planos de Nichols está Jessica Chastain, conocida gracias a su excelente trabajo en títulos como “El árbol de la vida”, el guión del propio director y la música de David Wingo que le da un ambiente en ciertos momentos asfixiante y en otros sosegado.

Calificación: 9/10

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Con un protagonista poco formal como es un caballo, lo cierto es que él es el eje en torno al cual gira cada una de las narraciones que se centran en las vidas de sus dueños a lo largo de cierto periodo de tiempo; la película nos muestra lo mejor y lo peor de la esencia del ser humano visto tras los ojos de un hermoso animal y donde el juego de tomas acojen un peso importante. Hay momentos realmente destacables como cuando lo liberan de la alambrada o cuando nos encontramos en medio de la batalla contra los alemanes en la Primera Guerra Mundial.

El guión está basado en la novela de Michael Morpurgo, y muy bien adaptado a la gran pantalla, fallan quizás un poco las interpretaciones “humanas” que pierden cierta intensidad frente a esa brillantez de escenas muy bien retratadas donde se cruzan la inocencia, el ímpetu y la ensoñación de un punto de vista personal que evoca todo aquello que nos hace ser quienes somos. Pero aún así estos relatos, concretamente tres, nos ofrecen la posibilidad de explorar el simbolismo del que hace gala el bueno de Steven.

Una obra familiar que, como clara excepción, merece las nominaciones a las que le ha sometido la Academia, y que cuenta además con el excelente apoyo y trabajo de John Williams con el que vuelve a contar tras años de colaboración conjunta.

Calificación: 8/10

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Porque el film de Miller trata temas universales como el coraje, la superación personal, y la intención de querer cambiar las cosas muchas veces injustas. La figura clave esta vez no es la del entrenador o la de la estrella deportiva, sino que Pitt interpreta a Billy Beane, el mánager de los Oakland Athletics, un equipo que va a la deriva hasta que Beane ve la luz gracias a la ayuda de Peter Brand, un economista de Yale con talento para los números. De ese modo Beane iniciará una confrontación contra las grandes franquicias que se han llevado a sus mejores jugadores en los últimos años a base de talonario, demostrando que gracias al ingenio, la voluntad y sobretodo la humanidad, se consigue el éxito, aunque a veces el éxito no sea bien bien aquello que creen las grandes compañías.

Partiendo de esa base que tiene como fundamento el factor humano, el realizador (especializado sobretodo en documentales) plasma plano a plano la evolución de un personaje en el que el actor ha encajado perfectamente. Y que además ha agradado tanto a la crítica como a la Academia porque está basada en un hecho real. Si a eso le sumamos unas buenas actuaciones del elenco de secundarios que van desde Philip Seymour Hoffman que como siempre está excelente hasta el propio Jonah Hill que funciona muy bien al lado de Pitt, el resultado es un título más que recomendable.

Quizás el hecho de que el guión este basado en un libro, “Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game” haya ayudado al éxito de la película, sin desmerecer por otro lado el trabajo de Aaron Sorkin (La red social) y Steven Zaillian (En busca de Bobby Fischer). Una buena película que te dará que pensar, aunque sea tan solo un rato.

Calificación: 8/10

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Aclaremos que nos hemos centrado en aquellas películas que se crean al margen de los grandes estudios pero que han gozado medianamente de cierta repercusión en la cartelera de nuestro país. Aquellas que cuentan con un presupuesto bajo de inversión pero que calan hondo en el subconsciente del palco y que acaban en boca de todos.

Sin más preámbulos, os dejamos con lo que creemos es de lo mejorcito que ha dejado tras de sí este 2011 que ya nos ha abandonado.

I’m Still Here (Casey Affleck)
Vale, la película data de 2010 pero llegaba a nuestro país en febrero de 2011. Se trata más que de una película, de un curioso falso documental tan bizarro como sorprendente. Quizás lo más interesante de la cinta en sí es el invento, el hecho de que tanto su realizador Casey Affleck, hermano de Ben, como Joaquín Phoenix nos hicieran creer durante un tiempo que éste último había perdido la chaveta, se había dejado greñas y abandonaba el cine para dedicarse al hip hop convertido en un ente de bastante mal humor llamado J.P. La farsa se hizo oficial cuando en septiembre de 2010 la película se presentó en la Mostra de Venecia. El film supone una buena experiencia al nada convencional Joaquín y el primer título como director de Casey, una filmación en la que también hacen cameos actores como Ben Stiller, Bruce Willis o Jack Nicholson. Una sátira al mundo del cine y a su encorsetamiento.

Win, win (Tom McCarthy)
Seleccionada en la pasada edición de Sundance “Win, win” es más que una peli indie, es un bello ejercicio al existencionalimo humano, a las relaciones entre desconocidos que al final se convierten en una gran familia. Destacan las interpretaciones del inclasificable Paul Giamatti y el debut del joven Alex Shaffer. De obligado visionado.

Los chicos están bien (Lisa Cholodenko)
Se trata de una comedia americana que toca de cerca el tema de las parejas de hecho, la homosexualidad y las relaciones pero de un modo natural, nada artificial. Nominada a los Oscar en la pasada edición como Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista (Annette Bening) y Mejor Actor de reparto (Mark Ruffalo), “Los chicos están bien” es una obra fresca que ahonda en las confrontaciones y los vínculos en el seno de una familia.

Nunca me abandones (Mark Romanek)
Es un film que data también de 2010 pero que aterrizaba en 2011. Esta adaptación de la novela de Kazuo Ishiguro, es una película dura pero que quizás se queda con elementos pendientes imprescindibles y que en el libro se describen mejor. Aún así, una narración muy interesante, una historia de ciencia ficción que bien podría ser cierta en un futuro, quien sabe. Esta versión se aguanta bien sobretodo gracias a las interpretaciones de Carey Mulligan, Andrew Garfield y Keira Knightley que dan vida a tres jóvenes que viven en un internado y cuyo futuro no va más allá de lo que para ellos se ha planeado previamente.

Inside Job (Charles Ferguson)
Ganadora en la pasada edición de los Oscar a Mejor Documental, “Inside Job” nos muestra la feroz crisis que nos asola y sus antecedentes. Un amplio trabajo de campo que pone cara y ojos a este hecho ya histórico y entrevista a algunos de los responsables de todo esto. El documental dura casi dos horas pero nos pasan volando gracias a todos los detalles que llega a ofrecernos en una labor pedagógica que al menos conseguirá despertar a algunas mentes, que ya iba siendo hora.

Happy thank you more please (Josh Radnor)
Dirigida por el actor Josh Radnor (“Cómo conocí a vuestra madre”), se trata de una cinta que mezcla lo trágico con lo cómico, una propuesta agridulce de tono coral que ahonda en el interior de sus protagonistas y nos ofrece una historia costumbrista y sencilla con toques ácidos y buenas interpretaciones.

Nowhere boy (Sam Taylor-Wood)
Con “Nowhere boy” la directora Sam Taylor-Wood se estrenaba en el cine centrándose en la vida de un joven John Lennon, sus años de adolescencia y la relación bipolar con su madre y su tía. No hay muchas referencias sobre los Beatles, salvo un par de pinceladas con la aparición de un jovencísimo McCartney, se centra más en esos lazos familiares con sus altibajos y que sitúan a Lennon como alguien cercano más allá de la figura del mito.

El árbol (Julie Bertuccelli)
Perder a alguien querido es algo difícil de superar y eso nos muestra “El árbol”, segunda película de la directora Julie Bertuccelli que cuenta como protagonista principal con Charlotte Gainsbourg. Un film en que el entorno (situado en Australia) se convierte en un personaje más, y donde la naturaleza nos arropa para alejarnos de aquellos pensamientos más penosos. Quizás llega un punto en el que el film se vuelve demasiado místico y filosófico pero aún así la belleza de las imágenes y el compás de la narración convierte a este cinta en algo digno de ser catalogado entre lo mejor de 2011.

Beginners (Mike Mills)
“Beginners” es una propuesta cuya idea es demostrarnos lo sorpredente que puede llegar a ser la vida. Se basa en la relación de un padre y un hijo que acaba de enterarse, después de tantos años, de que su progenitor es homosexual. Un ejercicio que lo que trata de hacernos ver es que cada día es una oportunidad más y una ocasión para aprender. Con muy buenas interpretaciones centradas en el trío Christopher Plummer (sobretodo), Ewan McGregor y Mélanie Laurent, la película nos reta a mejorar cada día.

El ilusionista (L’illusionniste) (Sylvain Chomet)
Una preciosista película de animación que homenajea al mítico Jacques Tati y que se basa en uno de sus libretos conseguidos gracias a la hija de este, Sophie Tatischeff. Un film en el que recuperamos al entrañable señor Hulot esta vez en la figura de un mago (Tatischeff) que ve como el mundo cambia a su alrededor en pos de la modernidad y cuyo mundo se hunde ya que ve pasar sus días de gloria en pos de estas nuevas formas de expresión artística. Ya no hay boudevilles, en su lugar hay conciertos de rock, y el music hall ha dado paso al pop y a sus estrellas.

Eva (Kike Maíllo)
2011 nos sorprendía con esta coproducción franco-española. Un film de ciencia-ficción que toma como referente los clásicos y que utiliza los efectos especiales (muy bien logrados pese al bajo presupuesto) solamente cuando estos son realmente necesarios. “Eva” es un film futurista donde los robots forman parte del paisaje cotidiano de los humanos. Otra película que merece sin duda aparecer en cualquier lista de lo más destacado del año.

Tímidos anónimos (Jean-Pierre Améri)
Para finalizar, pero no por ello menos importante, tenemos el film del galo Jean-Pierre Améri, una coproducción franco-belga donde las emociones confluyen, porque ¿quien no es, ha sido, o ha conocido a alguien tan tímido que es incapaz casi de interactuar en el día a día con el resto de la humanidad?. Esta original comedia romántica explora esta manera de ser dando pie a situaciones divertidas en las que finalmente los protagonistas lograrán expresar aquello que sienten, sobretodo en el amor. Un buen film con un excelente reparto encabezado por el fabuloso Benoît Poelvoorde y la estupenda Isabelle Carré.

La historia del film es sencilla y gira alrededor de Gosling, un mecánico y conductor de escenas de riesgo para películas que también hace trabajos para grupos criminales. Su vida cambia cuando conoce a Irene (Mulligan), una madre cuyo esposo (Oscar Isaac) está en prisión y que se dedica a cuidar a su hijo Benicio. Sin embargo, la manera en la que la película es narrada es lo que la hace grande.

Su hipnótica banda sonora, las escenas de acción, la eclosión de violencia explícita y la sensibilidad del protagonista, un lobo solitario seguro de si mismo y regido por estrictos códigos de conducta, que es capaz de mostrar grandes dosis de ternura y a su vez una brutalidad espantosa, y que se mantiene en equilibrio muy a pesar de la situación desencadenante tras decidir proteger a su heroína, convierten a esta cinta en una película de culto.

Asimismo, en “Drive” yacen claras referencias al cine negro, a las pelis de Serie B, a las de acción de los 80′s y, por supuesto, al cine indie. Y de hecho, es el propio director quien asegura que se trata de un homenaje a Alejandro Jodorowsky, a pesar de que también se inspiró en “Scorpio Rising” de Kenneth Anger (al loro!: la cazadora que lleva el protagonista durante toda la película tiene bordada un escorpión en la parte de atrás, y en algunas imágenes parece que tenga vida propia).

Por otro lado, y si vamos más allá… me atrevería a decir que “Drive” se mete de lleno en una ávida reflexión sobre las decisiones difíciles de la vida. Aquellas que te ponen del revés y de las que a veces resulta complicado reponerse sin habernos hecho alguna que otra herida. Pero también nos habla de las expectativas, de las oportunidades, de la finitud de la vida y… del amor, de la necesidad de amor por encima de todas las cosas, de ese amor que es capaz de atraparte y de quemarte y que te invita a dejarte llevar, aunque sepas de antemano que existe la posibilidad de que salgas mal parado. Todo ello se escenifica en una ciudad como Los Ángeles, vista desde el lado más perverso y obscuro, y aderezado con malas compañías, dinero sucio y ajustes de cuentas.

Sin más, “Drive” está llena de grandes detalles visuales y sonoros, esenciales para transmitir las historias de estos personajes brutales en situaciones desesperadas. La tensión traspasa la pantalla y a lo largo de sus 100 minutos te mantiene en vilo hasta que llega el apoteósico desenlace final, que marcará vuestras retinas cinéfilas de por vida.

Recomendadísima!*****

Recurriendo a un tema que podemos encontrar a títulos como “Cantando bajo la lluvia” e incluso la más reciente también gala (aunque en clave de animación), el “Ilusionista”, dónde de repente todo un mundo decae para dar paso a una versión reformada del mismo, “The Artist” se cuela en el mundo del cine de los años veinte, plagado de galanes, femmes fatales, contrastes en blanco y negro y el uso de la fotografía y la iluminación como piezas clave de cada una de las composiciones u obras.

La historia homenajea claramente a aquella época, echa una mirada atrás con admiración, y nos sitúa en un Hollywood donde famosas estrellas como George Valentin ven como su mundo se derrumba con la llegada del cine sonoro, la aparición de nuevos actores y la incipiente caída en el olvido que eso puede suponer. En el caso contrario encontramos a nuevas promesas emergentes como Peppy Miller. Es ese contraste, gracias por supuesto también a las interpretaciones de Jean Dujardin (George Valentin), Bérénice Bejo (Peppy Miller), entre otros, el que teje esta fascinante historia que no se aleja tanto de la realidad en la que vivimos hoy en día en el que las cosas cambian constantemente y donde hay que reciclarse o morir.

El film contiene además ciertos toques de parodia (no olvidemos que el director ha firmado anteriormente títulos como “OSS 117″, curiosa versión del cine de James Bond), tragi-comedia y consigue meternos de pleno en la piel del protagonista como a través del sonido acaba descubriendo un universo totalmente desconocido para él que además supone una amenaza. Ingredientes que logran mantener al palco enganchado a la pantalla y que la acaben aclamando como de lo mejorcito de este año que nos deja.

Calificación: 9/10

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“Criadas y señoras”

Un drama que critica el racismo pero sin caer en la lágrima fácil, con algunos toques de humor y una buena aproximación a los personajes, que si en algunos casos puede caer en el cliché, no por ello resulta menos honesta.

La historia nos transporta al sur de los EEUU en los años sesenta, concretamente a Jackson, Mississippi, Eugenia (Emma Stone), una joven escritora regresa a la ciudad tras haber estudiado fuera, al volver no se encuentra precisamente con el escenario que recordaba ya que las que en su día fueran sus amigas se han convertido en unas mujeres déspotas que maltratan, con buenas formas eso sí, a sus criadas, las mujeres que las criaron en la infancia. A partir de este hecho de enfrentamiento racial, Eugenia decidirá escribir un libro que hable sobre el trato vejatorio de algunas capas sociales por parte de otras, del comportamiento xenófobo en la sociedad que le rodea y en definitiva de la vida de estas mujeres, gracias a la ayuda de Aibileen (Viola Davis), la criada de su mejor amiga que animará a las demás a que se enfrenten también a sus miedos pese a la amenaza que se les puede venir encima por parte de todos aquellos que se encuentran a su alrededor. Solo de este modo podrán cambiar la historia y la sociedad en pro de las generaciones venideras.

La verdad es que Taylor lo tenía fácil con un guión tan rico y lleno de matices, pero también es verdad que su adaptación a la gran pantalla, con una muy acertada elección del elenco principal entre el que encontramos a Octavia Spencer, Viola Davis, Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain o Ahna O’Reilly, la ambientación de la película y ese acercamiento a los personajes, la película dura casi dos horas y media y consigue mantenernos atentos en todo momento, logra que como mínimo reconozcamos su tarea.

“Criadas y señoras” acaba siendo finalmente una película de esas que hay que ir a ver antes de que te hablen de ella, un film de los pequeños que merece el éxito cosechado.

Calificación: 8/10

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Mike (Paul Giamatti) es un abogado con recursos más bien escasos y buen padre de familia, un día uno de sus clientes, el señor Leo Poplar (Burt Young) debe de ponerse en manos de la justicia para que lo ingresen en una residencia dado a su brote de demencia senil, pero éste se niega. Mike decidirá encargarse entonces del anciano, aunque por motivos más económicos que altruistas, así que se pone al cuidado de Leo, pero lo acaba ingresando igualmente en la residencia para recibir los mil dólares que el estado debe de pagar al cuidador. Pronto aparecerá en la ciudad Kyle (Alex Shaffer), el nieto de Leo, un muchacho algo tímido y retraído, Mike decidirá alojarlo en su casa, aunque su esposa (Amy Ryan) en principio no querrá. Al final le cogerán tanto cariño como si se tratara de un miembro más de la familia.

Lo mejor de la película es que no cae ni en el melodrama desbordado que podría darse con este tipo de guión en el que uno de los personajes es la víctima de su propia vida, ni en la risa boba, pese a sus momentos humorísticos. Es decir que resulta inclasificable. Es un film que emociona aunque de un modo hiperrealista. Consigue hacernos sonreír y es como si viéramos la trama de la vida de cualquier persona sin ahondar en lo trágico ni en lo burlesco. Los personajes te envuelven en un ambiente acogedor, son seres con sus virtudes y sus fallos, pero honestos al fin y al cabo. Y el chaval protagonista se aleja del adolescente peligroso, del delincuente típico, mostrando más entereza que ninguno de los demás personajes, logrando cambiar, en cierta forma, a todos los que le rodean. Algo así como el héroe anti-héroe de la película.

Los combates en los que participan los protagonistas son además una clara alegoría de su lucha día a día, de su realidad, mientras que el título del metraje hace referencia tanto a esas ganas de salir victorioso por lo menos una vez, como a que al final de la historia todas las partes involucradas pueden salir ganando de una manera u otra.

Calificación: 8/10

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Terrence Malick

Nunca contar el significado de la vida fue tan bello, pese a que sé que nos encontraremos con toda clase de detractores que empezarán a decir que si la historia es una “fumada” del cineasta, que si está sobrevalorada y si en el fondo es un plomo. Para los que la sepamos disfrutar he de decir que hay que verla como un mensaje, gozando de su bella fotografía y su puesta en escena, mención a parte de las interpretaciones (a cargo de Penn y Pitt), pero sobretodo lo que importa es lo que se encuentra detrás de ella.
La historia nos traslada a los años cincuenta, al corazón de los Estados Unidos, dónde Jack empieza a vivir su vida primero con gran sorpresa por todo lo que le rodea, después con alguna decepción como es la relación con su padre, y al final con cierta nostalgia y el descubrimiento de si mismo.

Pero “El árbol de la vida” es ante todo una película con la que dejarse llevar y poner los cinco sentidos en ella, puede que como le ocurre al protagonista, alguna parte nos decepcione e incluso nos parezca demasiado pretenciosa, pero en su conjunto total es una magnánima obra, con sus perfecciones y sus imperfecciones, aunque a pesar de todo bonita. Como la vida misma.

Calificación: 8/10

Antoine Fuqua

Sal (Ethan Hawke), Eddie (Richard Gere) y Tango (Don Cheadle), son tres policías de Nueva York que cada día deben de salir a la calle y dejarse la piel en ello. Sal intenta tirar adelante su familia, llegando incluso a veces a que se le pasen ideas extremas por la cabeza. Eddie está a punto de retirarse, pero tendrá que pasar un día más con los recién llegados al cuerpo. Por otro lado Tango se mueve por una fina linea que se mueve entre el bien y el mal, llegando a hacer amistad con el delincuente interpretado por Wesley Snipes.

Fuqua vuelve la vista atrás a títulos de los setenta ya directores como Don Siegel o Richard Fleischer. Indaga y se sumerge en el día a día de este oficio entregándonos un relato áspero como lo es la realidad misma, que en algunos momentos resulta brillante pero que en otros se nos hace algo tedioso. La película goza de muy buenos recursos técnicos, tanto en la banda sonora, como en la fotografía y el montaje. Recupera el espíritu de series como “The Wire” dirigida por él mismo y dispone de un buen elenco de actores que echábamos de menos por su buen saber hacer. Quizás una de las más destacables es la Gere que lejos de buscar el plano perfecto sobre su persona, ofrece un retrato sincero de su personaje, un oficial de policía que ya no cree en nada y que en un momento determinado tomará una decisión que le hará cambiar la manera de ver las cosas.

Lo dicho, un film que igual si el género, tanto en televisión como en el séptimo arte, no hubiera estado tan explotado hubiera destacado más. Aún así merece la pena disfrutarla.

Calificación: 6/10

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“Horrible Bosses” título original de la cinta intenta llevar hasta el extremo una idea que en cualquier momento puede haber pasado por la cabeza de cualquiera aunque sea de modo inconsciente. Por un lado tenemos a un rudo hombre de negocios, un millonario sin escrúpulos, frío como el hielo, por otro una jefa acosadora sexual y finalmente al hijo de papá medio drogadicto y bastante capullo, brillantemente interpretados por los actores Kevin Spacey, Jenniffer Aniston y Colin Farrell, en registros en los que no estamos acostumbrados a verlos, pero bien desenvueltos e hilarantes, sobretodo los dos últimos, dando una vuelta de tuerca más a los clichés que por serlo no resultan menos reales.

Lo bueno de la película es que no usa los típicos recursos a los que estamos acostumbrados últimamente como el humor negro o la escatología, es un poco más inteligente que eso y utiliza la locura y los extremos para el divertimento del espectador y sobretodo se centra en un tema que nos toca a todos de cerca, sobretodo en los tiempos que corren en que seríamos capaces de cualquier cosa por mantener el empleo.

El equilibrio entre el elenco principal, ver a algunos actores en papeles al límite y una buena banda sonora y montaje convierten el film de Gordon en una buena historia para pasar el rato, y reirte un tanto más de esas miserias que nos asaltan a todos en el día a día, el esperpento de la vida misma plasmado en una pantalla.

Calificación: 7/10

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“Killing Bono”

Basado en el libro autobiográfico del propio McCormick del mismo nombre, el film nos narra como poco después Neil acaba montando su propia banda e insta a Iván para que se quede con ellos con la excusa de que en un futuro triunfarán por todo lo grande, cuando en realidad es Hewson (quien acaba cambiando su nombre por Bono), el que se agolpa con otros músicos, crea U2 y pasa a los anales del rock de los 80. Todo ello aderezado con un humor muy sutil y nada gratuito que hace que el elenco de actores escogidos encaje a la perfección en su papel.
Sí, es una peli de música, sobre músicos y para fans, pero es algo más, es una especie de lección de vida con toques satíricos, en el que el protagonista aprenderá que quizás no solo basta con desear algo para que ocurra y que no hay que perder la cabeza si eso no es así porque eso impedirá realizar otras cosas que sí serían posibles.

Tanto Barnes (Narnia, Dorian Gray) como Sheehan (Misfits) están geniales en sus respectivos papeles de los McCormick, mientras uno simboliza el ansia por triunfar, la ambición, el otro simboliza la razón, el sentido común (por no hablar de la trastada del hermano al hacerle perder la oportunidad de su vida). A destacar las interpretaciones de Peter Serafinowicz como el mánager del grupo, Krysten Ritter como Gloria, Stanley Townsend como el gangster irlandés semi-productor que los persigue, Martin McCann como Bono y por supuesto el inigualable Pete Postlethwaite en su última interpretación dando vida al casero gay Karl.

Si a eso además le sumamos una gran banda sonora que nos transporta nostalgicamente a los ochenta y que se traslada también a las localizaciones y el vestuario, nos da como resultado una excelente película de obligado visionado, sobretodo si eres un melómano empedernido.

Calificación: 8/10

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‘El origen del planeta de los simios’, está bien dirigida, no se excede en el uso de efectos especiales, sino que los integra muy bien al guión, cuenta con buenas interpretaciones (incluida la de Andy Serkis quien se esconde tras el sistema CGI que da forma al simio protagonista), y su ritmo y narración es impecable, consiguiendo que no nos aburramos y permanezcamos con los ojos pegados a la pantalla en todo momento.
Nos cuenta como Will Rodman (James Franco) un científico que trabaja para una gran corporación farmacéutica, Gen-Sys, dirige una investigación que desarrolla un virus benigno que recupera el tejido del cerebro humano deteriorado. La intención de Will es conseguir una solución para el alzhéimer que cure a su padre, pero la investigación usando a varios monos sale mal, y deberá de ocuparse de la cría de una fallecida simia en el laboratorio. A partir de entonces la cría, ahora un miembro más de la familia, crecerá, pero para sorpresa de Will, el fármaco que estaba creando es muy potente y César (el simio) experimentará una evolución que cambiará el transcurso de las cosas…

El guión también está muy bien planteado, ya que deja algunos cabos sueltos para la próxima incursión, y realiza guiños muy sutiles a las películas anteriores, como cuando por ejemplo en el periódico se puede leer lo de “astronautas perdidos en el espacio”.

En definitiva, hay que aplaudir esta arriesgada propuesta que se ha acabado convirtiendo en una de las gratas sorpresas del cine este verano. Ya somos muchos los que esperamos ansiosos una continuación, deseamos que sea pronto.

Calificación: 8/10

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Haciendo honor a la nostalgia, “Super 8″ de JJ Abrams, (un director de televisión pasado al cine por su grandilocuencia en contar historias, eso está claro), se presenta como un ejercicio que cuenta con el entretenimiento como su mejor arma. Peca un poco de seguir los mismos pasos de aquello a lo que homenajea sin buscar la innovación, pero consigue convencer al espectador, por lo menos al perfil medio, quizás no tanto a los más exigentes.

Porque sobre “Super 8″ se divisa la alargada sombra de Spielberg, productor del film, las referencias a Amblin Entertainment y a títulos como E.T, Los Goonies o Parque Jurásico y la fascinación ufológica y la mirada inocente de las décadas de los setenta y ochenta. Aunque por otro lado el punto de vista del creador de Perdidos, Alias o Fringe queda también reflejado en algunos instantes del metraje, como en las persecuciones por ejemplo.

En el verano de 1979 en un pueblo de Ohio, unos jóvenes que están grabando su primera película casera en super 8 son testigos de un catastrófico accidente entre trenes. Después de esto empiezan a ocurrir una serie de desapariciones que por lo visto tienen que guardar alguna relación con el suceso. A parte de los niños, el padre de uno de ellos y ayudante del sheriff también empezará a sospechar que ocurre algo extraño ya que un despliegue militar empieza a apoderarse de la zona.
Manteniendo el suspense, sobretodo al principio y consiguiendo no mostrarnos al monstruo hasta el momento indicado, incluso en los trailers y campañas virales, Abrams consigue mantener al espectador atento a la pantalla, parte de ello también viene propiciado por las buenas interpretaciones del elenco de noveles actores, entre ellos Elle Fanning como Alice, Joel Courtney como Joe y el desternillante Ryan Lee como Cary. Algunas tomas destacables como el accidente visto desde el punto de vista de los amigos y algunos efectos especiales.

“Super 8″ es una cinta con la que el espectador disfrutará un rato, sobretodo el público joven, no hay que buscar mucho más, no hay que poner el dedo en la llaga. Por supuesto no es los títulos a los que hace referencia, aunque nos lo hayan querido vender así. De todos modos el que lo entienda, sabrá apreciar bien los momentos mágicos de los que goza la película.

Destacar por otro lado la banda sonora a cargo de Michael Giacchino (Perdidos, Up, Star Trek) , en una labor excelente, intercalada con algunos temas míticos de la época.

Calificación: 7/10

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Otro super-héroe llega a la gran pantalla, esta vez uno de los más clásicos y patrióticos, Capitán América, personaje creado por DC Comics y recuperado en los 60 por Stan Lee en The Avengers (Los Vengadores). El film es un claro producto comercial directo al éxito en taquilla, por poner datos en su primer fin de semana ha liderado el ranking de taquilla en EE.UU., recaudando hasta 65 millones de dólares. Partiendo de esta permisa tenemos claro por donde irán los derroteros de la película.
Y es que “Capitán América” es un producto en sí, un film dedicado básicamente a los fans del héroe y a los de DC y Marvel en general. Mucha acción, algunos personajes carismáticos (siempre tirando de actores consagrados), guión justito y grandes efectos especiales, que con la llegada del 3D pues triplican su función.

La primera parte del film está muy bien logrado, la caracterización de Chris Evans a quien también veíamos como La Antorcha Humana en los Cuatro Fantásticos como el enclenque (retocado digitalmente) Steve Rogers, un chico que sueña con alistarse para hacer lo que hacen los hombres, luchar por la patria en la gran guerra, resulta de lo más creíble, incluso el guión se vuelve interesante centrándose en plena Segunda Guerra Mundial, con el imperio nazi de fondo. La ambientación y recreación de los años cuarenta también está muy conseguida.
La película empieza a ser una pasarela de efectos cuando el personaje es sometido a un audaz experimento, del cual sale convertido en una nueva raza de súper soldado y debe enfrentarse al villano Johann Schmidt (Red Skull), bien interpretado por Hugo Weaving, acostumbrado ya a hacer de malo en varias películas (Matrix, V de Vendetta).

La cinta, dirigida por Joe Johnston (Parque Jurásico 3, El hombre lobo) logra su propósito, que es básicamente entretener al público, más no se puede buscar, y la fecha escogida para el lanzamiento no es mala, en medio de agosto, dónde lo que vamos es a descansar y distraernos de nuestras trabas del resto del año.

En definitiva, la historia se nos puede llegar a hacer demasiado larga, sobretodo para aquellos que busquemos algo más, y es que no hubiera estado mal que se hondara más en el pasado del personaje o haberlo intercalado en el resto de la trama, hubiera supuesto un plus a esta más bien floja puesta en escena del cómic.

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captainamerica.marvel.com

Nos encontramos ante una road movie de tintes sci-fi, un film atípico y curioso que hará las delicias de aquellos que aunque ya se han hecho mayores miran al pasado con cierta nostalgia, los que siguen lanzando insignias como “I want to belive”, buscan en el cielo por las noches y sueñan con encontrarse algún día con los men in black.
Con la mirada puesta sobre la parodia del género, sobretodo la gestada en los setenta-ochenta bajo nombres como Spielberg y Lucas. Algunos guiños. El punto de vista europeo y los tópicos, también cabe decirlo, sobre los americanos, “Paul” nos regala muy buenos momentos geeks y de amor hacia esa época, sus películas, series e incluso su música, que quizás no encontrábamos desde cintas como “Rebobine, por favor” de Michel Gondry.

El film empieza cuando Graeme Willy (Simon Pegg, Hot Fuzz/Arma fatal) y Clive Gollings (Nick Frost, Hot Fuzz/Arma fatal, Zombies Party/Una noche de muerte) dos freakys, deciden viajar desde Reino Unido hasta el Comic-Con de San Diego, pasando por algunos de los puntos más emblemáticos de la cultura U.F.O como el Área 51, de repente en medio de la carretera topan con el que resulta ser un irónico y graciosillo alienígena que lleva sesenta años encerrado allí aconsejando a los líderes mundiales acerca de otros alienígenas y que decide escaparse porque sabe que van a por él para diseccionarlo porque ya no resulta útil. Mientras tanto los que se supone son los hombres de negro, al mando el agente Zoil (Jason Bateman, Juno) y el padre de Ruth Buggs (Kristen Wiig, Date Night, Lío embarazoso), una joven a la que ellos han secuestrado accidentalmente, irán tras ellos para darles captura. Grame y Clive deberán entonces salvar al alien, devolverlo a la nave nodriza y así convertirse en héroes interestelares.

El guión corre a cargo de los propios Pegg y Frost y la dirección, más que correcta llega de la mano de Greg Mottola (“Supersalidos”, “Adventureland”) quien sabe otorgarle ese aura semi-adolescente al tratamiento de los personajes.

El resultado es un refrescante film ideal para estos días estíos, aunque un tanto fríos, entretenida y que puede gustar a un amplio abanico de edades, pero sobretodo a los que rondamos cerca de los treinta hasta los cuarenta.

Calificación: 6/10

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www.whatispaul.com

El personaje creado hace más de quince años por J. K. Rowling vuelve a la gran pantalla, esta vez en un emotivo regreso, ya que se trata de la despedida, por lo menos por el momento, de Harry Potter hacia su séquito de fans en todo el planeta que este mes se dirigían a mares a las salas de cine.
Polémica a parte sobre si el último libro de la saga se ha dividido en dos películas por motivos creativos o puramente comerciales, la verdad es que “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte II” resulta ser una cinta llena de sensibilidad, acción, planos espectaculares y una gran banda sonora, como las mejores historias de las que disfrutábamos de pequeños y mucho superior a alguno de los capítulos anteriores sobre el joven mago.

El hecho de estar realizada en 3D ha sido un plus a favor de una serie que de que haberse estirado más hubiera llegado a resultar a ser pesada, así que se agradece este punto (a parte o final) en la narración. Una narración que esta vez se centra en un tenebroso Hogwarts que es atacado sin piedad por el ejército de Lord Voldemort (Ralph Fiennes), cuyo único objetivo es acabar con la vida de Harry. Mientras tanto algunos caerán en el camino en esta trama (séptimo capítulo del libro) mucho más oscura y sombría que sus antecesoras, pero donde el protagonista (Daniel Radcliffe) volverá a contar con la inestimable ayuda de Ron y Hermione (Rupert Grint y Emma Watson), quienes se tienen que encargar de encontrar y destruir junto a su amigo, los horrocruxes en los que Voldemort ocultó partes de su alma, con la esperanza de alcanzar la inmortalidad.

En este caso cabe destacar tanto la dirección de David Yates, como el guión de Steve Kloves, las interpretaciones de los secundarios como Maggie Smith, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, Matthew Lewis y por supuesto el regreso de Alan Rickman como el profesor Severus Snape. E incluso las principales son correctas, a fuerza de un papel que han hecho suyo. La épica en las imágenes de gran belleza y el entretenimiento a raudales, ponen la guinda final a “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte II”, una película que gustará tanto a los que son como los que no son fans de la saga.

En resumen un excelente final para una serie que ha creado ya historia al lado tan solo de algunos pocos títulos del cine actual, que ha marcado a toda una generación y puede que a las venideras.

Calificación: 7/10

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harrypotter.warnerbros.com

Tras títulos tan dispares como “Orgullo y prejuicio”, o “El solista”, el británico Joe Wright regresa con este thriller que nos ha sorprendido a todos de mayor o menor manera. “Hanna” es una cinta nada convencional que escapa a la imagen de cine purista al que hasta ahora nos tenía acostumbrados el director, para adentrarse en algo totalmente diferente y demostrar que puede salir airoso en el intento.
La historia se centra en una joven (Saoirse Ronan) que ha sido educada y criada al margen del mundo en el norte de Finlandia, con la única intención de convertirla en una máquina de matar. Su padre (Eric Bana), un ex hombre de la CIA, se ha encargado de ella durante todo este tiempo pero de repente llega la hora de separarse. La muchacha deberá escapar a sus perseguidores cuando es capturada, aprenderá a convivir en un universo al que no está acostumbrada y descubrirá la verdad sobre si misma.

“Hanna” es un film que se apoya sobretodo en las interpretaciones del trío protagonista, a parte de Ronan y Bana, Cate Blanchett en el papel de la despiadada agente de la inteligencia, Marissa Wiegler, vuelve a demostrar que puede estar soberbia como mala de la película. El equilibrio entre el thriller y la acción también es uno de los puntos fuertes de esta extraña cinta además de la estupenda banda sonora a cargo de Chemical Brothers que en los momentos más frenéticos consigue mantenernos enganchadísimos a la butaca. Las localizaciones ayudan también a la fotografía del film con algunos planos destacables en distintos puntos de Europa como Andalucía o Alemania y África, en la peregrinación sin aliento de la protagonista intentando huir de las garras de sus captores. Algunos puntos cómicos entre la broma y la sátira ayudan a deslizar a los personajes a través de la historia, aunque haya momentos que nos resulten poco creíbles.

Así lo nuevo de Wright se transforma en un ejercicio en el que pesan tanto las escenas adrenalíticas como los sentimientos/sensaciones del personaje principal en busca de sus raíces y su identidad, aunque en algunos momentos pueda fallar un poco en la forma de contarlo, sin profundizar más en el tema. De todos modos y en general, se trata de una cinta curiosa que puede gustar o no, pero que en si resulta distinta y original.

hannathemovie.com

Tras el chasco que supuso la precuela “X-Man Origins:Wolverine”, la saga más popular de cómic Marvel llevada al cine, y la primera, regresa a las pantallas de la mano del director británico Matthew Vaughn (Kick-Ass, Stardust). Lo hace con una nueva revisión de los personajes centrales, los que dieron vida a la historia, en sus años de juventud. Así encontramos al profesor Charles Xavier (James McAvoy), Magneto (Michael Fassbender) y Mística (Jennifer Lawrence) en el punto de partida, cuando el primero debido a unas duras condiciones en la niñez empieza a desconfiar del género humano e incluso a odiarlo, y los otros dos descubren que son “especiales”, diferentes a los demás.

Vaughn dirige con gracia, sin perder la esencia de los films de Bryan Singer, respetando el gran trabajo de este y regresando al camino en que el director de las dos primeras entregas dejó a los personajes, pero bajo un prisma personal y en una vuelta al pasado, capaz de crear por tanto una precuela susceptible de contener varias continuaciones.

Desde el punto de vista de los amantes del género y los fans de la franquicia, se agradecen detalles como el vestuario actual de los X-Men, más acorde con lo que podemos ver en formato papel, pero se echa de menos una revisión más profunda en el tratamiento de los personajes, si bien resulta difícil dado a la amplia aparición de estos. Aún así tanto el terceto protagonista como el villano Sebastian Shaw (interpretado por Kevin Bacon), gozan de algo más de disección por parte de los guionistas.

Así pues “X-Men: Primera generación” se desenvuelve bien ofreciéndonos grandes momentos que equilibran la acción y los efectos especiales con el tratamiento de los personajes y las interpretaciones, algunas más brillantes que otras, convirtiéndose por tanto en un producto de obligado visionado y que puede gustar desde al más flexible amante de este tipo de películas, hasta al más exigente. Una gran puesta en escena que sorprenderá y entretendrá a partes iguales.

www.x-menfirstclassmovie.com

Situado en el corazón del Barcelonés barrio de Grácia, el cine Verdi es parte de la historia de la ciudad condal, sus instalaciones situadas en la calle del mismo nombre, datan del 1888 cuando se constituyó el Fomento para la Protección de Grácia, en el año 1890 se inició la construcción de un local destinado al mundo del espectáculo que se inauguró el 1893 con la participación del grupo teatral Círculo Moratín, y ya en los primeros años del siglo XX la sala conocida entonces como Teatro Moratín, era utilizada para la exhibición de películas.

el cine Verdi es parte de la historia de la ciudad condal…
A partir del año 1932 y en plena vorágine político- social, la propiedad pasa por diferentes entidades y sufre diversos cambios de nombre, Cine Ateneo (1932), Cine Trébol (1933) para finalmente en 1935 acoger el nombre de Cine Verdi que perdura hasta hoy.

Durante la guerra civil se convierte en un comedor infantil, dependiente de la Generalitat de Cataluña, para ya en plena post-guerra y tras una profunda reforma, que incluía una pista de baile en el piso superior, ser reinaugurado como El gran Salón Verdi.

En la década de los 80, se inicia una nueva etapa coincidiendo con el cambio de dirección, bajo la batuta del Sr. Enric Pérez el cine da un cambio de orientación importantísimo tanto en la programación como en la filosofía de empresa. En 1987 se amplia de una a tres salas y en 1992, pasan a ser cinco  salas, a los tres años 1995 se crea el Verdi Park un multicine situado en la calle paralela (Torrijos) y a la misma altura que el Verdi original, duplicando así la oferta de películas a exhibir.

Cabe destacar que durante estos años los Cines Verdi han recogido diversos premios por su contribución a la difusión cultural, entre ellos, dos Premios St. Jordi, y el Premio Europa Cinemes, al mejor cine del año 2002.

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Manel Núñez | Gerente Cines Verdi

Entrevistamos a Manel Núñez, Gerente de las Salas Verdi de Barcelona

Manel Núñez, es de aquellas personas que tiene una curiosa historia y al que la vida le ofreció una oportunidad de cambio radical, un nuevo reto que el aceptó y desde luego no le ha ido nada mal.

Tenía una charcutería en la calle Verdi, pero por aquel año de 1995 las cosas no iban nada bien, de hecho iban mal, fue entonces cuando en una de las muchas reuniones de comerciantes de la calle y coincidiendo con el Sr. Enric Pérez el director del cine, le propuso entrar a trabajar en su equipo, empezó como portero de sala, en el 98 pasó a ser operador de proyección y en el año 2002 se convirtió en gerente de las Salas Verdi, cuando el Sr. Pérez decidió abrir unas nuevas Salas Verdi en Madrid.

En todos estos años, Manel ha tenido la ocasión de vivir muchos momentos en los que ha habido de todo un poco, como acostumbra a pasar en la vida, y queremos que nos cuente algunas de sus experiencias y sobre todo que nos descubra las claves de porque las Salas Verdi son un referente del mundo cultural e intelectual de ya no solo los barceloneses y catalanes, sino de mucha gente venida de otras partes del mundo, y no es una paranoia, es una realidad en un pequeño apunte, un porcentaje significativo de su público lo conforman muchos residentes extranjeros, y también algunos turistas tanto europeos como asiáticos que o bien viven o están de visita en Barcelona y si les apetece ir al cine saben que en los Verdi encontrarán películas en su idioma materno.

PCH – Cuales son los orígenes del hecho diferencial de los Verdi?

MN – A partir de la adquisición de las Salas por parte del Sr. Pérez, la mentalidad de cine de barrio cambió radicalmente, cuando se hizo cargo era un momento crítico que estuvo a punto de llevar al cierre, pero optó en un principio por potenciar la afluencia de público con semanas temáticas de western, terror, ciencia-ficción etc. Pero pronto tuvo la inquietud de que en la España de la transición se tenía que crear una oferta diferente.

PCH – Por….?

MN – A través de varios viajes por Europa constató el importante auge del cine de autor y en versión original, era una tendencia a la alza fuera de nuestras fronteras, y adquiría también un destacado significado social en aquellos años.

PCH – Una decisión arriesgada por aquel entonces, supongo?

MN – Mucho, arriesgada y valiente además porque significó un doble cambio, uno programar Films no comerciales, o muy poco, pero con elevados contenidos artísticos y de mensaje, cosa que en aquella época nos convertía en una “rara avis” y que incluso dio oportunidad a más de un iluminado a pronosticar que no duraríamos cuatro días, y dos abrir diversas multisalas, algo que ahora es muy normal pero entonces no era en absoluto habitual y menos en el centro de una ciudad.

PCH – Escoger ese tipo de programación entendemos que revela un cierto compromiso?

MN – Por descontado de hecho baste un ejemplo, en el 92 las Salas Verdi fueron las únicas en España que tuvieron la audacia de programar la película – El Sol del Membrillo – de Víctor Erice que arrastraba fama de polémica y en absoluto comercial, y resulto ser un éxito rotundo de taquilla y a la larga ha quedado como un referente en la historia del cine de nuestro país.

PCH – Cual podría ser la foto del espectador del Verdi?

MN – Muchísimas y muy variadas, realmente al inicio del cambio con las V.O, el público era mayoritariamente universitario, y esos que ahora son ya cincuentones siguen viniendo, pero se ha ampliado mucho el espectro tanto de edades como de estratos sociales, hoy en día una cola del Verdi refleja una pluralidad difícil de ver en otras salas.

PCH – Y hablando de público, como se lleva la crisis en el cine?

MN – Pues mal, como casi todo en el país, la prueba es que en pocos meses han desaparecido ya no solo salas de barrio sino que está afectando a los centros comerciales y multisalas desde lo cines Montigala y el Picarol en Badalona, el Rex de Barcelona, el cine Rambla en L´Hospitalet, y el último los Lauren de St. Andreu, amén de otros que están amenazados.

PCH – Y entonces el futuro…?

MN – A pesar de ser consciente de que entre la crisis, la piratería y el aumento de otras ofertas de ocio la cosa no está para tirar cohetes, sí que tengo claro que el cine saldrá adelante, y más cuando se produzca una restructuración del sector y de la propia oferta, que de hecho ya está empezando mediante innovaciones tecnológicas como el HD, el 3D, o el sonido envolvente que algunas salas ya están instalando que pasa de los 7 canales habituales de audio a 21, creando experiencias que no se pueden piratear ni descargar, tienes que ir a las salas para vivirlas.

PCH – Para finalizar, como definiría los Verdi?

MN – Como un espacio creado para transmitir emociones, sueños, sentimientos y mensajes como cualquier otro cine pero desde una programación escogida y seleccionada que antepone la calidad de las películas y sus contenidos al simple hecho de exhibición comercial.

Redacción: Toni Flaqué

El BccN Creative Commons no es un festival al uso. Principalmente porque tanto sus organizadores, gente joven aunque sobradamente preparada, como la estructura del mismo es muy versátil. El primer festival bajo licencia CC y bajo la premisa “copia este festival” ya se ha consolidado como la plataforma de referencia mundial del cine en Creative Commons (CC) y Andreu Meixide, Director de Programación, nos explica el por qué.

1. ¿Qué es el BccN Barcelona Creative Commons Festival?
Una plataforma para obras de cine que se han hecho bajo la licencia Creative Commons y también es una intención de divulgación desarrollada a lo largo de todo el año con el fin de poder difundir la propia licencia y las películas que salen con la misma.
En resumen: es un festival de cine jajajaja

2. ¿A quien se le ocurrió la idea? ¿cómo surgió?
El año pasado fue la primera edición, que fue una muestra, y la idea fue de Luis Román, Director del festival, y de Martín, un amigo nuestro que ahora vive en EE.UU. La verdad es que no fue algo repentino, sino que se fue gestando poco a poco hasta que maduró y hoy en día ya podemos decir que es el festival de referencia del cine en Creative Commons. De hecho, ya hay países que quieren replicarlo y por ello este año, como novedad, hemos querido convertirnos en “el primer festival que se puede copiar” (esto significa que se puede descargar, copiar, remezclar, distribuir y proyectar de manera gratuita en cualquier lugar del mundo). Este festival no tiene ánimo de lucro sino que busca la máxima difusión posible, tanto de las obras, de los artistas como del evento en sí.

3. Después del éxito que conseguisteis el año pasado, ¿qué retos os habéis marcado para esta segunda edición?
El principal reto ha sido que el festival sea “copiable”. El segundo, y no menos importante, ha sido pasar de muestra a festival. Y este año lo hemos conseguido proyectando 20 películas y ampliando el número de días. Y el tercer caballo de batalla ha sido conseguir que los jóvenes creadores estén representados. Y esto hemos querido potenciarlo a través de la sección “Made in Barcelona”, a través de la cual se mostrarán una serie de cortrometrajes seleccionados previamente y será el público quien decidirá quien es el ganador.

4. ¿Qué opinas de la Ley Sinde?
Todo el mundo tiene una opinión clarísima de la Ley Sinde. Es un disparate que no tiene ningún tipo de sentido. Nosotros lo que queremos explicar es que el CC es una opción legal, de descarga legal, ya que los autores autorizan la descarga, y se trata de una herramienta nueva mucho más flexible y que permite que los autores tengan más dominio sobre su obra y puedan tener mayores réditos sin intermediarios.
Lo que está claro es que el futuro están a golpe de click y hay que replantear la actual estructura.

5. ¿Crees que el público en general conoce las ventajas que ofrece el modelo Creative Commons?
Probablemente no. El Creative Commons empezó hace 10 años, a diferencia del Copyright que tiene unos 100 años de antigüedad.
Pero bueno, en definitiva, lo que la gente tiene que saber es que el Creative Commons es una alternativa al Copyright, igual de legal que el CR, pero que se diferencia porque en este caso “algunos derechos están reservados” y porque además quien marca que se puede hacer o no con la obra es el propio autor, al margen de cualquier entidad de gestión o intermediarios. Y eso no significa que tenga que ser necesariamente gratis. Todo dependerá de los objetivos del autor. Hay directores que se dedican únicamente a hacer películas en CC y así se ganan la vida y otros, por ejemplo, como Vincent Moon (director de videoclips de R.E.M, Arcade Fire, etc..), optan por crear parte de su obra bajo licencia CC. En este caso, el artista ofrece su obra a través de su página web, y mediante donaciones la gente recibe la película en su casa junto con el permiso de poder hacer proyecciones de la misma, siempre y cuando no cobren entrada. De esta manera, lo que consiguen es llegar a millones de personas, que a través de un circuito de cine convencional no sería posible. Y es ahí donde radica parte del éxito de esta fórmula alternativa. De todos modos, lo que queremos dejar bien claro es que siempre es el autor quien tiene la última palabra y quien se las ingenia para encontrar el sistema que mejor se adapte a sus intereses (ej: merchandising, crowdfunfing…).

6. ¿Os sentís con la responsabilidad de tener que “evangelizar” a la sociedad y a las instituciones para que este tipo de iniciativas se instauren definitivamente como alternativas al actual status quo que vive este país?
Nosotros no queremos imponer nada a nadie, sino simplemente mostrar una alternativa al modelo actual impuesto. Internet es el presente y no es nuestro enemigo, sino un aliado para conseguir difundir nuestro arte por todo el mundo, y además conseguir que sea rentable. Las cosas que se ven tienen más probabilidades de ser rentables, tanto en términos de audiencia como económicamente. Es decir, “más ojos, más opciones”.

7. ¿Habéis recibido alguna subvención estatal o de La Generalitat para organizar este festival?
No. Tenemos patrocinadores, pero no estamos cerrados a estas fuentes de financiación, siempre y cuando no condicionen el contenido del festival. En la actualidad estamos en varias plataformas como Verkami, a través de la cual hemos recibido donaciones para poder financiar parte del festival.

8. ¿Qué podéis avanzarnos de las películas que se van a mostrar durante esta semana?
Las imágenes inéditas de los proyectos catalanes más importantes en CC, los 3 cortometrajes de la sesión inaugural junto con la película “An Island” de Vincent Moon, “Beyond the Game” de Jos de Putter, que va sobre la historia real de dos jugadores profesionales del videojuego Warcraft y que él presenta como los nuevos Kasparov de la era digital. Y también “Die Beauty” de Stina Bergman, que cerrará el festival.

9. Sueños y secretos…
Que las Administraciones, que tienen hoy en día un peso muy importante en la sociedad, fuesen como mínimo al mismo nivel de velocidad que la sociedad civil, la gente, los usuarios. Las necesidades cambian y no pueden hacer oídos sordos a las nuevas demandas.

Más info sobre BccN

“Nowhere Boy” es la ópera prima de la directora británica Sam Taylor-Wood, una cinta basada en una figura tan pesante como John Lennon. El film narra los años de adolescencia del músico y su relación con dos de las mujeres más influyentes en su vida, su madre y su tía, dos mujeres diametralmente opuestas aún siendo hermanas, y magistralmente interpretadas por Kristin Scott Thomas y Ann-Marie Duff respectivamente.

La historia se centra en esa etapa de la vida de John pasando de puntillas por encima de todo lo que tiene que ver con el tema Beatles, tan solo comentado en la formación de la primera banda de Lennon, The Quarrymen, junto a McCartney y Harrison. Y centrándose sobretodo en ese triángulo afectivo que tiene mucha más que ver con la parte humana del mito.

John Lennon vive con sus tíos en Liverpool, tiene una buena relación con ellos, pero al morir su tío, la madre de John, quien le había abandonado a los cinco años, regresa en busca de su hijo. Ahí surgirán las tensiones entre la madre y su recta tía que siempre intenta llevarle por el buen camino y que trata de que mantenga las formas. De ese modo el rebelde y enérgico John se verá envuelto en una relación a tres bandas algo compleja y que mermará en su carácter. En casa de su madre además descubrirá la libertad y su pasión por la música rock en una época en la que Elvis era el rey y el mundo abría los ojos a conceptos hasta el momento inimaginables.

Sam Taylor-Wood realiza una dirección correcta, donde lo que más destaca es la escenografía y las interpretaciones, a parte de las de antes mencionadas, la del actor protagonista Aaron Johnson (Kick-Ass). Ya que la directora no se desvela nada nuevo y se centra básicamente en dirigir sin ir más allá o realizar nuevos apuntes como en otros casos. De todos modos “Nowhere Boy” basada en las memorias escritas por la hermana de John Lennon, Julia Baird, resulta un drama interesante en la que descubriremos algunos detalles del genio hasta ahora desconocidos.

nowhereboy.com

Tras su ópera prima, Duncan Jones regresa con su segunda película “Código fuente”, un film de ciencia-ficción que si bien guarda paralelismos con “Moon” es bastante diferente a esta.

Colter Stevens (Jake Gylleenhal como protagonista de acción más que correcto) se despierta en un tren y conoce a una chica que se llama Christina Warren (Michelle Monaghan) quien parece conocerle de antes, extrañado se dirige al baño y descubre que su reflejo no es el de su persona sino el de otro hombre. Automáticamente después aparece en una unidad de aislamiento de alta tecnología, donde conoce a otra mujer con uniforme militar llamada Goodwin (Vera Farmiga) que le exige que le cuente todo lo que ha visto.

Así arranca el guión escrito por Ben Ripley, quizás no con una filmografía muy destacable, que si bien tiene algunos puntos flojos, se sostiene bastante bien a lo largo del metraje, sobretodo por la impecable dirección de Jones, sencilla pero directa y con algunos planos magistrales obra de Paul Hirsch en el montaje. Si bien es cierto que la historia se basa en una cadena de repetición de los hechos hay momentos demasiado previsibles y tampoco se acaba de sacar todo el jugo como podría haber sido de otra manera.

Aunque en conjunto se puede decir que “Código fuente” es una muy buena película del género que no cae en los clichés y que entretiene hasta el final. Un film que no se para solo en las escenas de acción sino que va más allá, ofreciéndonos a parte de momentos frenéticos, una clara reflexión de la escencia del ser humano y de la toma de decisiones, del espacio tiempo, de la acción-reacción, las casualidades y hasta los deseos no cumplidos. Y es en ese punto en el que guarda cierto paralelismo con “Moon” ya que las peliculas de Jones no son lo que parecen en un principio, he ahí la clave de su inesperado éxito.

Con la mezcla de estos ingredientes conseguimos saborear una película en la que disfrutaremos a partes iguales de misterio, intriga, acción, ciencia-ficción, humanismo y existencialismo, un plato muy completo que hay que degustar.

www.enterthesourcecode.com

Mark Romanek es un director de Chicago que inició su carrera en el arte del video-clip a finales de los ochenta, aunque su época de apogeo en este área fue en la década de los noventa, dónde trabajó junto a artistas como Madonna o Michael Jackson. Su estilo viene marcado por el contraste entre el blanco y negro y el color en la mayoría de sus clips, también en el uso de planos cortos o medio-cortos en el enfoque de los personajes que aparecen en el metraje. En su época de adolescente Romanek escribe varios guiones y trabaja con los formatos Super 8 y 16mm, acude a la New Trier West, escuela pública de su ciudad de nacimiento dónde toma clases de producción cinematográfica y participa en varios proyectos, para finalmente graduarse en la Roy H. Park School Of Communications de Nueva York con una licenciatura en cine y fotografía.

Durante los primeros años en el mundo laboral, Romanek escribe varios guiones a la vez que empieza a trabajar en Satellite Films, una empresa de California, división de Propaganda Films, en la que se encarga de la dirigir los videos de varios artistas, la mayoría de música pop como En Vogue o De La Soul. También dirige el video de Lenny Kravitz “Are You Gonna Go My Way”, uno de sus temas más populares, el video mezcla la luz con filtros ocre mientras crea movilidad a través del vaivén de los actores que aparecen en él, también dirige un par de videos para David Bowie, y trabaja para Madonna e Iggy Pop. Pero su video más destacable de principios de los noventa es el de “Closer” de Nine Inch Nails, un video oscuro, también en filtros ocre y una lúgubre iluminación, en este aparecen un corazón latiendo en una silla, un mono crucificado y productos de matadero, por lo que muchos consideraron el video como algo demoníaco y raro, hecho que le hizo ganar más popularidad si cabe, sobretodo entre los fans del grupo. Romanek volvió a trabajar con Nine Inch Nails más tarde en “The Perfect Drug”.

A mitad de los noventa Romanek era ya un nombre recurrente para la realización de videoclips. En esa época trabaja de nuevo junto a Madonna en “Bedtime Story” dónde regresa a los colores barrocos, queda latente su gusto por los tonos apagados de ese estilo pictórico, así como su inicial mano a mano en su época de estudiante junto al talento de Brian de Palma. “Strange Currencies” junto a R.E.M y sobretodo “Scream” de Michael Jackson lo ponen en el punto de mira, por este último trabajo recibe un premio Grammy. La grabación del video también tuvo su polémica ya que llegó a costar 7 millones de dólares, aunque es quizás uno de los videos mejor rodados y más recordados de su videografía y del arte del videoclip en general. En este aparecen tanto Michael como su hermana Janet dentro de una nave espacial. El uso del 3D meclado con una estética Manga y el hecho de que esté grabado en blanco y negro (con un uso sublime del contraste), le otorgan una gracia especial. Romanek volvería a ganar el mismo premio por otro video del rey del pop “Got ‘Til It’s Gone” más tarde.

A finales de los noventa trabaja con artistas “indie” como Sonic Youth, Eels, Weezer y Beck. Ya entrados en el nuevo siglo destaca su trabajo en el video de Johnny Cash sobre la versión de Nine Inch Nails “Hurt” , justo un año antes de su fallecimiento, el video es tan sencillo como sincero y plasma a Cash en el salón de su casa tocando la guitarra mientras interpreta la canción. El video fue nominado a 7 premios VMAs y le proporcionó al director otro Grammy más.

En el campo de la dirección, la carrera de Romanek es corta pero contundente, en 2002 dirigió la inquietante “One Hour Photo” (Retratos de una obsesión), protagonizada por Robin Williams sobre un dependiente de una tienda de revelado fotográfico cuyo vacío existencial le hace obsesionarse con la vida de sus clientes, especialmente con la de una familia en concreto. Mientras tanto ha ido intercalando su trabajo en el cine con spots y videos para empresas como Apple Computer, Acura, Nike, Calvin Klein, American Express, ESPN, Saturn, Honda, y Cirque du Soleil dentro de su actual compañía Anonymous Content. Su tercera película (la primera fue “Static” en 1985) data de 2010, se trata de “Never Let Me Go”, un film distópico basado en la novela “Nunca me abandones”, escrita por Kazuo Ishiguro, protagonizado por Carey Mulligan, Keira Knightley y Andrew Garfield. Para este año prepara el piloto de “Locke & Key”, versión televisiva del cómic de Joe Hill y Gabriel Rodriguez.

Primera y extraña película de Romanek “Static” del año 86 con música
de la banda de new wave The The.

Videografía:
“Buzz” Pop’s Cool Love
“Sweet Bird of Truth” The The (1986)
“Madonna Of The Wasps” Robyn Hitchcock & The Egyptians (1989)
“One Long Pair Of Eyes” Robyn Hitchcock & The Egyptians (1989)
“You Don’t Have to Worry” En Vogue (1990)
“Ring Ring Ring (Ha Ha Hey)” De La Soul (1991)
“Love Conquers All” ABC (1991)
“Wicked As It Seems” Keith Richards (1992)
“Moira Jane’s Cafe” Definition Of Sound (1992)
“Constant Craving” k.d. lang (1992)
“Free Your Mind” En Vogue (1992)
“Are You Gonna Go My Way” Lenny Kravitz (1993)
“Jump They Say” David Bowie (1993)
“Black Tie White Noise” David Bowie (1993)
“Rain” Madonna (1993)
“Is There Any Love In Your Heart” Lenny Kravitz (1993)
“Beside You” Iggy Pop (1994)
“Closer” Nine Inch Nails (1994)
“Cold Beverage” G. Love & Special Sauce (1994)
“Bedtime Story” Madonna (1995)
“Strange Currencies” R.E.M. (1995)
“Scream” Michael Jackson & Janet Jackson (1995)
“Little Trouble Girl” Sonic Youth (1996)
“Novocaine for the Soul” Eels (1996)
“El Scorcho” Weezer (1996)
“Devils Haircut” Beck (1996)
“The Perfect Drug” Nine Inch Nails (1997)
“Criminal” Fiona Apple (1997)
“Got ‘Til It’s Gone” Janet Jackson (1997)
“If You Can’t Say No” Lenny Kravitz (1998)
“Do Something” Macy Gray (1999)
“I Try” (second version) Macy Gray (1999)
“Sleepwalker” The Wallflowers (2000)
“God Gave Me Everything” Mick Jagger (2001)
“Hella Good” No Doubt (2002)
“Cochise” Audioslave (2002)
“Hurt” Johnny Cash (2002)
“Can’t Stop” Red Hot Chili Peppers (2003)
“Faint” Linkin Park (2003)
“99 Problems” Jay-Z (2004)
“Speed of Sound” Coldplay (2005)

Filmografía:
“Static” (1985)
“One Hour Photo” (2002)
“Never Let Me Go (2010)

TV:
“Locke & Key” (2011)

Se acerca a nuestra cartelera “Happythankyoumoreplease” película que ganó el premio del Público en la pasada edición del festival de Sundance. La cita, dirigida por el Josh Radnor, conocido sobretodo por el papel de Ted Mosby en la serie de televisión “Cómo conocí a vuestra madre” es un soplo de aire fresco en la tragicomedia ligera del cine actual, con un tono remarcadamente independiente.

La historia se va entretejiendo entre todos los personajes que aparecen en ella. Se centra en la ciudad de Nueva York, dónde vive el escritor Sam Wexler (el propio Radnor) quien se despierta un día tarde para asistir a una importante de reunión, se encuentra a un niño perdido en el metro y se hace cargo de él. Alrededor de ellos, que son el eje principal de la la película, giran las vidas de una joven con alopecia y muy mala suerte con el sexo opuesto, una pareja con sus conflictos diarios y una camarera.
De tono costumbrista y sencillez en la narración, “Happythankyoumoreplease” resulta una obra deliciosa de ver, al menos la primera vez, ya que logra alejarse en lo que puede de los tópicos del género para ofrecernos algo más, por lo menos unos diálogos más interesantes, irónicos y ácidos en algunas ocasiones, que consiguen mantenernos enganchados durante todo el metraje.

Si lo que buscas es pasar un buen rato y sentirte identificado de una manera u otra con los personajes que desfilan por la pantalla más que en otras ocasiones, esta es tu película. Sobretodo si tu edad es de veintilargos para arriba, ya que el film va de eso, de cierto periodo de nuestras vidas, de la madurez, la amistad, la búsqueda de la felicidad, del caerse y volverse a levantar…

En definitiva, Radnor consigue tocarnos la fibra, al menos por un rato. Ve a verla, seguro que no te arrepientes de pagar entrada.

www.happythankyoumoreplease.com

La pasada madrugada se celebraba por 83ª vez en el Teatro Kodak de Los Ángeles la ceremonia de entrega de los premios Oscar. Si bien es cierto que la gala sigue manteniendo su glamour original con el paseo por la alfombra roja de todas las grandes estrellas del cine actual y que por el valor histórico y cultural que tiene la ceremonia sigue siendo un acto imprescindible de seguir, también es verdad que con los años ha ido perdiendo algo de fuelle y espectacularidad. Eso no significa que no se ponga todo el esfuerzo en hacer que la cita tenga algunos momentos destacables y que se escojan cada año a valores frescos del cine del momento para presentar la gala. Esta vez ha sido el turno de Anne Hathaway y James Franco que no han llegado a estar a la altura que podría hacerlo un cómico, pero por lo menos han estado correctos. Aunque la comidilla del día será que Franco estaba más pendiente de twittear que de la ceremonia en sí.

Los premios este año han estado muy repartidos, como en algunas de las pasadas ediciones, así que películas como “El discurso del rey”, “La red social” y “Origen” se han tenido que racionar los galardones. “El cisne negro” tan solo ha conseguido un Oscar entregado a la portentosa Natalie Portman, mientras que Valor de ley’ (‘True Grit’) y ‘Winter´s Bone’ han sido las olvidadas de la noche. ‘The Fighter’ se ha hecho también con dos galardones, los dos a actores de reparto (Christian Bale y Melissa Leo).

Momentos destacables de la noche han sido la aparición sobre el escenario del veterano y genial Kirk Douglas y el “In memoriam” cantado por Céline Dion en recuerdo a todos los fallecidos este año y la mención a Lena Horne por parte de Halle Berry.

Algunos de los premios eran ya predecibles, el premio a la mejor película se lo ha llevado “El discurso del rey”, una de las películas favoritas y que se ha alzado también con la estatuilla al mejor actor protagonista a manos de Colin Firth, merecido por otro lado por haberse quedado el año pasado sin premio por “Un hombre soltero”. También el premio a mejor actriz principal estaba bastante cantado.

“Biutiful” de Alejandro González Iñárritu se quedó finalmente sin estatuilla, frente a la danesa “In a Better World”. También se quedó sin premio Bardem, aunque ya había conseguido el premio antes gracias a “No es país para viejos”.

En mejor documental hay que destacar “Inside Job” de Charles Ferguson y Audrey Marrs, un reportaje extenso y muy interesante sobre la actual crisis financiera. El premio a mejor película de animación ha sido para “Toy Story 3″, no podía ser de otra forma, que también se ha llevado el premio a mejor canción interpretada por Randy Newman. El mejor guión ha sido para “El discurso del rey” y el mejor guión adaptado para “La red social”.

Quizás la sorpresa de la noche ha sido el premio a mejor dirección que ha recaído en el británico Tom Hooper, aunque no había ningún favorito en esta categoría, estaba muy reñido.

El final de la velada ha sido un poco como de programa o concurso de televisión con niños del coro de PS22 de Nueva York cantando y los presentadores despidiendose alzando los brazos, mientras la retahila de ganadores salía a escena. Por muy bien que cantaran los niños, de glamour tenía bien poco.

Podemos señalar que ha habido tres momentos freakys, musicales o pintas (“pelos”), como querais llamarlo: La presencia de Trent Reznor (Nine Inch Nails) recogiendo el premio a Mejor Banda Sonora, Russell Brand (marido de Katy Perry) junto a Helen Mirren entregando el premio a mejor película extranjera y las disculpas del director al mejor cortometraje “God of Love” por no haber ido al peluquero antes de presentarse a la gala.

Hasta el año que viene.

Lista de los premios por categorías:

Mejor Película: El discurso del rey (Tom Hooper)

Mejor Dirección: Tom Hooper por El discurso del rey

Mejor Actor: Colin Firth, por “El discurso del rey”

Mejor Actriz: Natalie Portman, por “El cisne negro”

Mejor Actor de Reparto: Christian Bale, por “The Fighter”

Mejor Actriz de Reparto: Melissa Leo, por “The Fighter”

Mejor Película de Animación: “Toy Story 3″

Mejor Guión Original: David Seidler, por “El discurso del rey”

Mejor Guión Adaptado: Aaron Sorkin, por “La red social”

Mejor Fotografía: Wally Pfister, por “Origen”

Mejor Montaje: Angus Wall y Kirk Baxter , por “La red social”

Mejor Dirección Artística: Robert Stromberg y Karen O’Hara, por “Alice in Wonderland”

Mejor Banda Sonora Original: Trent Reznor y Atticus Ross , por “La red social”

Mejor Canción Original: Randy Newman, por We Belong Together (“Toy Story 3″)

Mejor Mezcla de Sonido: Lora Hirschberg, Gary A. Rizzo y Ed Novick, por “Origen”

Mejor Montaje de Sonido: Richard King, por “Origen”

Mejor Vestuario: Colleen Atwood, por “Alice in Wonderland”

Mejor Maquillaje: Rick Baker y Dave Elsey, por “El hombre lobo”

Mejores Efectos Visuales: Paul Franklin, Chris Corbould, Andrew Lockley y Peter Bebb, por “Origen”

Mejor Largometraje Documental:“Inside Job”

Mejor Cortometraje Documental: “Strangers No More”

Mejor Cortometraje de Animación: “The Lost Thing”

Mejor Cortometraje de Acción Real: “God of Love”

Mejor Película de Habla No Inglesa: “In a Better World” (Dinamarca)

Oscar Honorífico: Kevin Brownlow, Francis Ford Coppola, Jean-Luc Godard y Eli Wallach

Una batalla personal para afrontar una guerra mundial

Quizás quedará  esta crítica como muy cómoda, porque a toro pasado todos sabemos mucho, y la escribo la noche después de que El Discurso del Rey, se haya llevado los 4 Oscars de más prestigio –Mejor Película, Director (Tom Hopper), Actor Protagonista (Colin Firth) y Guión Original (David Seidler), pero tengo la tranquilidad moral de saber que esta crítica la iba a hacer la semana pasada y por motivos personales me fue imposible. Por si sirve de algo ayer tarde (lógicamente antes de la gala), volví a verla por 2ª vez, quise llevar a mi hijo de 11 años, al que le ofrecí 3 opciones, Chico y Rita (animación y una banda sonora estupenda), Valor de Ley (western, paisajes, caballos, tiros y  estas cosas que siempre han gustado a los críos, y a nosotros también cuando lo éramos), o El Discurso del Rey ( de la cual le dije que era una película inteligente, sin efectos, sin parafernalias, sin escenas de acción, pero con un contenido más que importante). Quedará feo que lo diga, pero el chaval eligió la última opción y le primó más supongo, el entusiasmo con que le explique lo mucho que me había gustado la película cuando la vi por primera vez, que otros factores.

La película es un ejercicio de proximidad, dentro del contexto de una de las casas más estiradas del mundo de las realezas, basada en un hecho real y con fuertes evocaciones del regio cine inglés, el director Tom Hopper ha sabido recrear una época y una situación inusual en la que él que llegará a ser el Rey Jorge VI de Inglaterra, tiene que afrontar sus problemas de tartamudez que le han acompañado desde la infancia para poder ejercer de monarca en una situación de declaración de guerra donde la radio era el único sistema de comunicación y propaganda, donde la palabra, a falta de imagen era el recurso para alimentar consciencias y enervar corazones ante esa 2ª Guerra Mundial que estaba en camino.

Para ser conscientes de las connotaciones del retrato monárquico que desprende la película, un apunte, el guionista David Seidler hoy en día con 74 años, hace ya 30 que tenía escrito el guión, pero no lo ejecutó por expresa petición de Isabel que lógicamente llegó a ser la reina Madre (Helena Boham Carter, en el film, también muy correcta y creíble), hasta la muerte del Rey en atención a los doloroso recuerdos que le suponía. Por el contrario y para compensar parece ser que una de las más grandes fans de esta obra es la actual Reina de Inglaterra, que quedó fascinada por como se retrataba este retazo de historia que no deja de ser parte de la suya.

Impresionante el papel de Colin Firth, y casi encuentro injusto que el Oscar al mejor secundario no haya sido para Geoffrey Rush, (el logopeda Lionel Logue) este veterano y exquisito actor que da una replica la papel del Rey absolutamente carismática, y que consigue que el desarrollo de esta pequeña epopeya de esfuerzo, conocimiento y amistad llegue a momentos realmente emotivos. Todo ello acompañado de una ambientación correctísima, una fotografía eficaz, y un evidente sentido de la dirección, nos dejan un ejercicio cinematográfico esplendido.

No quiero contar mucho más por aquello de que cuando vayáis a verla la descubráis vosotros mismos, solo os puedo decir que ya no son los Oscars, ni los Bafta, ni ….muchos otros reconocimientos públicos que ha tenido, es disfrutar de la sintonía entre personajes, entre la realeza y el pueblo cuando aquella primera necesita del humilde para poder ser grande.

www.kingsspeech.com

El nuevo filme de Darren Aronofsky (La fuente de la vida, Réquiem por un sueño, Pi: Fe en el caos) vuelve a jugar con la complejidad de sus personajes, la materia de la que están hechos y la búsqueda incesante, casi obsesiva de un resultado que no siempre suele acabar como se espera en un principio. En “Cisne Negro” este peso recae sobre una bailarina de ballet, Nina (Natalie Portman).
Todos sabemos de lo estricto de la profesión,  aquí el director aprovecha para llevarlo a lo extremo y convertir eso en algo prácticamente existencial. Como si de una obra nietzcheana se tratase toca los temas universales del bien y el mal y las disputas internas en una persona.

Nina es una bailarina que vive por y para el ballet, su madre trata de hacerle alcanzar todo aquello que ella no alcanzó en su día, así que Nina apenas tiene vida propia. Vive obsesionada por la figura de otra bailarina de su misma academia, mayor que ella y que simboliza todo aquello que ella quisiera alcanzar, esta bailarina de nombre Beth (Wynona Ryder) vive con sus propios complejos. Beth está a punto de retirarse y el director de ballet (espléndido Vincent Cassel) ha pensado en Nina para el papel principal, pero para ello deberá pasar por la dura experiencia de conocerse más a fondo a si misma y explorar sus rincones más oscuros, algo totalmente nuevo para ella. De ese modo entrará en una espiral de hechos que la harán llegar hasta el extremo y la transformarán, en una pugna interna por sacar su lado más salvaje y desinhibido a la vez que sigue siendo ella misma, algo desquiciante.

Natalie Portman consigue recoger en casi dos horas de metraje la esencia de esa bailarina al borde de la locura mientras experimenta nuevas sensaciones. La verdad es que en casi toda la película la vemos a ella que nos dirige de manera ejemplar de punta a punta de la cinta sin que podamos apartar la mirada de la pantalla.

Esta dualidad es la que ofrece a la película el valor que tiene, a parte de la excelente dirección y las brillantes interpretaciones que convierten una historia que en principio podría resultar sencilla y simple en algo más. Recomendable.

Candidata a los premios Óscar de este año, el nuevo film de David O. Russell (Three Kings, I Heart Huckabees), no nos aporta ninguna historia que no conozcamos ya, pero en el fondo el guión no es lo que más peso tenga esta película centrada basicamente en los actores y sus interpretaciones. The Fighter nos narra la historia del boxeador Mickey Ward (Mark Wahlberg) y la relación con quienes le rodean: su hermano, ahora también su entrenador, Dicky Eklund (Christian Bale), la madre de ambos (Melissa Leo) y su mujer (Amy Adams). Y como estás relaciones se tensan y se embrollan como una cuerda con el deporte como telón de fondo.

Ward matiene una relación de amor-odio con su hermano al que admira a la vez que envidia, intenta captar el agrado de su madre más atenta por el primogénito que por su segundo hijo y es apoyado y querido por su mujer, quizás la única que lo entiende en el fondo. Bale está magistral en su interpretación como ex-boxeador que se hace entrenador para huir de las drogas y el crimen, Leo consigue plasmar todo lo que el personaje necesita en su interpretación, Adams otorga fuerza al papel y Wahlberg está básicamente correcto en un papel en el que también habían pensado en actores como Brad Pitt o Matt Damon, lástima que no pueda extraer más el jugo al personaje. La cinta juega con la personalidad marcada de cada uno de estos personajes para impactar en ciertos momentos, y es simplemente eso, no busquen nada más allá si se esperaban otra cosa.

De todas formas The Fighter no deja de ser una película interesante quizás realmente merecedora de esa candidatura. Una historia marcada por los valores, puede que incluso con algún desaire moralista, pero que consigue enganchar al espectador.

www.thefightermovie.com