The Knife

La gira europea de The Knife venía teloneada por Death Electro Emo Protest Aerobics una técnica inventada por Miguel Gutiérrez que en una especie de performance mezcla la protesta político-social con la música y algo de ejercicio. Así que el pasado día 12, DEEP Aerobics calentaba el ambiente de Store Vega de cara a la actuación de los suecos.

Karin Dreijer Andersson y Olof Dreije, acompañados por un séquito de unos seis músicos y bailarines, subían al escenario ataviados con capuchas y en procesión como si de una especie de secta o de ritual se tratase para presentarnos su último trabajo, “Shaking the Habitual”, en el que encontramos temas bailables de carácter oscuro, que desde “Deep Cuts” publicado ya hace diez años se ha ido encrudeciendo cada vez más. Y eso es lo que nos ofrecieron esa noche, dosis de sintetizadores conjuntados con ritmos brutales y coros desgarradores durante casi hora y media de actuación, adornado con instrumentos de lo más bizarro. Abrieron con “A Cherry on Top” a la que siguieron “Raging Lung” más rítmica que la anterior. A partir de ahí el escenario se convirtió en un festival en el que las bases preprogramadas y los instrumentos tomaron protagonismo junto a una especie de nube de humo salida de una máquina, dando una sensación casi fantasmal. Con “Without You My Life Would Be Boring” y “Bird” se adentraron en el terreno mecánico dejando apenas lugar para el rock tradicional y realizando una fusión de sonidos orgánicos y mecánicos.

Varias coreografías se llevaron a cabo ante la atenta mirada de Store Vega a ritmo de canciones como “A Tooth for an Eye” o “One hit”. También se echó mano del espectáculo de luces en “Networking” y “Ready to Lose” dio un respiro al ritmo más brutal para dar paso al electro melancólico y por ende volviéndolos más cercanos al público presente.

La fiesta continuó hasta que empalmó con la programación de la sala, por lo que no estaba muy claro donde acababa una cosa y empezaba la siguiente. La sensación una vez repasado mentalmente el concierto fue la de que The Knife habían pecado esa noche quizás de traerlo todo demasiado preparado de casa. Pese a eso no defraudaron y dieron lo que esperaban sus seguidores.

Redacción: Anders Havsberg (Corresponsal en Copenhague).

Dominique A

Dominique A deslumbra en la Sala Arena

El 2012 ha sido sin duda el año de Dominique A. Y para celebrarlo, el músico francés ha decidido salir de gira por nuestro país, coincidiendo además con el 20º aniversario de su sello en España, Green Ufos. Así que tres años después de su último tour, ha vuelto a la carretera con 12 conciertos, y esta vez acompañado de un fantástico y épico cuarteto de músicos.

Asimismo y tras su fulgurante concierto en el Instituto Francés, Dominique A repitió en Madrid y en la Sala Arena, dejándonos a todos ojipláticos…

Puntual como de costumbre, el nantés salió al escenario haciendo acopio de su elegancia, vestido completamente de negro, sonriente y entregado desde el minuto uno a una audiencia expectante, que estaba deseando verle en acción.

En un principio fueron desfilando los temas de “Vers Les Lueurs”, su noveno álbum y su trabajo más personal y sorprendente hasta la fecha, como mi favorita “Rendez-nous la lumière”, con la que creó un clima de tensión apoteósica, “Contre un arbre”, “Le convoi” o “Parfois j’entends des cris”, donde el guitarrista (Thomas Poli) dio una muestra de talento a través de serpenteantes sonidos eléctricos, que nos hicieron vibrar a todos los allí presentes. Sublime. Asimismo, también pudimos disfrutar de sus canciones más conocidas como “Close west” y “Vers le bleu” y con temas de sus discos anteriores como “L’Horizon” o “Hasta que el cuerpo aguante”.

Por otro lado y como era de esperar, Dominique A nos hizo partícipes de la versatilidad y eclecticismo musical del que hace gala y dio rienda suelta a sus carismáticos movimientos de muñeca y manos, demostrando nuevamente que es todo un gentleman y que es capaz de hipnotizar hasta al más escéptico. Y por si esto fuese poco se metió al público madrileño en el bolsillo gastando bromas, hablando en castellano y, por supuesto, dándolo en el escenario.

Sin más, el broche de oro lo brindó durante los dos bises que nos regaló, seduciéndonos con grandes canciones como ”Antonia”, ”Inmortels” y “Pour la peau”.

Un concierto irrepetible y un regalo para los sentidos por parte de uno de los más grandes artistas de las dos últimas décadas.

Obsidian Kingdom

A veces, no sabes cómo, ni porqué, pero la sabiduría de Internet y sus enredos más internos hacen que de por el puro placer de indagar en el mundo más oscuro de la fotografía en blanco y negro y de la manipulación de ésta por artistas como John Stezaker o Benedetta Bonichi acabes escuchando un disco en un bandcamp repetidas veces; como si las imágenes y el sonido se mezclasen y te hiciesen entrar en un bucle interminable. Un vórtice que te absorbe y te arrastra hasta la pestaña de “comprar entradas”.

Por ese motivo aparecí el viernes 14 de diciembre a las 9:45 frente a la sala Music Hall, preparado para entregar el ticket que me iba a permitir poner el pié en ese largo y oscuro pasillo que lleva hasta las entrañas del antiguo teatro Barcelona.

Desde el principio supe que el lugar iba a estar acorde con la experiencia a la que esta banda llaman “An Agony in fourteen bites”. Y así fue. El espectáculo iba a empezar y los componentes de Obsidian Kingdom salieron paulatinamente al escenario mientras se formaba con maliciosa tranquilidad la melodía de “Not Yet Five” que posteriormente se convertiría en “Oncoming Dark” y ésta, más tarde, iría in crescendo hasta “Through the Glass”. De repente, la espiral que se había creado en mi cabeza frente al ordenador se repetía, pero ahora la acompañaban aquel antiguo escenario y una video-proyección en blanco y negro que parecían sacada del vhs que circula por la película Ringu (the ring).

La progresión musical no disminuyó hasta después de “Cinnamon Balls”. Con la tregua que ofrecía “The nurse”. En ese instante desaparecieron las voces Blackmetaleras y los riffs matemáticos dieron paso al teclado, y las baquetas y el bombo que sonaban a todo trapo se intercambiaron por pausadas escobillas. Casi dos minutos de paz y tranquilidad antes de regresar a la intensidad a la que ellos mismos hacen bien en llamar “Hard to classify heavy music with plenty of contrast”.

A partir de ese momento la oscilación entre diferentes ideas musicales como el Black metal sinfónico y el rock progresivo se convertían en la auténtica personalidad de esta banda; idas y venidas, subidas y bajadas que se repetían en “Last of the light”, “Answers Revealing” y “Genteel to mention”, generando un sonido totalmente tenebroso al que se le sumaron las tablas en el escenario de Fiar, cantante de Foscor, que apareció durante las primeras letras en catalán de “Awake until Dawn”.

La metamorfosis de “MANTIIS” prosiguió con fuerza hasta la conclusión del evento mostrando influencias de Opeth, Steven Wilson (Porcupine Tree) o Emperor. Pero no contentos con esto reaparecieron para ultimar la ejecución con un tema con sonido acústico.

Al final del espectáculo, de regreso a la puerta de salida, recordé la mala suerte que corren los protagonistas de la película de Hideo Nakata. Morir en los próximos siete días no entra dentro de mis planes, pero por si acaso me acerqué hasta la mesa de merchandising para hacerme con la edición digipack de Mantiis y así disfrutar del excelente esfuerzo que han puesto en este disco antes de que llegue mi hora.

Obsidian Kingdom volverán a tocar el 31 de enero junto a Cult of Luna en la sala Razzmatazz 3.

obsidiankingdom.bandcamp.com
obsidiankingdom.com
www.facebook.com/obsidiankingdom

Redacción: Hugo Hernández
Foto: Obsidian Kingdom

Rufus Wainwright
La Riviera
Madrid 08·12·2012

El pasado sábado y como parte de una pequeña gira europea que empezó el pasado 23 de abril en Copenhague, el carismático songwriter canadiense Rufus Wainwright dio un impresionante concierto en la sala La Riviera, cargado de sorpresas y de momentos memorables…

En esta ocasión, vino a Madrid a presentar su nuevo trabajo, “Out of Game”, un disco más accesible, pop y menos barroco en los arreglos que sus antecesores, pero igual de excelente y que ha sido producido por el genial productor británico Mark Ronson (Amy Winehouse, Robbie Williams, Sean Paul, Lily Allen, Kaiser Chiefs, Duran Duran, etc). Esta nueva entrega tiene una gran carga emotiva e incluye canciones dedicadas a su pareja y a su difunta madre Kate McGarrigle, a quien recordó también durante su actuación.

Así que puntual como siempre, Mr. Wainwright apareció en el escenario sonriente y enfundado en unos pantalones estampados, extrañamente conjuntados con un chaleco rojo y una americana, mientras los allí presentes le recibíamos con una calurosa bienvenida. Por supuesto, le acompañaba su piano y su banda, compuesta por seis miembros, entre los que destacaba una chica de color que cantaba increíblemente bien. Todos ellos estuvieron a la altura de su líder y nos llevaron a lo más alto interpretando durante dos horas temas de su nuevo álbum como la homónima “Out of Game” (cuyo videoclip lo interpreta la actriz Helena Bonham Carter), “Jericho”, “Montauk” (canción que el artista dedica a su hija Viva) , “Welcome To The Ball” o “Perfect Man” y por supuesto algunos de sus clásicos: “Cigarettes and Chocolate Milk”, “The One You Love”, “April Fools” o la inconmensurable versión del tema de Leonard Cohen “Everybody knows”.

Un espectáculo único y emotivo, que concluyó con una “performance-fin de fiesta”, en la que Rufus, caracterizado de Apolo, y sus secuaces (entre los que se encontraba Cupido…) simularon una bacanal en pro del amor libre. Y durante la cual el cantante, compositor y pianista norteamericano se dio un baño de masas cantando y bailando entre el público. Un momento mágico, que nos hizo vibrar.

Y por si esto fuera poco… el punto álgido de la noche llegó cuando, casualidades de la vida, me encontré con el mismísimo Rufus Wainwright en el mítico Toni 2, y pude verle interpretar una espontánea versión de la archiconocida “Over the rainbow”. Como diría mi amigo Pablo: ¡toda una epifanía!

Los Campesinos! + Dry The River

Tras la oleada de actuaciones festivaleras, empieza la temporada de nuevos conciertos y por supuesto no nos podíamos perder la oportunidad de ver en directo a Los Campesinos! y sus teloneros, a la altura de las circumstancias, Dry The River. Los segundos se encargaban de ir abriendo boca en una actuación aplaudida y de media mejor que la primera. Los londinenses presentaban su único disco hasta la fecha, “Shallow Bed” (2012), un trabajo cargado de indie-folk que nos acerca inevitablemente a bandas como Band of Horses o Fleet Foxes. Destilaban lirismo por cada uno de los poros de su piel y nos regalaban ráfagas enérgicas a ritmo de “The Chambers & The Valves”, “Demons” y “Weights & Measures”. Melena al viento, medio desnudo (debido al excesivo calor de la sala) y descalzo, Peter Liddle se enecargaba de defender cada una de las piezas que formaban parte de su espléndido set.

Lo de Los Campesinos! ya fue arena de otro costal, y en eso coincidimos casi todos, no fue su noche más brillante, estuvieron algo apagadillos pese a la calidad de su sonido. Sus temas son para disfrutarlos y bailarlos y al final parecía que solo Gareth estaba por la labor, una pena. Aún así nos ofrecieron buenos momentos, sobretodo en el tercio final del concierto, cuando sonaron las notas de “You! Me! Dancing!” y todo el mundo se puso en pie para moverse al ritmo de ese ya nuevo himno. A parte de cuando el líder de los de Cardiff hizo su habitual paseo por entre las primeras filas mientras cantaba aquello de “And you,You are an angel, that’s why you pray…”. Menos mal que estaba él para salvar el final de la noche…

Así pues nos quedamos con un sabor agridulce que esperamos paliar en futuras ocasiones, pero muy gratamente sorpredidos por otra parte (y sobretodo para aquellos que conocíamos tanto a Dry The River) de descubrir nuevas bandas en ciernes o futuras promesas, dicen, veremos si el tiempo les da la razón.

Russsian Circles + Deafheaven

Mi curiosidad por la combinación de estas dos bandas hizo que llegáramos pronto. La puerta del La [2] y las terrazas de los alrededores estaban repletas de gente que hacían tiempo para entrar. Mientras esperábamos, la conversación nos llevó hasta “Sargent House”, sello dedicado al management de un colectivo musical independiente que ha hecho que estas dos bandas se asocien para peregrinar por Europa.

Se hicieron las nueve y nos decidimos a pasar,”tomarnos otra fuera porque están tocando los teloneros” sería un desprecio hacia Deafheaven, que pese a ser una formación joven, de sólo dos años, no merecen.

Los de San Francisco salieron para presentar “Roads to Judah” y lo hicieron con una entrada de lo más atmosférica que se convirtió en una auténtica locura cuando la voz rasgada de George Clarke empezó a sonar. Los temas se sucedían y la fusión entre el post-rock ambiental y la rabia del black metal fueron in crescendo hasta el final. La intensidad llegó a tal nivel que consiguió que una vez llegado el interludio la falta de música nos dejara un inmenso vacío por dentro.

Empezó el segundo acto. Russian circles salieron a escena entre multitud de aplausos que se silenciaron con los primeros sonidos que salían de la guitarra de Mike Sullivan y que posteriormente se convirtieron en “Carpe”, primer tema del set list de los de Chicago. Ahora sí, ya estaba descorchada la botella y la pericia del guitarrista con los efectos y el tapping giraban en bucles que embriagaron al público.

No fue hasta el tercer corte que apareciera “309” primer tema de su último disco. “Empros” demostró ser la cuarta pieza que faltaba al puzzle que forman los discos de esta banda, equilibrado y más ambiental, cierra el círculo que hizo que los fans del malicioso post-rock de este grupo pudieran disfrutar de un grandioso espectáculo. No faltaron ni “Harper Lewis” ni “Youngblood” y el bis “Death Rides a Horse” fue de los más aclamados por el público.

Finalmente, después de una hora sin un solo vocablo apareció la voz de Dave Turncrantz, el batería, para decirnos que ése era el último concierto de una larga gira europea. Treinta y ocho conciertos ni más ni menos y se despedía de nosotros después de dar una autentica demostración junto con Brian de cómo se hace que todos los asistentes de la sala muevan la cabeza con una música que está muy lejos de ser festiva.

Al salir, retomamos la conversación sobre “Sargent House” y descubrimos que gracias a este sello Russian Circles iniciarán gira americana en Junio con An so I watch you from afar, Deafheaven y Indian Handcrafts.

Com Truise

Tras este estrambótico nombre encontramos a Seth Haley que se acercaba de nuevo a nuestro país, tras una apoteósica puesta en escena dentro del PS del pasado año, para ofrecernos su personalísimo set que nos devuelve directos a los ochentas y a esos sonidos mezcla de videojuegos, algún 8-bit y reminiscéncias de muy buenas épocas. La actuación dentro de Siroco venía apoyada por los teloneros Calima que fueron poniendo en marcha a los presentes para lo que nos deparaba la noche.

Sonidos tropicales mezclados con bases electrónicas aderezadas por proyecciones por donde desfilan siluetas, paisajes, flora y fauna. Como aperitivo dejaron muy buen sabor de boca para dar paso a Haley acompañado por batería y bajo. Riffs, beats y bases se unían en una espiral que explosionaba en lo más alto y que como hilo musical daba sonido ambiente al reencuentro de fin de semana con amigos, conocidos y desconocidos, mientras iban desfilando piezas como “Slow Peels”, “Cathode Girls”, “Brokendate” o “Beta Eyes”.

Buen ambiente que creaba un gran equilibrio musical con todos los elementos sobre el tablero, tanto las mesas de mezcla, como esa omnipresente batería y los bajos, entre luces púrpura y anaranjadas. Melodías potentes que llenaban las cabezas de los presentes obligándolos a bailar como si estuvieran en el salón de su casa. No hubo momentos para las voces, todo se condujo con una linealidad bien calculada, pero que por otro lado fue digna de admirar, tan solo interrumpida por los aplausos y vitores del público.

Increíble actuación del productor y músico de Nueva York, fichado por el sello Ghostly International en la que sonaron casi todas las piezas de ese “Galactic Melt” publicado el pasado año.

Jack Daniel’s Day 2012
Madrid Arena
Madrid 20.04.2012

El pasado viernes y en el Madrid Arena tuvo lugar la segunda edición del Jack Daniel’s Music Day: un microfestival con más de 7 horas de buena música, barbacoa y, por supuesto, whisky.

El pistoletazo de salida lo dieron Sala & the Strange Søunds, una de las bandas de referencia del circuito londinense. Y a pesar de que era relativamente pronto y los asistentes necesitábamos entrar en calor, el cantante y compositor Sala Elassir se entregó y ofrecieron un directo vibrante y contagioso a base de un sonido muy brit. A continuación tocaron La Habitación Roja, quienes presentaron su último disco “Fue Eléctrico” (2012). Lo cierto es que los valencianos sonaron de miedo y se ganaron al público con temazos como “El Resplandor”.

Cuando el aforo empezó a ser considerable, le tocó el turno a los barceloneses Sidonie, quienes derrocharon energía de principio a fin, intercalando temas de su último álbum “El Fluido García” (2011), como “La Huída” o “Mil Años Luz” con temas clásicos como “Costa Azul”. Se metieron a la audiencia en el bolsillo con su psicodelia pop y llegaron incluso a homenajear a los Everly Brothers con un acústico de “All I Have To Do Is Dream”. ¡Grande! Como colofón el escenario ardió con su aclamado último tema, “El Incendio”.

Así que tras este conciertazo, y apenas media hora después, Los Campesinos! continuaron dándolo todo con su himno “Death To Los Campesinos!”, mientras nos entregábamos a la causa y nos dejábamos llevar por la performance protagonizada por los de Cardiff. Uno de los momentos álgidos de su actuación  llegó con su hit “You! Me! Dancing!”, precedida por el infalible riff de guitarra de Nirvana “Smells Like Teen Spirit”. Después sonaron temas como “The Sea Is a Good Place to Think About the Future”, y para el delirio de los allí presentes el cantante se dio un baño de masas justo antes de su último tema.

Por fin llegaron los neoyorquinos The Pains of Being Pure At Heart, quienes se posicionaron como los vencedores de la noche. Los cabezas de cartel obviaron cualquier presentación y fueron a por todas tocando sin pausa sus grandes hits y canciones de su gran disco Belong (2011) como “Heart in Your Heartbreak”. También sonaron con gran entusiasmo “Stay Alive” y “Say No To Love”. Aunque por supuesto, no se dejaron en el tintero algunas de las más esperadas como “Young Adult Friction”, “Contender” o su homónima “The Pains Of Being Pure At Heart”, las cuales fueron acogidas con igual emoción. El concierto siguió avanzando y después de que el cantante hiciese un guiño al clásico del sábado por aquello de empatizar… tocaron su gran éxito “Everything With You” , impulsándonos a todos a bailar sin parar.

Cuando acabó la dj sesión, The Whip, una de las grandes sensaciones del nuevo pop británico, volvió a captar la atención del público ofreciendo un concierto sobresaliente de pop-rock adictivo aderezado de electrónica y dance.
Sin más, nuevamente el Jack Daniel’s Day ha acogido a un nutrido grupo de las bandas indie más representativas y nos ha despertado el gusanillo para seguir disfrutando de los próximos festis, que ya están a la vuelta de la esquina. Don’t stop the music!.

Andy Stott + Demdike Stare
Caixa Forum
Barcelona 09.03.2012

El primer concierto del ciclo de Música Electrónica en el Caixaforum de Barcelona presentaba a dos de los más excitantes proyectos salidos de la escena electrónica de Gran Bretaña en los últimos años. Tanto Andy Stott como Demdike Stare ofrecen un acercamiento decididamente experimental a la electrónica, algo digno de mención en una escena dominada por la bass music y por la voluntad de reconstruir el r&b y el soul.

Abrió el fuego Demdike Stare, cuya trayectoria discográfica es hasta el momento impecable. Su último trabajo, el doble cd “Elemental” (Modern Love, 2012), confirma las grandes expectativas creadas en sus anteriores entregas. El dúo formado por ese par de incansables buscadores de vinilos oscuros que son Miles Whitaker y Sean Canty juega con la combinación de distintos elementos (ambient drone, dub oscuro, collage sonoro, tecno comatoso, sonidos retrofuturistas, Ennio Morricone) para configurar un discurso propio y además tienen la virtud de saber recrearlos en directo de una manera orgánica y sugerente que complementa perfectamente lo que ofrecen en disco. Demostraron ser unos maestros en la creación de atmósferas (ayudados por unas proyecciones que añadieron un inquietante toque onírico y surrealista al conjunto), aunque pecaron de ciertas prisas a la hora de pasar de un ambiente a otro. Quizá su pase en el Caixaforum se hizo un poco más lineal que en disco, pero en conjunto el suyo fue un concierto de los que dejan huella y confirmó plenamente todas las expectativas creadas por su interesante discografía.

No se puede decir lo mismo de su compañero de sello, Andy Stott, a quien problemas técnicos con su laptop lastraron su sesión de manera notoria. Si en disco el productor londinense es capaz de encontrar el punto medio perfecto entre ambient, dub tecno e IDM, en directo Stott tira por el camino del medio. Llamó mucho la atención el protagonismo que tenían las bases en el balance que salía por los altavoces, hasta el punto de que todos los matices ambient y collages sonoros que caracterizan sus discos quedaran casi enterrados. Quizá Stott busca precisamente diferenciar muy claramente sus dos facetas, la de hacer música para el directo y la de producir discos para ser escuchados en casa. En cualquier caso lo visto en el Caixaforum nos mostró a un productor con menos personalidad y un discurso mucho más plano del Andy Stott que escuchamos en casa. Esperemos que simplemente se tratara de una noche desafortunada.

Redacción: Manel Peña

Lee Perry + Mad Professor
Apolo
Barcelona 04.03.2012

Unos treinta y cuatro teléfonos móviles se apresuraron a inmortalizar la entrada al escenario del legendario Lee “Scratch” Perry, señal inequívoca de que estamos ante uno de los iconos más queridos que ha dado la música de raíces jamaicana de todos los tiempos. A la presencia del veterano Scratch había que añadir la de Mad Professor a los controles, pero desafortunadamente el papel de éste en el concierto de Scratch fue puramente testimonial, limitándose a ecualizar el sonido y no a re-elaborarlo (Dub style) como él sabe.

Tan sólo unos minutos antes, el productor londinense nos había puesto la miel en los labios, mostrándonos de lo que era capaz al mezclar en directo el fenomenal pase del grupo telonero (y banda de acompañamiento de Perry), The Robotiks. El hecho de que adoptara un papel decididamente secundario en el resto del concierto supuso una gran decepción, aunque la nutrida parroquia concentrada en el Apolo (tres cuartos largos de entrada) prefirió no lamentarlo en exceso.

Lee “Scratch” Perry se presentó con su característica vestimenta de majadero y su quincalla horterísima (sólo él sabe lucirla con estilo) y centró sus esfuerzos en ofrecer un correcto concierto de Roots Reggae puro y duro. Ni rastro del excéntrico, sideral e intergaláctico componente Dub que caracterizaba sus mejores discos (“Super Ape” (Island, 1976), por ejemplo) y cuya influencia se ha dejado sentir más allá del ámbito del reggae. Pasados unos minutos decidimos no darle demasiadas vueltas al tema y concentrarnos en saborear el material que Perry y los Robotiks tuvieron a bien desarrollar desde el escenario. Al fin y al cabo, estamos hablando de un señor jamaicano que está más cerca de los ochenta años de edad que de los setenta y que se ha fumado más canutos que pingüinos hay en el polo norte.

Empezó el show con “Introducing Myself” (de su LP para Trojan Records, “Battle of Armagideon”, 1988) y continuó con piezas de diferentes momentos de su discografía: “Pum, Pum” (de su polémico álbum “Repentance”), “Mad Man Dubwise”, “Happy Birthday”… para acabar ofreciendo su tributo a Bob Marley con una animada relectura de “Exodus”. Pudimos comprobar que -oh, sorpresa- Perry ya no está para muchos trotes, pero su manera de cantar relajada y cálida mantiene intacto su poder de seducción. Como balance final nos llevamos el recuerdo de unos más que correctos sesenta minutos de Roots Reggae que los numerosos aficionados supieron apreciar como se merece, aunque fue una verdadera lástima que Mad Professor no tuviera un papel más activo en el show.

Redacción: Manel Peña

The Men

Después de un par de discos, Eps y singles autoeditados The Men pasaron a formar parte del sello Sacred Bones a mediados del año pasado. Su LP “Leave Home” (Sacred Bones, 2011) nos despeinó a todos por lo imponente de su sonido y la variedad estilística que contenía. Sin abandonar en ningún momento un tono general oscuro y agresivo a partes iguales las canciones del disco se acercaban al hardcore y al punk en algunos momentos mientras que en otros pasajes el discurso derivaba hacia el kraut rock o la psicodelia e incluso el shoegaze.

La salida del grupo del bajista Chris Hansell parece haber mermado la capacidad de pegada de la sección rítmica de The Men, además de afectar al registro expresivo del grupo. Por lo visto el pasado martes en La 2, Hansell aportaba los cortes más agresivos y sin él el grupo ha acentuado su vena más setentera -y menos excitante-.

Su pase en la 2 fue bastante más concreto estilísticamente hablando, con dos partes muy diferenciadas -yendo de menos a más-. Los primeros veinte minutos se centraron en las canciones más rápidas de su repertorio, mientras que en la segunda -ya con la sala algo más caldeada-, The Men interpretaron piezas más elaboradas y que por momentos recordaban a Spacemen 3. Curiosamente la intensidad de estas canciones superó con creces las de la primera mitad, aunque no lograron evitar un sentimiento final de pequeña decepción. Su próximo disco para Sacred Bones (“Open Your Heart”) debería servir de reválida después de las expectativas generadas con el estupendo disco que editaron el año pasado.

Redacción: Manel Peña

Stereoparty 2012

Uno de los sellos pioneros de la música independiente en nuestro país, Subterfuge Records, celebraba el pasado sábado el lanzamiento de Stereoparty en una fiesta presentación con el cartel de sold out colgado desde hacía algunas semanas y con el aditivo de ver en directo a dos bandas nacionales en muy buena forma como son Joe La Reina y McEnroe. Los primeros presentaban su folk que comprimirán en formato largo duración en breve, mientras que los segundos hacian explotar el ruidismo en su característica puesta en escena.

Los de Pamplona se encargaron de abrir una noche que prometía bastante y no nos defraudaron. Nos ofrecieron un adelanto del que será su nuevo EP grabado junto a Brian Hunt, mientras rasgaban la acústica en estribillos cargados de momentos álgidos. La banda, recientemente fichada por el sello madrileño, demostró su excelente capacidad para recrear construcciones sonoras que seguro darán que hablar en un futuro próximo.

Al rato aparecían sobre el escenario McEnroe mostrando sus tablas sobre el mismo, con gran fiereza abrieron el concierto con algunos de los temas de su próximo disco, “Las Orillas”. Pop con grandes dosis de lirismo, subidas y bajadas y una sensibilidad que se cuela por cada uno de nuestros poros. Pudimos escuchar piezas como “El alce”, “La Tormenta” o “Mundaka” (canción adelanto del nuevo álbum), que hicieron enmudecer al respetable. Con Ricardo al frente de aire tranquilo pero mensaje claro y conciso, nos transportaron por esos paisajes traslúcidos que ya los han colocado en una posición privilegiada dentro de la escena musical de la península.

Esperamos que se cumplan muchos años más de la publicación de este recopilatorio que tiene su origen allá en el 95 y que nos ofrezca momentos tan buenos en directo como los que pudimos disfrutar esa brillante noche.

Redacción: Joan Sánchez.

Arctic Monkeys

El pasado sábado 28 nos dirigíamos hacia el Palau Sant Jordi, uno de los puntos más altos de Barcelona y quizás uno de los más gélidos también para ver en directo a los de Sheffield cuatro años después de su última visita. No teníamos muy claro lo que nos ibamos a encontrar sobre el escenario ya que el sonido de Turner y los suyos ha dado un cambio bastante radical con su nuevo disco “Suck It and See”, mucho más denso y que ha sorpendido tanto a la prensa como al público.

Pero lo cierto es que los británicos supieron trasportar esa noche toda su fuerza al escenario ante un público entregado que la única pega con la que se encontró fue con la poca duración del concierto, parones incluidos, que apenas llegó a la hora. Por el resto, un buen comienzo, con los teloneros Mystery Jets quienes venían a presentar su último trabajo que saldrá este año al mercado, que dieron paso a las luces de colores que se iluminaron para abrir la esperada puesta en escena de Alex, Jamie, Nick y Matt, y en última instancia Miles Kane que se unió para cantar “505″. Una arrancada bastante fulminante aunque sin perder la compostura y con el aire serio de siempre, muy british. Cambiando esta vez los flequillos por el cuero negro. Incluso se atrevieron a versionear a Nick Cave y su “Red Right Hand”, autor del que Alex se confesó ferviente seguidor.

Hicieron repaso de sus cuatro discos de estudio: “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”, “Favourite Worst Nightmare”, “Humbug” y “Suck It and See”, con más peso sobre el segundo y este último, evidentemente. Arrancando con “Dance little liar” y “Don’t Sit Down Cause I’ve Moved Your Chair”, siguiendo con otros temas como “Still take you home”, “A view from the afternoon”, la cara B “Evil Twin” y el hit “I Bet You Look Good On The Dancefloor”. Las nuevas canciones como “Potion aproaching” o “Crying lighting” sonaron muy potentes, en la ola más rockera en la que se acaban de introducir, de la que no sabemos si seguirán dejándose llevar o si en un futuro querrán experimentar con algo nuevo. Todavía son una banda joven.

Una gran actuación con un par de matices que deberían de limarse, sobretodo si tenemos en cuenta que hoy en día los conciertos suponen más de la mitad de los beneficios finales para un grupo. Al margen de esto, una gran noche que nos dejó con ganas de continuar siguiendo de cerca la carrera del cuarteto.

Redacción: Cristina Jiménez

Mastodon

Algunos días antes del evento llegaba a mi correo un e-mail de ticketmaster advirtiéndome que el concierto de los de Atlanta se trasladaba de Razzmatazz 2 a su hermana mayor. En ese instante llegó a mi el recuerdo del dolor de oídos en mi última estancia en aquella sala. No por el grupo, sino por el local.

Un par de días más tarde, a eso de las nueve, mis prejuicios y yo nos adentrábamos en la sala que ya se encontraba considerablemente llena de un publico que destacaba por tener más pelo en el rostro que en el cuero cabelludo y que movían la cabeza al ritmo de los encargados de abrir la sala: Red Fang.

A las diez, ya con el local totalmente lleno, se volvieron a apagar las luces y crucé los dedos para que aquello en lo que había estado pensando los últimos dos días no ocurriera.

Mastodon entraron en escena sin ningún tipo de prisa a la vez que la gente enloquecía. Brent Hinds que llegaba cojeando dio un trago a su taza de té humeante (doy fe) y empezó a tocar las primeras notas de “Dry Bone Valley“ en la extraña guitarra que lleva su nombre. En ese mismo instante los motores de Mastodon se encendieron y la multitud de barbudos empezó a corear cada una de las veintitrés canciones que tocaron durante la hora y media que duró el show. Veintitrés canciones que sirvieron para repasar los cinco álbumes y posiblemente cinco estilos que forman el repertorio de canciones que tiene hasta hoy esta gran banda. Mis temores con respecto al sonido se esfumaron rápidamente al oír con toda claridad la contundencia de “I am Ahab” y los arpegios de “Megalodon”. Pero lo mejor estaba por llegar;  tras un “Bona nit Catalunya. Gracies per vindre” de Bill Kelliher se sucedieron a toda velocidad “Iron Tusk” ”March of the Fire Ants” y “Blood and Thunder”.
Tal despliegue de energía merecía un colofón final y Troy hizo pasar de nuevo a los Red Fang para poner la guinda a tan enorme pastel mientras sonaba “Creature Lives.”
Al despedirse Brann Dailor salió de detrás de su batería de topos en homenaje a Randy Rhoads para decirnos que esperaba vernos muy pronto, “Maybe this summer”. Por suerte, hoy ya sabemos que podremos disfrutar de Mastodon en el Sonisphere de Getafe este mayo.

Redacción: Hugo Hernández.

El jueves 8 de diciembre la sala celebró a tope. La convocatoria que tuvo la noche de los Jamies ha sido inmejorable. Los bajos definidos y las presentaciones se disfrutaron de principio a fin, y seguramente sea recordada como una de las veladas musicales del año.

Otra noche más en Razzmatazz, pero no cualquiera: Hemos bailado con un público lleno de expectativas que fueron superadas ampliamente por las actuaciones de Jamie Woon, James Blake y Jamie XX. Donde se comprobó que los ritmos lentos y pegadizos están a la orden del día.

Jamie Woon recorrió “Mirrorwriting” su álbum debut, que contó con la producción de Burial, y que interpretó de manera asombrosa en el escenario de la sala 1, teniendo como protagonista su manejo de la voz y la compleja combinación de sonidos.

A cargo de la apertura de la noche, Woon disfrutó de una sala llena desde el principio, que terminó cantando su éxito “Night Air”. Lamentablemente, fue el live que más bajo se escuchó, el sonido no estuvo a la altura de lo que se necesitaba para cubrir la pista.

Poco después de un intermedio a cargo de David M, salió al escenario James Blake con su primera aparición en modo Live con sus sintetizadores, sus teclados y su hipnótica voz . Se pudo escuchar “The Wilhelm Scream”, “Lindisfarne”, “Only know (what I know)”, “Unluck”, el cover dde Feist “The limit to your love” y “CMYK”, entre otras.

El sentimiento general de los presentes fue de admiración: Con sus 22 años, James Blake sabe desplegar todo su talento en el escenario. Su manejo del público y sobre todo de la música está plagada de virtuosismo y esto se ha notado de manera formidable.

Después de un corto preludio llevado a cabo por Noaipre, Blake volvió a musicalizar la sala, esta vez en en formato DJ set. Los vinilos pasearon por diferentes estilos y bpm. Del jazz al dubstep más puntilloso, que consiguió que la pista se volviera bailable. Completó la escena Jamie XX, quien irrumpió con “NY is killing me” (su producción junto a Gil Scott-Heron), y que poco a poco se incorporó para un B2B de lujo.

Jamie XX finalizó la celebración con una sesión de más de dos horas, donde recorrió sus discos favoritos y se dio el gusto de pinchar sus tracks. Muy buena la destreza en los platos, que se combinó con una excelente selección.

Sin dudas una de las mejores noches del 2011. ¡Feliz cumpleaños Razzmatazz!.

Redacción, fotografía y video: Samantha Cuglia.

El lunes 5 de diciembre seguimos celebrando junto a la sala barcelonesa su onceavo cumpleaños en compañía de Toro y Moi. El proyecto liderado por Chazwick Bundick hizo de las suyas en el espacio acogedor Lolita, en el que sin duda se lució en todo su esplendor.

Es la segunda presentación que han hecho en nuestro país, y en la primera no han tenido todas las de ganar. Fue en el mes de junio en el marco del Sónar, y surge la discusión eterna de qué música es buena para presentar en festival. Lo cierto, es que esta vez ha sido muy acorde que hayan tocado en un espacio reducido con el sonido a punto para recorrer sus discos Causers of this y Undetneath the Pine.

Lolita estaba a tope. El mini escenario bien preparado con varios sintetizadores, un teclado, guitarra, bajo, batería y batería electrónica. Luces rojas y azules para cubrir el decorado y bastante gente expectante. Apenas llegando a las 22 horas, Toro y Moi empezaba una hora a puro hit y ritmo: “Talamak”, “New Beat”, y “Still sound” fueron cantadas y bailadas de principio a fin.

El momento cumbre de la noche, fue con los sonidos de “I can get love”, única canción en la que Bundick abandonó su lugar en el escenario para acercarse a la gente e invitar a bailar a una chica del público, que lo sorprendió con su propia actuación: se puso a bailar y se levantó el vestido enseñando su body de bailarina. Con una sonrisa tímida él le agradeció y pasaron rápidamente a deleitarnos con “Saturday love”, de su último trabajo corto Freaking Out.

Después de un breve descanso y con el pedido del público volvieron a salir para un bis, uno de sus temas de su álbum debut: Low Shoulder; y así todos nos fuimos con una sonrisa y pensando qué bien suenan en una sala pequeña llena de gente.

Redacción, fotografía y video: Samantha Cuglia.

Noel Gallagher

Con una audiencia mitad guiri mitad del país, se presentaba el señor Noel Gallagher en Madrid el pasado 26 de noviembre con un cartel bien grande de “sold out” colgado en la puerta desde hacía semanas. El de Manchester regresaba después de largo tiempo para presentarnos su disco en solitario “High Flying Birds” que ha gozado con buenas críticas y que deja claro que su paso al margen del camino trazado junto a su hermano Liam (ahora en Beady Eye) es firme.

Noel no renegó de su pasado junto a Oasis y dió inicio al concierto con “(It’s Good) To Be Free”, una cara B que aparecía en The Masterplan y que a la vez parecía una metáfora de lo que en La Riviera sucedería esa noche, ya que parece que el cantante se sentía cómodo haciendo tararear al público las canciones, dedicando algún tema a las damiselas de primera fila e incluso lanzando un guiño al propio Mourinho.
Aunque hubo algunos pequeños problemillas técnicos iniciales, el respetable gozó de temas de su último disco como “Everybody’s On The Run”, “Dream On” y “If I Had a Gun” que sonaron excelentemente trasladadas al directo, con Gallagher a la guitarra y el acompañamiento de su banda que realizó un buen papel. Temas que se intercalaron con clásicos hits junto a Oasis como “Mucky Fingers”, “Wonderwall” y “Supersonic” con gran ovación general y emoción de muchos de los presentes. Ya que está claro que Oasis ha formado parte de una de las etapas más importantes en la historia de la música británica y en general de la mundial. Somos muchos los que hemos crecido con sus canciones, los que las recordamos con cierta nostalgia y se haya en el subconsciente colectivo de toda una generación.

La recta final del concierto también fue un fifty fifty ya que tras temas como “Soldier boys and jesus freaks” y “Aka broken arrow” sonaron otros en un bis final de tres canciones: “Little by Little”, “The importance of being idle” y como no, “Don’t look back in anger” que fue aclamada por todo lo alto.

Por suerte para los que no pudieron disfrutar de esa noche, podrán verle de nuevo en vivo en Barcelona en marzo, aunque como era de esperar las entradas vuelven a estar agotadas, habrá que cruzar los dedos para que decidan ampliarlo a una sala más grande. Veremos…

Redacción: Joan Sánchez.

Hola a Todo el Mundo de entrante y Fanfarlo como plato principal.

Hola a Todo el Mundo vs Fanfarlo: ¿reinventarse o morir?
Los de Madrid subieron al escenario con una sala a rebosar y un público con muchas ganas de pasárselo bien. Puntuales, con una puesta en escena muy sencilla y cargados de un buen arsenal de instrumentos imprescindibles para lograr su inconfundible sonido folkie, Hola a Todo el Mundo nos deleitaron con temas de su anterior disco como “Hatem Prayer Team”, “Golden Sound” o “Your Current Road” y también de su nuevo EP en español como “Estela Castiza”, “Maestra Alegranza” o “León Comunión”, con la que sentenciaron su actuación.

Sin embargo, el momento cumbre lo protagonizó la archiconocida “A Movement Between These Two”, con la que los allí presentes enloquecimos y lo dimos todo durante los casi siete minutos que dura la canción. Lo cierto es que superaron las expectativas y dejaron el listón muy alto.

A continuación le llegó el turno a Fanfarlo. Después de haber estado un par de años sin ningún lanzamiento y, sobre todo, tras el grandioso concierto que dieron en el Circo Price con motivo del Día de la Música, todo hacía presagiar que el 15 de Noviembre de 2011 iba a ser una noche para recordar. Así que aunque los británicos salieron a escena seguros de si mismos e intercalando temas antiguos con otros más recientes… a medida que avanzaba el setlist iban perdiendo confianza (Simon Balthazar, el vocalista, llegó incluso a disculparse por interpretar canciones nuevas) y gran parte de los asistentes permanecíamos impávidos al escuchar temazos como “I’m A Pilot”, “Comets” o “The Walls Are Coming Down” versionados y distantes de su sonido original. Está claro que su nuevo álbum reza un estilo diferente y mutante, con más presencia de teclados, saxos y trompetas, respecto a su hipnótica y romántica ópera prima, pero no era necesario “deconstruir” sus éxitos para aproximarlos a su nueva personalidad. De ahí que resultasen descafeinados y no lograsen meterse a la poca entregada audiencia en el bolsillo. Sin más, y contra todo pronóstico, los teloneros Hola a Todo el Mundo resultaron mucho más brillantes y Fanfarlo se quedo a medio camino entre “un quiero y no puedo”.

Redacción: Cecilia Camacho.

Aniversario Razzmatazz: Modeselektor

Y sigue el aniversario de Razzmatazz: Modeselektor
El último sábado Loft fue el escenario de la presentación de Gernot Bronsert y Sebastian Szary, representante del estilo alemán y partícipes del sello BPitch Control.

No hay dudas que este año también está siendo una gran fiesta para la sala barcelonesa y la celebración de su onceavo cumpleaños. Faltaba llegar a las instalaciones para poder palpar el ánimo que inundó una de sus salas, y es que siempre son bien recibidos los sonidos electro a este lugar, y qué mejor que de la mano del dúo Modeselektor.

Bronsert y Szary se han dado el lujo de musicalizar y ambientar con sus visuales el espacio Loft y se ha podido escuchar desde “Black Block” hasta Blue Clouds & Shipwreck feat.Thom Yorke. Entre la vanguardia y lo clásico han puesto a bailar a quien se encontrara por ahí, sin ningún reparo.

Loft estaba lleno y Modeselektor estuvo a la altura de lo que se esperaba, brindaron un lugar nocturno lleno de buena energía y su sonido decoró a la perfección la velada bailable. ¡Que vuelvan pronto!.

Ya ha comenzado uno de los eventos más esperados del año. Se sabe que el equipo de una de las salas más importantes de Barcelona siempre apuesta por carteles de ensueño, y este año no será la excepción.

El pasado sábado se presentaron en la Sala Lolita se presentó una noche del sello Night Slugs de bajos candentes y ritmos marcados de la mano de Egyptrixx con un live y Bok Bok para romper la pista y bailar.

Aun no comprendo porque esta sala no consigue rebalsar de espíritus danzantes, pero lo cierto es que en criterio musical es la que apuesta por sonidos del futuro e invita a deslumbrarse con propuestas nuevas. Aquí hay lugar para los curiosos, deben saberlo.

Si bien, el ritmo de los bajos definidos ha conquistado Razzmatazz con diferentes propuestas, y ni hablar de los festivales de renombre (echa un vistazo a los carteles de este año), no termina de conquistar un público incondicional.

En definitiva, Lolita este sábado brilló con sonidos galácticos y juegos de melodías que salen de la imaginación de un estilo que encuentra cada día nuevos adeptos.

Redacción: Samantha Cuglia

The Kooks

Uno de los conciertos más esperados (con permiso del de Coldplay en Madrid esta semana), llegaba a la sala Razzmatazz de Barcelona. Se trataba del directo de The Kooks que venían a presentar su último disco, “Junk of the Heart”, que si bien no está teniendo tanta repercusión como su anterior “Konk” sí que ha sido bastante bien aceptado por crítica y publico y que llevado al directo gana aún más.

Porque los británicos en directo son pura energía, con Luke Pritchard al frente con sus poses de indie guapo renegado, no porque sí, sino porque el séquito de fans es incalculable, que hace bailar a todo el mundo y tararear sus pegadizos estribillos a medio camino entre el brit-pop, el rock y el indie, una de las mejores apuestas actuales de su país (Arctic Monkeys a un lado). El líder de la banda se movía sobre la plataforma del Razz, que por cierto este mes que viene celebra años, como pez en el agua. Abriendo con el single “Is It Me”, uno de los más destacables del álbum en la que ya desplegaron su potencia sonora sobre el escenario y a la que siguieron piezas del mismo disco como “Rosie” o “Killing Me” entremezcladas con temas ya míticos de los de Brighton como “Ooh La” o “Shine On” y por supuesto piezas tan brillantes de sus primeros disco como “Matchbox”, “She Moves Her Own Way”, “You Don’t Love Me” de Inside In/Inside Out o “Always Where I Need To Be”, “See the Sun” de Konk.

El público, de todo tipo, desde el enterado de turno, al fan acérrimo, las parejas y el enganchado de última hora, eso sí con un sold out bien grande en la puerta desde hacía meses, se movía al son de cada una de las melodías que iban desfilando sobre el escenario con buen ritmo y una puntualidad casi medida, yendo directamente al grano y con unos bises previamente programados en los que salieron a tocar “Junk of the Heart” y “Naive”.

Los momentos más destacables fueron cuando Luke salió a tocar “Seaside” solo con la guitarra acústica, mientras el respetable tarareaba y vitoreaba cada una de las estrofas, o cuando interpretaron “If I wanna” o “Konk” a un ritmo más acelerado. También “Do You Wanna” sonó potente volviéndolas a todas literalmente locas a golpe de estribillo.

En general un concierto para sus más amantes seguidores pero también un directo muy intenso, de los mejores que he visto últimamente, cargado de buenos hits y energía a raudales.

Redacción: Cristina Jiménez.

Parece mentira que haga ya casi doce años que Coldplay iniciara su andadura. Nadie pensaba por aquel entonces que una de las primeras bandas del post brit-pop de finales de los noventa y principios del nuevo siglo llegaría tan alto, pero aquí los tenemos, como una de las bandas más grandes del mundo, aunque cada vez más cerca del espectáculo y las grandes corporativas, como pudimos ver en su paso por las Ventas, que de sus inicios en sí.

El show estaba servido: espacio con capacidad para 17.000 personas, sold out, fulgurantes patrocinios, una grabación en directo que iba a dar la vuelta al mundo, confeti, globos, pulseras luminosas, gritos de emoción en las primeras filas, luces, muchas luces, y también algo de lluvia siempre con el temor de convertir el recinto en un barrizal. Todo ello para la presentación de su más reciente trabajo “Mylo Xyloto” un disco bastante escasito de ideas, cachondeo del “Ritmo de la noche a un lado”, pero que en directo aún puede funcionar gracias al engranaje que ponen en marcha Chris Martin y los suyos al subir a un escenario. Porque otra cosa no tendrán pero saber ofrecer un buen espectáculo, eso lo consiguen y con creces. Por eso y porque han dejado un puñado de excelentes hits para la posteridad (casi todos de sus dos primeros discos, todo hay que decirlo), valía la pena vivir la experiencia esa noche, incluso si te había tocado sentarte en la zona en la que apenas se podía apreciar nada.

El evento arrancaba con el pintamonas de Mario Vaquerizo sobre el escenario que daba paso al espectáculo que el realizador de videoclips y director Anton Corbijn había preparado para la ocasión, todo filmaciones en blanco y negro, mientras sonaban las notas del tema central de Back To The Future (¿de J.Williams era?) que añadían emoción a la espera mientras empezaba la cuenta atrás. Al rato la intro de “Mylo Xyloto” daba paso al concierto mientras los cuatro músicos asaltaban el escenario con Martin al frente y el griterío general. Con una puntualidad británica exacta pasaban a “Hurts Like Heaven”, uno de los temas de su nuevo disco y de los pocos que tocaron ya que enseguida enlazaron con la retahíla de hits entre luces y fuegos artificiales. Así que se pasaría de “Yellow” a “Viva la vida” en un abrir y cerrar de ojos, intercalando piezas de sus primeros trabajos como “Politik” o “The Scientist” con otros más recientes.

Martin correteaba por el escenario ofreciendo palabras en castellano y saludos, teniendo presente la cámara en todo momento aunque de manera sutil, y derrochando energía pegajosa. Demostrando todo lo que puede dar de sí un concierto de Coldplay y dedicando “Rehab” a la recientemente desaparecida Amy Winehouse para acabar con un bis grandioso gracias a la ejecución de títulos como “Clocks” o “Fix You”. El concierto se cerraba con “Every Teardrop is a Waterfall” coreada por todos los presentes y con una gran traca final que ponía la guinda a una actuación que por lo menos dejará con buen recuerdo a muchos.

Redacción: Joan Sánchez.

The Drums y Okkervil River

Tras un verano en el que algunos habrán contado con la suerte de largarse por ahí, pero otros hemos tenido que quedarnos a remar a galeras, la gente de Heineken nos ofrecía una oportunidad para ingerir de manera menos costosa la vuelta a nuestras posiciones en la cadena de producción. Así que el día uno de septiembre nos acercábamos a un menos lleno de lo esperado Teatro Circo Price en el corazón de Madrid para ver el primero de una serie de conciertos programados por la promotora.

El plato fuerte de la noche se suponía eran los californianos The Drums, aunque lejos de los cánticos hype había muchos que habían comprado la entrada para ver a los texanos Okkervil River, con seis discos en su carrera, que nos presentaban el más reciente “I Am Very Far” (Jagjaguwar), cuyos temas resonaron francamente bien en el candor de la noche. Arrancaron con “Wake And Be Fine”, “Rider” y “For Real” mientras el público iba llegando a cuenta gotas y el frontman Will Sheff lo animaba desde las luces y sombras de un escenario en el que instrumentos como violines, banjos, guitarras, teclados y bajos completaban el cuadro.
El sonido estuvo de su lado y piezas como “A Girl In Port”, “Your Past Life Is a Blast” o “Our Life Is Not A Movie Or Maybe” sonaron sobrias y potentes, entre palmadas, aplausos y silbidos al propio Sheff que se portó como un campeón.

Tras ellos los esperadísimos The Drums tomaban posiciones. Traían su nuevo trabajo “Portamento” bajo el brazo. Un disco que ya ha resonado por aquí y por allá en todo en internet, enfrentándolos a la realidad de defender un segundo álbum tras un hit mundial como el “Let´s Go Surfing” (que no me atrevo a llamarlo himno porque me parece sobrevalorarlo).
La banda, ahora convertida en quinteto, se ha dejado llevar por el lado más oscuro apartando a un lado el tono surfero para adentrarse en otros derroteros, insertando sintetizadores por aquí y por allá, con mucha postura y compostura. Abrieron con “Con What You Were”, al frente Jonn Pierce y su estudiada coreografía, y le siguieron piezas como “Best Friend”, “Me And The Moon o Book of Stories”, de su primer trabajo y “Down by water”, ‘I Need A Doctor’ o “Book Of Revelation” del nuevo. Se podía comparar el cambio de rumbo de unas canciones a otras.

A la espera de algo más festivo, el respetable no parecía tan animado como debía, mostraba interés sí, pero le faltaba espectáculo y ritmo, pedía a gritos bailar!, pero los americanos no estaban por la labor, pese a que se esforzaron por animarnos. Quizás la próxima vez que los veamos tras varias escuchas de “Portamento” y ya con la mentalidad cambiada, lo apreciemos de otra manera.

Redacción: Joan Sánchez.

Grand Tour Estrella Damm se nutre de la costumbre del siglo XVII de proponer a su juventud bohemia un viaje cultural que brindaba diferentes puntos de vista a través de las ciudades que se visitaban.
En esta primera edición contaron con tres salas: la Sala 1 que abrió la noche con el Screening del nuevo proyecto de 2 Many DJs para Android y iPhone/iPad llamado Radio Soulwax (radiosoulwax.net), y el capítulo “This is Belgium PT.2: Cherry Moon on Valium”, mientras que en el Pop Bar se disfrutó del show de Ego Troopers, un dúo conformado por dos chicos de 14 y 16 años.

A las 23, abrió sus puertas la sala Rex con una de las mejores sesiones de la noche a cargo de Villa (soundcloud.com/villamakesmusic). Este DJ viene cosechando buenas críticas desde el año pasado con el lanzamiento de mixes a través de su perfil en Soundcloud. Realmente ha usado el espacio para mostrar sus habilidades de mezcla y sobre todo su criterio de selección de tracks ultra bailables.

Una hora después, en la sala principal, salieron a hacer de las suyas los integrantes de Das Pop, quienes a base de guitarras agitaron un poco más al público presente y siguiéndole la pista Paul Chambers usó todos los bmp (y más) para terminar de explotar el lugar.

Simultáneamente, Pop Bar recibió a One Man Party, que propuso buenos hits en su pista y preparó al público para lo que seguía en el evento. Media hora más tarde, Aeroplane salía a conquistar la sala Rex y a pasar sus últimos remixes, destacando “Never Let Me Go” de Human League.

Cerrando el line up, pasadas las 2 de la mañana 2 Many DJs terminó el buen trabajo de todos los demás artistas usando su magia y mashupeando todas las canciones que algunas vez tarareamos, desde Vitalic pasando por Gossip y flirteando con canciones inolvidables de la década de los 90’s.

La visión: Los hits del verano

Mientras recorría los escenarios hubo canciones que sonaron en todas las salas y sin dudas son los tracks que se destacan de la temporada Metronomy con “The Bay” y Azari & III con su último sencillo “Manic”.

Redacción y fotografía: Samanta Cuglia

The Pains Of Being Pure At Heart
Apolo
Barcelona 20.06.2011

Tras la visita el pasado año a la ciudad condal en medio del corazón de la urbe y con un lleno total pese a ser verano, TPOBPAH regresaban a Barcelona en un intento de reforzar sus sólidas bases del directo y exponer las mejoras patentes en “Belong”, su segundo disco, que son transportadas también al escenario. Despojándose de un sonido inicial más crudo y equilibrándolo con un estilo más armónico y maduro, los de Nueva York pisaban un Apolo a rebosar de seguidores de todas las edades y condiciones.

Las sombras de Kip Berman, Kurt Feldman, Alex Naidus y Peggy Wang levantaron las pasiones de los asistentes a las primeras notas de “This Love is Fucking Right”, que si bien no fue un arranque demasiado eufórico sirvió para ir adentrando al público en su terreno. A este tema le siguió “Higher than the stars” que ya nos puso en la órbita del shoegaze de despuntes electrizantes y pop-rock adolescente al que nos tienen acostumbrados y que en directo se agradece aún más. Más tarde siguieron con temas clásicos como “Come Saturday” y “Young Adult Friction”, y temas del nuevo álbum como “Heart in your heartbreak”, “The Body” y “Heaven´s gonna happen now”, piezas en que lo oscuro se entremezcla con lo enérgico y lo melancólico.

En el bis final, Kip Berman nos regaló “Contender” con su sola presencia en escena, a la que siguieron “Say No To Love” y “The Pains of Being Pure at Heart” ya con los Pains al completo, dejando al público con ganas de más como era de esperar.

Tras varios vítores y silbidos el grupo apareció para un segundo bis dónde pudimos disfrutar de “A Teenager in Love” y “Hey Paul”, con esa batería final golpeándonos las sienes. TPOBPAH nos dejaron con el convencimiento de que si han sido aclamados como una de las bandas del momento es porque son merecedores de ello, pese a su juventud, que por otro lado se convierte en su baza para demostrar todo lo que todavía les queda por hacer en el futuro.

Redacción: Joan Sánchez.

No means no
Apolo 2
Barcelona 17.04.2011

La enésima visita de Nomeansno a Barcelona congregó a una -ejem- madura audiencia (aunque no tanto como los componentes del grupo) que en su mayoría ya había visto al grupo con anterioridad. Fans que corearon canciones, rieron chistes, agitaron puños y cabezotas al ritmo de la música e incluso invadieron el escenario para realizar una vez más ese nostálgico ritual tan inequivocamente noventero llamado “stage diving”. Un ambiente realmente cálido que el grupo supo aprovechar y alimentar a partes iguales.

Seguidores veteranos del grupo canadiense como mi amigo Damià no dudaron en catalogar el concierto vivido en la 2 del Apolo como el mejor de todos los que han dado en Barcelona y lo cierto es que el show fue de los que hacen afición.

Ojalá todos los grupos con el grado de veteranía que tienen Nomeansno mantuvieran su nivel interpretativo, mala ostia (Rob Wright por poco le pega dos collejas al técnico de luces), entrega y saber hacer general. Escuchando los discos del grupo uno no se da cuenta de la variedad de registros que manejan los hermanos Wright y es en directo cuando este factor gana importancia y oxigena el espectáculo de manera irresistible.

Canciones antiguas y modernas se unen en un repertorio que supone una coctelera de post-hardcore o casi-hardcore (“Teresa, Give Me That Knife”, “I’ve Got a Gun”), punk (“Jubilation”), rítmica de raigambre post-punk, desarrollos lentos que flirtean con el blues (“I Need You”) o con el jazz (“Rags and Bones”) y que transpiran mala leche y sarcasmo e ironía a partes iguales (“Brother Rat”, “Metronome”). Una hora y cuarenta y cinco minutos que se pasaron en un santiamén y que dejaron a los fans del grupo cansados y contentos. Más no se le puede pedir a un concierto de esta veterana banda.

Redacción: Manel Peña

Algunos de los músicos que forman parte de The Sea and Cake se cuentan entre los más influyentes de su generación: Sam Prekop (Gastr Del Sol) y John McEntire (Tortoise) ayudaron a sentar las bases de aquello que a mediados de los noventa dió en llamarse “post-rock”. Juntos formaron el grupo hace nada menos que diecisiete años, a lo largo de los cuales la banda ha ido conformando una de las discografías más estimulantes que han salido de la escena de Chicago. Nueve fantásticos discos que gravitan con maestría alrededor de géneros como la bossanova, la electrónica, el pop, el jazz y la música de vanguardia en general.

La visita del cuarteto era una excelente noticia para los amantes de los sonidos elaborados y su concierto dejó a todo el mundo más que satisfecho. El estilizado pop de vanguardia de los de Sam Prekop gana en calidez y expresividad cuando se les ve tocar en directo. Los primeros temas se centraron en repasar su próximo lanzamiento, “The Moonlight Butterfly”, que será publicado por Thrill Jockey a mediados del mes de Mayo. Se trata de un disco un poco más experimental y atmosférico que los dos anteriores, y que sirvieron de perfecto calentamiento para banda y público.

En la segunda mitad del show el cuarteto de Chicago recuperó canciones más antiguas, con citas a discos como “The Fawn” (Thrill Jockey, 1997), “Oui” (Thrill Jockey, 2000) o incluso el lejano “Nassau” (Thrill Jockey, 1995). Pudieron haber estado tocando tres horas y no hubiera pasado nada. Esperemos poder volver a verlos cuanto antes.

Redacción: Manel Peña
Fotografía: Sergi De Diego

Buena entrada en la Sala Bikini para recibir al dúo de L.A. No Age, que ya había pisado la ciudad condal unas cuatro o cinco veces con anterioridad. El público de Barcelona ha tenido la oportunidad de seguir de cerca la evolución del grupo, desde los fogonazos punk de sus primeros EPS -recopilados en “Weirdo Rippers” (Fat Cat, 2007) hasta su último disco, “Everything In Between” (Sub Pop, 2010), en el que la banda ha matizado ligeramente su sonido, sin perder en ningún momento esa chispa que los hacía especiales a ojos de muchos de nosotros.

Si bien en estudio su propuesta no ha perdido un ápice de interés, es en directo cuando se les puede notar algo más estancados. Y es que al dúo formado por Randy Randall y Dean Allan Spunt (ahora ampliado con un tercer miembro con una participación anecdótica) habría que verlos en un húmedo subterráneo con capacidad para cincuenta personas, con un equipo de sonido infame y tocando media hora a todo volumen. Ése es su contexto natural, y no otro.

Un concierto suyo en un entorno mucho más profesionalizado (Sala Bikini y sus guardias de seguridad, su mesa de sonido de medio millón de vatios y su barra con cerveza de marca) hace que las expectativas del ya de por sí exigente público barcelonés no se puedan ver recompensadas por el directo de No Age y que sus carencias interpretativas queden al descubierto .

El discurso de la banda requiere distancias cortas y un ambiente favorable y nada de lo anterior se encontraba el otro día en Bikini. Si a esto le sumamos que algunos de nosotros ya les hemos visto una media docena de veces… Con todos estos elementos en contra, el grupo se las apañó para dar un correcto show centrado mayoritariamente en su último trabajo, “Everything In Between” (Sub Pop, 2010), y dejó un buen sabor de boca entre los asistentes. Pero la magia y la chispa de las primeras veces ya no estaba. Lástima.

Redacción: Manel Peña
Fotografía: Damià Bosch

Beady Eye
La Riviera
Madrid 18.03.2011

Sesenta minutos, ni uno más ni uno menos es lo que duró el desafío de llevar al directo los restos de una de las míticas bandas de los noventa, Oasis. Soltando lastre del pasado para adentrarse en otra cosa, que si bien resulta familiar es completamente distinta, Beady Eye se acercaron la pasada noche del 18 de marzo a Madrid, en una única actuación en la península con el consecutivo sold out. A primera hora ya eran muchos los que se agolpaban en la puerta de La Riviera en un intento de aposentarse a primera fila para ver a la mitad de los Gallagher sin el que hasta ahora ha sido su partenaire de macarronerías varias, su hermano Noel que la ha emprendido en solitario.

La emoción de poder ver a Liam, Andy y Gem tan de cerca era más que evidente entre los presentes, pese a la frialdad de los de ingleses que en eso no han perdido la línea, incluso resultando más serios de lo habitual y sin regalar un minuto, más bien yendo al grano.

Abrieron la noche los barceloneses Stay, escogidos por los británicos como teloneros, que destilaron su psicodelia en un concierto muy correcto en el que presentaron su disco más reciente Passport To Freedom (Subterfuge 2010). A la media hora aproximadamente ya se preparaba el escenario para recibir a los de Manchester a ritmo de temas de The Who o los Rolling.

Beady Eye toma el escenario mientras las luces se encienden lentamente y arranca el clamor del público a las primeras notas de “Four Letter Word”. Con una rectitud y brillantez pasmosa solo rota en algún momento e inciso, van desgranando todos los temas de Different Gear, Still Speeding. “Beatles and Stones”, “Man Of Misery” y la cover de “Sons Of The Stage” de World Of Twist, que usaron para el bis final, suenan potentes, en un intento de demostrar justamente lo que decíamos antes, que son otra cosa. Final apoteósico y distorsionador con “The morning” y poco más están dispuestos a regalarnos.

Veremos como evoluciona el proyecto, de momento parece que ganas le echan, y también por supuesto permaneceremos atentos a lo que se cueza al otro lado por parte de Noel, promesa.

Redacción: Joan Sánchez

La noche del pasado martes 15 de marzo, tuvimos ocasión de poder ver en directo una de las actuaciones más esperadas durante los últimos meses, la de White Lies. Los de Londres pisaron el escenario de Barcelona con algo de retraso tras dejar pasar antes a sus teloneros, Transfer y Crocodiles. Los primeros convencieron y vencieron, dejando al público con buen sabor de boca para lo que vendría más tarde y los segundos convirtieron las paredes del Apolo en un hervidero rebosante de lo-fi del bueno.

Tres cuartos de hora más tarde aproximadamente tomaban el relevo Harry McVeigh y los suyos, abriendo la parada con “A Place To Hide” vitoreada por el respetable, haciendo uso de un tanto por ciento elevado en cuanto a temas se refiere de su aclamado disco de debut “To Lose My Life” (Fiction Records, 2009), cosa que tampoco nos extrañó. De un modo elegantemente oscuro fueron desfilando algunos de los mejores hits del disco en cuestión como “Farewell To The Fairground“, “The Price of Love”, “Death”. Aunque también decidieron desglosar parte de “Ritual” (2010) en una pose más cercana incluyendo teclados y sintetizadores, dejando visible su paso de dos a tres componentes, y abandonando un poco el lado taciturno con canciones como “Holy Ghost”, “Streetlights” o “Strangers”.

La guinda final se puso a la hora de los bises con “Bigger Than Us”, que nos transportó a esa Inglaterra de callejones oscuros, días lluviosos y sentimientos alineados. Esperamos tenerlos pronto de vuelta.

Durante los 90’  Skunk Anansie compartió giras con grupos de la talla de U2, Aerosmith, Lenny Kravitz o Muse. En el año 2001 la banda se separó para seguir sus carreras en solitario. En 2009, 10 años después de su separación,  se reunían de nuevo, para presentar nuevo disco: “Smashes and Trashes”, un álbum que recopila lo mejor de su carrera y que la banda ha llevado de nuevo al directo.

Skunk Anansie es la última banda de culto en reunirse, se agotaron las entradas para su último concierto en nuestro país, en noviembre de 2009 y ahora se confirman dos nuevos conciertos en Madrid y Barcelona. Buenas noticias para aquellos que aún no hemos disfrutado de esta gran banda de directo, así como para los que así lo hicieron en su último visita a la capital.

La inagotable fuente de energía de Skin, su cantante, aseguran el espectáculo, pero no garantiza que, vidrios y cristales de la sala, terminen intactos al finalizar el concierto; probablemente, queden hechos añicos, como también quedaran los corazones de los asistentes, que deberán recomponer como puzle, al volver a casa. (Sirvan envases y corazones de plástico, por si acaso).

Potentes ritmos y distorsiones que reanimaran a un Madrid desesperado por sentir buena música sin restricciones ni prohibiciones, ya que tal y como están las cosas en la capital, cada evento musical hay que celebrarlo como si fuera el último.

Redacción: Ángel Román