Fossil Collective

Tras un par de EPS más o menos exitosos y haber formado parte también del combo Vib Gyor, David y Jonny por fin nos presentan un disco completo, con un total de once temas plagados de rock etéreo. El trabajo comienza con la animosa “Let It Go” que nos adentra en ese personal folk, le sigue “Under My Arrest” con coros y cuerdas, y un punto trágico. “Boy with Blackbird kite” sigue el camino de la anterior y la completa como si estuvieran unidas. En “Wolves” prima la variedad por lo que las bases electrónicas se fusionan con un piano de manera elegante. “Brother” es quizás uno de los mejores temas del disco, una balada con momentos cumbre que eclosiona hacia al final de manera fuerte y desafiante. “Monument” es otra pieza estrella, esta vez más cerca del presente a nombres como Bon Iver o Fleet Foxes que al pasado. “On and On” vuelve de nuevo la vista atrás para dar paso a “When Frank became an Orb” donde se cuestionan temas sociales mientras musitan su estribillo. En la recta final encontramos “The Magpie”, un cuento cantado de adornos armónicos acompañado por solos de piano, órganos y retazos sintéticos. El punto y final lo pone la lo-fi “How Was I to Know” que va subiendo de nivel a medida que avanza para terminar en una catarsis instrumental que se estira hasta el final total “In a Northern Sky”.

Con “Tell Where I Lie” Fossil Collective se reafirman y demuestran que tienen un camino fructífero que recorrer si siguen combinando tan bien lo mejor que saben hacer, su música, y si continúan trabajando en esa trayectoria con la mirada al frente.

Nota: 7/10

The Besnard Lakes

En “Until in Excess, Imperceptible UFO” publicado por Jagwajuar Records el pasado mes de abril, se acercan al pop progresivo, etéreo y envolvente, por lo que nos sugieren un entorno que nos devuelve a los sesenta y su psicodelia, pero también a los ochenta gracias a todo un encadenado de sintetizadores y bases electrónicas. Pero no todo se queda en lo electro, sino que en el álbum siguen manifestándose esas guitarras punzantes a las que nos tienen acostumbrados, junto a la potente batería de Laing. El disco empieza con “46 Satires”, en la que destaca la voz de Olga, de regreso a los noventa. Al que siguen temas como “And Her Eyes Were Painted Gold” que nos ofrece también ese aire nostálgico. “People of the Sticks” donde toma el micro Jace, un tema pop que supone una de las piezas con mayor clímax del álbum y donde se nota su mano a la producción. “The Specter” que se inicia con la linea de un teclado al que se unen varios instrumentos, entre ellos el mellotron. También en la mitad del disco encontramos “At Midnight” que sigue manteniendo una melancolía con mirada al pasado. El sexto tema es “Catalina” que avanza a cámara lenta entre el shoegazing mientras se desliza por la melodía de un teclado new age. El trabajo cierra con “Colour Yr Lights In” y “Alamogordo”, la primera se acerca sigilosamente al rock progresivo y la segunda se adentra en una atmósfera noise para poner punto y final a un disco de lo más completito.

Quizás para algunos lo nuevo de los canadienses suene demasiado lento o espeso, pero lo único que requiere es paciencia y varias escuchas. Es un disco para disfrutar de modo relajado, prestando atención a los detalles, que se van saboreando poco a poco. Por otro lado puede que pierdan la garra más enérgica de antaño, pero The Besnard Lakes demuestran que tienen mucho que decir todavía.

Nota: 7/10

Sam Amidon

Temas como “I Wish I Wish” de toques jazzy o la propia “Bright Sunny South” nos muestran su lado más emocional e intimista. Añade versiones como “My Old Friend” de Tim McGraw (clásico country), que adorna de un modo grácil, y nos muestra su amplia variedad de registros con “As I Roved Out” a ritmo de banjo, “Streets of Derry” de sabor irlandés y “He’s Taken My Feet” donde la distorsión toma protagonismo. También destacan “Weeping Mary” que cierra el disco y que fue grabado para Nonesuch en 1977 por los propios padres de Amidon cuando formaban parte de Word of Mouth Chorus. “He’s Taken My Feet” donde la fantasía y la realidad se dan la mano en una catarsis ruidosa. Y otra curiosa versión “Shake It Off” de Mariah Carey, un tema que acaba haciendo suyo y que acompaña al piano. La soledad, cierto aire dramático y algo de nostalgia, recorren el disco de punta a punta en el que suenan cuerdas, percusión y viento a partes iguales, y en el que el músico, siempre pegado a su banjo, nos ofrece sus historias más personales.

Sam Amidon consigue demostrar con “Bright Sunny South” que lo más tradicional no siempre está reñido con la actualidad ni siquiera con lo más pop, léase mainstream, y que esto puede acabar dando incluso un resultado de óptima calidad.

Nota: 7/10

“Threads” cuenta con un puñado de buenas canciones. El disco comienza con introductoria “The Pull” donde las melodías de guitarra te transportan por ritmos constantes y voces translúcidas, luego le sigue “Prehistoric” que machaca con esos ritmos repetitivos que se te pegan y no te abandonan en toda la escucha, adentrándose en algo más oscuro. Cabe destacar también títulos como “School Friends” un tema melódico con pinceladas synth. “Dead Oaks” una canción alegre de ritmos indie-punk y “Wolf” que cuenta con una intro en 8 bits para luego ir añadiendo coros y guitarras que te arropan en su particular universo, a ratos oscuro, a ratos más claro.

El disco es ideal tanto para los días lluviosos como los soleados, repartiendo un poco el peso con temas y letras de un estilo o de otro. Es un trabajo más maduro que su antecesor, un poco disperso, pero que te lleva de viaje por una atmósfera que te atrapa desde el principio y que por suerte se traslada a gran parte del álbum.

Now, now está preparando ya el que será su nuevo álbum mientras siguen girando por EE.UU en un extenso tour. Esperamos que pronto podamos verlos por nuestros escenarios.

Nota: 8/10

Streets of Laredo

Queda demostrado que es la época del nuevo folk, solo hay que dar un vistazo alrededor (The Lumineers, Alabama Shakes, Jake Bugg, Of Monsters and Men…), aunque lo suyo sería que entraran a trapo con la crítica social como lo hicieran sus ancestros en los sesenta. Pero no nos desviemos del tema, la banda formada por Daniel, David y Sarah Gibson ejecuta brillantes temas instrumentados por guitarras acústicas, panderetas y percusiones que convierten su sonido en algo puramente adictivo.

De momento el single que podemos encontrar tanto en Bandcamp como en Spotify, es un buen aperitivo y un regalo de cara a lo que tenga que venir más adelante, así que no os olvidéis de su nombre, nosotros mientras tanto les seguiremos la pista de cerca.

Nota: 7/10

El reto del lanzamiento de “Wondrous Bughouse” era alto dado a que las expectativas depositadas en este trabajo tras el lanzamiento de los singles “Mute” y “Dropla” dejaban el listón bastante arriba al ser de dos temas pegadizos y enérgicos. Hay quien puede que piense que estas expectativas no se han cumplido, que el disco es demasiado ambicioso y con más vistas a resultar bien parado que en el contenido en sí del mismo. Pero también puede haber quien piense que éste cuenta con una mejor producción y un cuidado especial en todos los detalles sin defraudar a los fans, siguiendo con su pop de toques psicodélicos, lo-fi y minimalismo. Seguramente tanto unos como otros tendrán parte de razón. “Wondrous Bughouse” es un disco alegre, aderezado con momentos de reflexión. Las letras marcan la simbiosis entre la juventud y el inicio de la madurez que es en el punto en el que se encuentra Powers en este momento. No se adentra solo en temas densos y experimentales como en “Attic Doctor” sino que también incluye composiciones de simple pop-rock como en “Pelican Man”. Lo mismo ocurre en las letras que van desde la alegría de piezas como “Daisyphobia” hasta el respeto por la muerte en la antes mencionada “Dropla”.

Youth Lagoon dibuja un disco sincero que en momentos peca de osado sin llegar al atrevimiento. Un paso adelante más para el americano tanto a nivel personal como profesional, que mira al frente sin perder el origen que se mantiene a sus espaldas inquebrantable.

Nota: 7/10

Painting es el décimo álbum del veterano grupo de Birmingham y como ya hemos dicho, es una linea continuista en su carrera. Se trata de un álbum elegante y sincero al cual, no obstante, le faltan momentos de auténtica emotividad. Probablemente sea su single, Painting, su tema de mayor calidad. Aunque no nos podemos olvidar de Goodbye Old Town o George’s Tower, las cuales no nos extrañaría que fueran sus siguientes sencillos, de todos modos tampoco sería de extrañar que el disco se quedara en un sólo single. Es un disco sólido pero sin repuntes, quizá uno de los más flojos del grupo, aunque para un nostálgico como yo y muchos de nosotros, es de agradecer el esfuerzo de la banda por mantenerse fieles a sus orígenes y sus creencias, cosa cada vez más en olvido en los días que corren. Además, es probable que al escuchar el disco redescubras su maravillosa discografía y así podrás volar a los días dorados de mitad de los 90, si es así, todo habrá valido la pena.

Nota: 4/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Redacción: Joaquín Tarragó

El primer tema “The Glass Traditions” fluye suavemente por tus oidos como las olas del mar, esas guitarras tristes nos remiten a bandas como Snow Patrol o The National. Le sigue en segundo lugar “By Design” en el que la guitarra electrónica vuelve a tomar protagonismo junto con una base electro que marca el ritmo en toda la escucha. El tema número tres, “Mayfield Station” trata sobre el desamor y las heridos que ello provoca. A estas alturas Dawson ya se ha ganado todo nuestro respeto y no solo porque nos sueno a un puñado de buenos nombres sino por su propio talento y su labor.

“Valentudinarian” vuelve a mostrar los resquicios del corazón roto, acompañado por el piano, guitarras, y el ritmo acompasado y repicar suave de un timbal. El sencillo cierra con “Olympic gardens” donde destaca los breves falsettos que se marca Dawson junto con pasajes evocadores. En general un buen augurio de lo que el músico nos puede ofrecer en un futuro próximo si se anima al lanzamiento de un larga duración. Esperaremos el momento con ganas.

Nota: 8/10

En “Memories” volvemos a encontrar el pop cristalino puramente nórdico al que nos tiene acostumbrados la banda. El sencillo de dos caras está compuesto por el tema homónimo, una canción animada donde aparecen líneas de teclado, percusiones, un saxo, un bajo y guitarras, todo ello acompañado por la cálida voz de Anna Persson.

La banda, que debe su nombre al tema de Serge Gainsbourg “Les Sambassadeurs” nos regala “Hours Away”, una cara B potente de ritmo acelerado y pop cargado de energía que nos remonta directamente a finales de los ochenta e inicios de los noventa, a la movida manchester y en general a bandas como My Bloody Valentine o Slowdive.

Un buen entrante para ir haciendo boca de cara a su próxima referencia.

Nota: 7/10

Dark Dark Dark

“Who needs who” es un disco maduro con momentos brillantes en el que han depositado unos firmes cimientos de cara a su futuro como formación. Esto lo demuestran ya con la inicial “Who needs who” que da título al disco, una excelente y lacrimógena balada que explota en una apabullante línea jazzy. A la que sigue “Tell Me” de tono dramático y que acompaña a la cálida y desgarradora voz de Nona Marie Invie quien parece relatar sus propias experiencias de encuentros y desengaños. “The Last I saw Joe” toma un tono más animado pero lo justo. “Patsy Cline” nos devuelve al piano en una liturgia que nos transporta a través de la retahíla de sentimientos de una mujer. “Whitout you” incorpora un contrabajo y un acordeón parisino. En “How I get down” podemos escuchar la voz al desnudo de Nona y “It’s a secret” vuelve a otorgar profundidad a las composiciones.

Cerrando el disco encontramos tres piezas, la dolorosa y eterea “Hear me” acompañada por tambores, la delicada “Meet me in the dark” y “The Great Mistake” con la salpicadura de repetidos trequeteos de platillos y acordes de piano que ponen punto y final a toda una declaración sentimental de intenciones, o más bien de confesiones. En definitiva un disco que explora los rincones más doloridos del alma a través el desamor y que gustará a todos aquellos que se sientan solos, deprimidos o simplemente gusten de disfrutar de bellas armonías e incluso sean seguidores de bandas como Tindersticks, por ejemplo.

Nota: 7/10

Esto es lo que puede haberle sucedido a la británica Natasha Khan. Tras la publicación de dos destacados discos, Fur and Gold (2006) y Two Suns (2009) parecía condenada al ostracismo y que la vida le llevaría por otros derroteros, pero su insistencia ha logrado que publicara este último trabajo que ahora mismo os presentamos y que es el que está recibiendo mayor aceptación por parte de prensa y público. Porque “The Haunted man” es el reflejo de las experiencias vividas por Natasha en el transcurso de estos últimos tres años.

El disco abre con la balada “Lillies” que nos acuna en la suave voz de la cantante y nos va introduciendo en ese mundo particular cargado de electrónica, sonidos étnicos, folklore y melodías abstractas. Muy cercano a mujeres que son grandes pesos pesados de la música actual como fueron y siguen siendo Björk, Kate Bush o Beth Gibbons (y a las que ella incluye Patti Smith y PJ Harvey como máximos referentes). Le sigue la detallada “All your gold”, “Horses of the sun” que viene a ser como un canto indio (sonidos tribales que prevalecen en todo el disco), tambores y una base electrónica. “Oh Yeah” plagada de coros masculinos, y es que el disco también es un canto a la figura del hombre, aunque muchos de los temas tengan nombre de mujer. “Laura” es una triste balada que apunta al corazón, “Winter fields” empieza por una sección de vientos y acaba en una catarsis de potencia sonora. El tema que da título al disco,“The Haunted man” es quizás el más bizarro pero no por ello menos dulce y melancólico.

“Marilyn” adapta el dream-pop luminoso a una letra que nos habla de los tropiezos con la popularidad. “A wall” juega con el synth-pop, “Rest your head” es un tema oscuro que sirve de antesala al cierre del álbum que se completa con “Deep sea diver” en la que participa el músico Scott Walker.

En general Natasha nos ofrece un amplio abanico de texturas que convierten a este disco en algo muy interesante y seguramente en el punto de inflexión de una fructífera carrera, a la vez que en su trabajo más sentido y personal hasta la fecha.

Nota: 8/10

Recreando este pasado, en el caso de Seim más doloroso al darse cuenta de que tiene la misma edad que cuando su madre predió la vida dejándolo al amparo de un padre severo, no solo se han encontrado con su yo más interno con sus miedos, sus alegrías y sus recuerdos, sino que han recrudecido el sonido acercándose más a sus origines y a discos como “Friend and Foe” (Barsuk, 2007). Y aunque en general se desconfiaba bastante de la calidad de este álbum al perder a un miembro tan relevante como fuera Knopf, la verdad es que les ha salido bien la jugada. “Moms” es un disco que atrapa, sobretodo tras varias escuchas, contiene la dosis necesaria de tristeza o melancolía y fiereza al mismo tiempo. Su mezcla de bases electrónicas, dub y shoegazing sigue siendo adicitva e intachable. Quizás se echen de menos estribillos o momentos pegadizos pero en lineas generales el disco no tiene queja.

Aunque el tono que predomine sea oscuro, sobretodo en sus letras como en “Heavy Is As Heavy Does” donde nos sueltan algo como “Heavy are the branches hanging from my fucked-up family tree”, también hayamos momentos rítmicos como la inicial “Plumage”, la arrolladora “Baton” acompañada por la plausible linea de un bajo o la enérgica “Giftshoppe”. Así pues los de Portland dejan claro que hay vida tras “Mines” (2010) y que su amplia batería de loops, saxos, cuerdas, vientos y órganos sigue más activa que nunca, pese a que hayan tenido que recurrir a algunos de los capítulos más íntimos de sus existencias. Pero siempre se dice que lo que sale del corazón o de las entrañas es más sincero o auténtico, esto puede ser una pequeña muestra de ello.

Nota: 7/10

Puede que parte de este cambio fuera debido a la salida de algunos componentes de la formación como Mat Brooke quien había estado mano a mano junto a Ben Bridwell desde el principio. En 2010 firmaron con Columbia y lanzaron “Infinite Arms” que se despegaba incluso más de la fiereza de los dos primeros trabajos, dejándonos con las ganas de que repitieran otro himno y con la salida de un miembro más a cambio de la entrada de dos nuevos fichajes. Este cambio los iba acercando progresivamente más al folk y los desplazaba del indie-rock energético de antaño. En el título que nos ocupa vuelve a ocurrir. Los de Seattle están más próximos al folk, al country e incluso al pop de lo que nunca habían estado. Para sus fans es una absoluta pena que hayan tomado esta senda, porque está bien experimentar pero la verdad es que echamos de menos aquella pasada potencia.

En “Infinite Arms” encontramos un repertorio de lo más variopinto. Es como si hubieran cogido a nombres como Neil Young, Creedance, Still & Nash e incluso Simon & Garthfunkel y los hubieran pasado por el turmix, dando como resultado algo fácilmente audible pero demasiado disperso como para mantener una consistencia. Encontramos piezas country con títulos como “How To Live”, “Long Vows” o “Electric Music”. Aunque en algunos momentos nos devuelven su sonido inicial con temas como “Knock Knock”, single presentación plagado de guitarras, “Dumpster World” o “Feud”. El productor del álbum en esta ocasión ha sido Glyn Johns (The Beatles, The Rolling Stones), quien quizás haya provocado en parte este giro semi-pop que encontramos en piezas como “How To Life”, “Slow Cruel Hands Of Time” o “Everything’s Gonna Be Undone” y que suenan claramente a radiofórmula de los 70′s. En general no es que los temas no estén bien acabados, la voz de Bridwell sigue abrazándonos y las guitarras suenan limpias, las melodías y los arreglos están cuidados al detalle, pero desgraciadamente no son los Band of Horses que conquistaron nuestros corazones.

Nota: 6/10

Luego hayamos “Hold On When You Get Love and Let Go When You Give It” en la que encontramos el tono humorístico marcado en el diálogo que tienen a cabo Torquil Campbell y Amy Millan. Sus letras siempre se mueven entre la desesperación, el ansia y el sarcasmo, su referente más inmediato son The Smiths, de los que hacen mención de manera sutil. “Through the Mines” desborda energía y melancolía por los cuatro costados junto a la cálida y susurrante voz de Amy. Los canadienses sin duda saben como hacernos sentir emociones. “Do You Want To Die Together?” es la más feroz y desgarradora, “Lights Changing Colour” es otra balada retro melodramática a la que sigue otro tema sobre desamor en “The Loose Ends Will Make Knots”. Pero también hay espacio para canciones protesta o cargadas de cierto contenido político como sucedía en trabajos anteriores y como sería “A Song is a Weapon”, aunque siempre tratado de manera ligera.

En “Progress” vuelven a jugar con el sarcasmo contando por supuesto con las bases electrónicas como trasfondo y esta vez para hablarnos del futuro. “The 400″ nos introduce entre guitarras cristalinas, acompañadas por un piano, hasta llegar a la catarsis. Y cierran con “Walls”, un final gélido, atmosférico, que nos deja en puntos suspensivos de cara a próximas referencias. Con “The North” Stars recuperan a pequeños pasos la confianza del público que perdieron con el estanco “The Five Ghosts”, demostrando que a veces para ser efectivo no hay nada mejor que ser uno mismo.

Nota: 7/10

Tras perder a su batería, la banda arranca con este primer trabajo publicado a la vez por No Pain In Pop y Slumberland Records, tras varios EPs adelanto y iniciar una gira por su patria y parte del extrangero. El otro cincuenta por ciento del peso de la formación se lo lleva Thom Hill quien conoció a la cantante en una escuela de arte en Londres. Hay que decir que la voz de Jarvis es quizás una de las mayores bazas de la propuesta y no solo por su voz, sino por la manera en que conduce las melodías, empezando por la inicial “Further Down” cargada de capas de reverberación y donde apreciamos ya el susurro de su canto. Luego le siguen piezas más rítmicas como “Another day” o “Wild Peace” de guitarras punzantes, órganos, sintetizadores y cajas de ritmos. Y otras más oscuras en su continente y en su contenido como “Even the blind”, “Young Silence” o “In Dreams” que juegan en ocasiones con el noise o el krautrock, según el caso.

En la recta final nos topamos con piezas como la cadencia repetitiva de “Last Song Of The Year”, la potencia de “Swimmers” que se une a la polifonía de las voces y los encajes de distorsión. Para cerrar “Just Kids” con la entrada punzante de un riff de guitarra que se eleva hacia el infinito, en una balada dream pop que trata de alcanzar nuestro espíritu. Y aquí es en el punto en el que se debaten los defensores y los detractores, es quizás un disco demasiado largo por el estilo que promueve, se hace pesado?, o por el contrario llega al corazón. Eso ya irá a gusto de cada uno. Aquí lo hemos escuchado, lo hemos compartido y nos ha gustado, puede que no llegue a trascender a ciertos niveles, pero es un debut bastante bueno para construir los cimientos de un futuro en ciernes.

Nota: 7/10

“Taranta” abre el disco con el tema “Bells” una bella melodía cargada de acústicas, percusiones y el acompasado ritmo al cantar de la francesa. Luego nos topamos con el piano de “To Carry Small Things” que nos acerca a otras féminas como Feist o Regina Spektor por ejemplo. Las notas del piano se te graban en el cerebro mientras las palmas y el acompañamiento vocal te transportan por entre teclados y bajos en un tema pop in-crescendo. “Time Writer” juega con la experimentación y “Pan” nos eleva por paisajes galos dónde enamorarse.

El disco ha contado con colaboraciones como la de JP Nataf, cantante de los también franceses The Innocents, mezcla el inglés y el francés y en su fusión ofrece también algo de jazzy, como podemos encontrar en piezas como “Henry” etérea y potente. Aunque es el folk más intimista el que invade la práctica totalidad del álbum con títulos como “Echo”, “Alegria” o “The Good”.

También hay momentos para el pop y tonadas más vitales como ocurre en “Lovely Day”, “Too Loud”, o “Sister” canciones en las que desfilan xilófonos, cuerdas, coros y algún que otro elemento electrónico.

El disco cierra con la balada “Demain”, casi una nana, cantada en francés y que te acuna como un extenso susurro. De ese modo, Mina consigue ofrecernos un disco amable, maduro y que da gusto escuchar más de una vez. Bravo! (léase con acento galo) por ella.

Nota: 8/10

Los de Cambridge llegan pisando fuerte y copando algunas portadas. Los han venido a comparar a formaciones como Radiohead, Foals o Cymbals, por citar algunos nombres. Lo suyo es una mezcla de folk, electrónica, toques retro-ochenteros e incluso twee por lo que es amplio el abanico de público al que van dirigidos, esperamos que sigan creciendo y que como en este álbum de debut no se cierren puertas y acaben encasillándose como algunos.

El trabajo arranca con una desgarradora “Intro” que va dejando claras sus intenciones y donde escuchamos por primera vez la curiosa y escalofriante voz de su cantante. Luego le sigue “Interlude I” un tema a capella que vuelve a romper los moldes para automáticamente toparnos con las atormentadas lineas de un teclado y un bajo como una tormenta en el horizonte que se va acercando poco a poco, aquí la voz de Thom se torna más adaptable huyendo de los transformadores. El folk también toma parte del disco a medida que nos adentramos en él como en “Breezeblocks”, pero sin dejar de lado las bases eléctricas e incluso algún elemento suelto como una caja de música. En el ecuador del álbum hayamos piezas más relajadas como “Interlude II” otro tema musical para poner punto y a parte y pasar a “Something Good” donde se unen ese folk característico con el dubstep. “Dissolve me” de tono más vitalista pero aplastante, un bello canto al amor. “Matilda” que dicen que está influenciada por el personaje de Natalie Portman en el film de Luc Besson, “Leon”. “Ms” sigue con ese tono intimista con coros casi eclesiásticos, gregorianos. “Flitzpleasure” continúa por esa delgada linea que une lo tradicional con la vanguardia, un canto entre exótico, místico y moderno, algo post-rock.

La recta final lo abre el “Interlude III”, al que sigue “Bloodfood” un tema a piano “in crescendo” al que se le unen guitarras, coros y teclados. “Taro” es una pieza cristalina otra vez con la mirada puesta al formato cinematográfico. Y el tema final “Hand-made” un muy bonito cierre con una guitarra acústica, la melancolía en la voz, xilófono y coros.

Alt-J firman de ese modo un debut brillante que apunta maneras de cara un futuro. Ahora lo que nos apetece más es ver su puesta en escena en directo.

Nota: 7/10

“Cosas perdidas” es el título del álbum que arranca con energía con el tema “Dónde va”, single del mismo y que sigue con piezas tan destacables como “Aquella ciudad” o “Lo haré” donde colaboran además miembros de bandas como José Luis “Caplis” Chacín (Desorden Público), Denise Gutiérrez (Hello Seahorse!), Juan Manuel Torreblanca (Torreblanca), Marian Ruzzi, IL Gimón (Elaine), Cheky (Jóvenes y Sexys), Jan Pawel, entre otros.

A Ulises se le conocía, sobretodo al otro lado del Atlántico, por la publicación en 2008 de “Presente”, disco de debut que lo catapultó hacia lo más alto en su país. Durante este tiempo el músico ha ido dando forma a este nuevo trabajo, sin prisa pero sin pausa, madurando su sonido hasta lograr encontrar aquello que andaba buscando, que no es ni más ni menos que una mezcla entre el folk, el rock, la bossa, el indie-pop y en general todo aquello que se pasea por su cabeza a medida que nos habla de amor, desamor y los pequeños detalles de la vida que la hacen tan grandiosa.

Trompetas, guitarras, percusiones, teclados y coros se entremezclan con un lirismo personal, en el que retumban frases sentidas junto con sensaciones personales de aquellos que deambulan por el mundo con rumbo fijo pero sin obsesionarse por saber a donde van.

Músicas globales que en este segundo trabajo cogen forma y que vuelven a situar al venezolano en boca de todos. Un disco que rezuma intimismo y dinamismo a partes iguales. Buen fichaje para el bueno de Abel y su nuevo sello, del que esperamos nuevas referencias y disfrutamos de las presentes que a la vista está son más que destacables.

Nota: 7/10

Es cierto que este noveno disco (sin contar la publicación de algunos EPs) es mucho más ligero y que se aleja un poco del tono barroco y adornado al que el de Nueva York nos tiene acostumbrados y que en algunos estribillos se percibe la mano de Mark Ronson (Winehouse, Adele) a la producción. Pero eso no significa que Rufus haya dejado de lado su propio sonido que aparece sobretodo en esas baladas tan sentidas o en su ironía fina y de filosofía de vida que encontramos en algunas de sus letras.

Un cambio en su vida, conocer a su actual pareja, ser padre, reconciliarse con el suyo, perder a su madre… han provocado quizás también ese cambio en la forma de su propuesta, o quizás haya sido la idea de entrar en el gran mercado, aunque no puede evitar ser como es y eso lo aleje de todo lo burdo convirtiéndose en todo momento en un poeta contemporáneo tratando de emular a aquellos artistas de los sesenta y setenta a los que tanto venera. El disco empieza con un tema de título homónimo con ecos retro-setenteros, le siguen “Jericho” con su omnipresente piano, posible single del disco, “Rashida”, bien producida y una especie de broma en la lírica, “Barbara” que nos devuelve a sus orígenes, “Welcome to the ball” de sonidos beat, y la excepcional “Montauk”, un bello tema que dedica a su hija.

Los coros también aparecen en casi la totalidad del disco, a cargo de miembros de su propia familia como su padre y su hermana y Dap-Kings, que aparecen en muchos de los trabajos de Ronson. La segunda mitad del disco ya decimos que es mucho más próxima a la identidad de Wainwright, en ella encontramos piezas como los temas de amor como “Bitter Tears” o “Song Of You”, la trasnochada “Respectable Drive”, “Perfect Man” con su potente batería y un épico final dedicado a su madre con “Sometimes you need” y “Candles”, dos preciosos temas de despedida que se deslizan como un réquiem.

El cantante y pianista consigue con este nuevo trabajo demostrarnos que es capaz de mutar pero manteniéndose fiel a si mismo y a sus seguidores, logrando firmar un disco muy destacable y quizás uno de los mejores de su carrera, a un lado títulos como ”Want One” y “Want Two”, que lo recupera de encasillarse y mantenerse con la mente abierta a lo que surja más adelante.

Nota: 8/10

Antes de todo debería decir que no es un disco para aquellos que les gustan las comparaciones con las antiguas superproducciones del mundo del rock. Todos sabemos que cualquier tiempo pasado fue mejor y que los discos que sacaron los Guns en los ochenta no se volverán a repetir. Pero quizás sí encontremos alguna similitud con el rock que practicaba el guitarrista en sus asociaciones con Eric Dover o Rod Jackson (ambos excantantes de Slash’s snakepit).

La verdad es que hacía tiempo que no veíamos la versatilidad de este músico en plena acción, pero ha regresado con quince cortes grabados a la vieja usanza: estudio, músicos en directo y poca tecnología, demostrando que quien tuvo retuvo. El álbum empieza con “Apocalyptic love”, canción que da nombre a un disco de Hard Rock clásico, sin muchas complicaciones, fresco y divertido, que hace que te invada el “buen rollo” canción tras canción y que no disminuye en intensidad en ningún momento. Buena prueba de ello son el single “You are a lie” o “One last Thrill”. Con “Anastasia” regresan esos solos larguísimos que hacía tiempo que no recordábamos salir de su Les Paul, y con “Carolina” se repiten las melodías imposibles surgidas del dominio que aun tiene con el talk box.

Seguramente no habría manera mejor de concluir “Apocalyptic love” que usando otro de los temas con aspiraciones a single principal, “Crazy life”, que deja buen sabor de boca al oyente y le hace finalizar su audición con ganas de más.

Redacción: Hugo Hernández

Para empezar, ha cambiado las bases electrónicas por el piano, un elemento que aparece en prácticamente la totalidad del álbum. “A Sleep & A Forgetting” es una versión externa del mundo interno de su autor, lleno de giros que lo han llevado incluso a cambiar de residencia, abandonando Broklyn por Los Angeles. Esos cambios se imprimen en todos los pequeños detalles de un título más calmado y poético, más sincero. Con frases que dejan claros sus sentimientos “I miss my wife/I miss my best friend/every night/I miss my home/I miss my own bed/my old life.” pero que también dejan lugar a la esperanza, aunque lo que predomine sea el tono depresivo.

El disco está repleto de temas destacables con títulos como la lacrimógena “Hallways”, “Never Go Solo” de estribillo pegadizo y ese omnipresente piano, “Oh Maria” donde canta a una misteriosa mujer, la arrolladora “Don’t I Love You”, “96 Tears” con órgano incluido, “No Crying” o “Same Thing”, con la que cierra el trabajo, que van directas al corazón y donde la voz de Thorburn acoge un tono tristísimo.

Sin duda estamos ante un trabajo que ganará puntos en el tiempo, aunque de entrada ya nos impacte y nos sorprenda, por ser una clara muestra de experiencias humanas, de esos sentimientos que todos llevamos dentro y por los que hemos pasado en uno u otro momento de nuestras vidas.

Nota: 8/10

En esta ocasión, aunque no deja de estar acompañado por músicos, destaca la versión más solista del celoní. Quizás por la temática, más reflexiva, pero también por una música más sencilla y menos ornamentada (al menos aparentemente). Temas bellisímos como “El xiprer” engrosan su lista de canciones de poética delicada (como ya lo hicieron en su dia “L’ocell” o “Hort mort”). “Ego sum”, “En Re” o “El fong i el llangardaix” serían otros claros ejemplos. Pero también hay sitio para el ritmo rumbero y la apología libertaria que nos encantó en el primer volumen, ahora con melodias como “Producto interior bruto”, “Ebri” o “Els destil·lats i la constitució (segona part)”. En estos desmelenes tiene tiempo de parafrasear brillantemente a Baudalaire (cuánta razón la del poeta parisino) o reivindicar el nombre de otro licor catalán en lo que es un temazo a remarcar.

Es, en definitiva, otra muestra de todo lo bueno de nuestro cantautor más irreverente: talento innato para la melodía, desparpajo y verdades como templos. Ante tan prolífica inspiración, quizás otro hubiese filtrado para ofrecernos solo una docena de canciones. Para los que nos entusiasma esta manera de entender la música, este es un disco por el que brindar: porque significa que el Colomo no se guarda nada para él y porque demuestra que hoy en día se puede editar mucho en poco tiempo, contando con la ayuda de iniciativas capaces de recaudar fondos para subvencionar el disco. Brindemos, pues.

Y es que aunque en “Port Of Morrow” Mercer junto a los nuevos Shins sigue manteniendo el espíritu, de alguna forma, de los originales, el cambio de forma es bastante acentuado. Esto va en detrimento de la frescura y los pequeños matices que hacian de la banda algo único para convertirse en algo mucho más producido, diferente, que suena más a gran estudio, con intención de llegar a la masa. Esto no tiene porque ser malo, pero nos deja a los seguidores de la banda con una sensación de nostalgia, con la idea de que una puerta se ha cerrado para abrirse otra distinta. Tampoco nos viene de nuevo, ya que conocíamos que el vocalista estaba preparando al margen su proyecto junto a Danger Mouse, Broken Bells, que rompía con todo lo firmado hasta la fecha.

Desde el primer minuto de “The Rifle’s Spiral” ya notamos ese cambio hacia un ritmo más rápido, más marcado y retocado no tan “do it yourself”, más maduro para algunos, que emula a grandes bandas de los sesenta y setenta como se puede comprobar en piezas como “Bait And Switch”. Aunque hay otros momentos en los que se hace referencia directamente a las raíces de la banda, sobretodo en las baladas y en títulos como “It’s Only Life” o “September”. Luego encontramos temas más obvios o fáciles como ‘No Way Down’ o ‘Fall Of ´82′. De todos modos también hay instantes brillantes en este trabajo, con canciones redondas e incluso podríamos decir que de las mejores que ha escrito el de Honolulu en toda su trayectoria como son “Simple Song” o “Port of Morrow” que da nombre al disco y donde utiliza un tono de voz casi irreconocible que juega con el R’B.

Pese a esos cambios se puede decir que The Shins ha firmado un disco bien elaborado y acabado pero que peca de perder la frescura de antaño, el sonido se muestra sólido y los acabados son prácticamente perfectos pero algo se echa de menos. La vida cambia y por supuesto la de Mercer también lo ha hecho, veremos por donde andan sus próximos pasos.

Nota: 7/10

En activo desde 2007, los finlandeses siempre nos han ofrecido temas redondos y discos bien acabados, desde que los descubrimos con aquel “The Province Complains” (Marsh Marigold, 2007). Ahora regresan con el que es su tercer disco de estudio, “All Blackshirts To Me”, un disco que da una vuelta de tuerca más a su música, alejándose un poco de las melodías más inmediatas para embarcarse en algo más íntimo y subjetivo, sobretodo en cuanto a las letras se refiere, e incluso transportándolo a la manera de cantar de Mattias Björkas.

A través de los doce cortes que componen el álbum, Mattias desnuda su alma como lo hiciera Morrisey en sus mejores momentos, iniciando el disco con el tema “Our Old Centre Back” en el que compara la vida con un partido de fútbol, imagen mundana que traslada a otras piezas como “1914 and Beyond”, dura crítica a la política Europea actual a través de un piano o “A Few Empty Waves” donde nos relata la vida en el mar de un modo casi bucólico. Estos momentos los entremezclan con otros más personales y resguardados con títulos como “My Sense of Pride” que regresa un poco a los orígenes de Cats On Fire pero con un tono más triste, o “It’s Clear Your Former Lover”, un bello canto al amor. Las pinceladas más rítmicas las ofrecen canciones como ”There Goes the Alarm” o “After the Fact”. Al final nos encontramos ante un compedio de beats armónicos ofrecidos por una enérgica batería, sintetizadores, guitarras y otros elementos. Una imagen vanguardista y un sonido propio y sotisficado.

Quizás nos encontremos ante el mejor disco de una banda que aún tiene mucho que ofrecer y decir, y que con el tiempo sea una de las más firmes de su país y de gran parte del indie-pop internacional.

Nota: 9/10

El trabajo consta de diez canciones entre las que destacan la inicial “John Boyle Island (Wampum)” un tema ligero y pausado acompañado por coro. Canciones con un toque twee como “Country Club”, temas instrumentales con sintetizadores, teclados y otros juguetitos como “Queen of Root Beer”, otros más oscuros o minimalistas como “Noble Creature” e incluso crítica social en la folky “Plum Island Protest Song (F.T.D)”. Beben de las fuentes de bandas como The Boy Least Likely To en referentes contemporaneos y ecos setentero beachboyanos, sobretodo en los acompañamientos.

La variedad de instrumentos que despliega el dueto ahora convertido en cuarteto enriqueze su estilo demostrando que con pocas herramientas pueden conseguirse cosas brillantes. El disco lo cierran con la canción “Worthless People” en la que encontramos un nu-folk que mezcla lo trágico con lo cómico.

Un buen conjunto de ideas en las que importa tanto el sonido como las letras, que aunque de entrada parezcan sencillas aportan algo más.

Nota: 8/10

El disco en general es un estupendo inicio en el panorama discográfico, a cargo del novísimo y alternativo sello Famèlic, que apuesta junto con La Castanya por lo más recóndito de nuestra geografia musical. Y con Mates Mates nos traen una banda agradable. Nostálgica e intensa a la vez, como ya he dicho, pero sobretodo llena de alegría y de elementos instrumentales que contribuyen siempre a la fiesta. Es esta otra distinción a tener en cuenta.

Me quedo con “Cercheremo”, “El pinsà”, “Abrics llargs i cabells verds” o “Quan tinc un tros de temps”. Pero sobretodo me quedo con lo que les queda por delante. Porque un primer disco así siempre es un placer y porque tienen campo por crecer, espacio para mejorar. Que así sea.

Lo que sucede es que hoy por hoy, cerca de nuestra casa, el punk está a medio camino entre las aceras desconchadas del Raval y los bosques de encinas del Montseny. Se camufla alejado del estereotipo y claro, ni es fácil toparse con él ni reconocerlo. Y es que a pesar de llevar desde 1998 mofándose de todo sin que se les note el menor resquemor, uno tiene que buscarles para descubrirlos y entonces sí, reconocerlos ya constantemente.

Después de su primer debut discográfico y de un compartido con Mujeres, “Romaní, semen i sang” es el título inolvidable con el que el cuarteto da un paso adelante y confirma que su inspiración destila energía, sentido del humor y mucho descontrol. Con un inicio de bofetada -quizá con los tres mejores temas del disco: “Montseny”, “Watusi ‘65” y “Taxista”-, uno no espera toparse con una versión un tanto libidinosa del “I feel love” de Donna Summer, o que todavía quedan canciones para la épica: “Peatge”, “Recomane Tenebres” y “Tòniques i calendaris”. Un recorrido que nunca se aleja del punk -casi más por la actitud que por la música- y que se deja pervertir alegremente por el garage y el rock and roll. Velocidad, teclados y estribillos que podrían alzarse como himnos de excursión.

¡Qué desvergonzados estos Sirles! Han convertido su gamberrismo erudito en una vía de escape capaz de agradar a cualquiera. Han creado un universo propio con el que poblar su música: un mundo muy suyo y a veces difícil de comprender, pero que se hará fácilmente reconocible por el oyente. Han acercado sus ritos estrambóticos a todos aquellos que quieran escucharles y, lo mejor de todo, ha encontrado el reconocimiento merecido en un mundo que frecuentemente desprecia al punk.

Pollard, quien parece no tener fin a la hora de escribir, vuelve a realizar un mano a mano junto a Sprout, donde destacan tanto la capacidad creativa de uno como la lírica del otro. No ofrecen nada nuevo, nada que no conozcamos ya de las idas y venidas de la banda, de sus desintegraciones y sus regresos por eso no sorprende, aunque gustará, sobretodo si eres fan del grupo (sobretodo de sus inicios), ya que posee algunos momentos destacables y que pueden llegar a formar parte de un extenso greatest hits que compile lo mejor de los de Ohio.

“Let’s Go Eat The Factory” contiene 21 piezas que empiezan con “Laundry and Lasers” de tinte punk, a la que sigue la guitarrera “The Head” de sonido sucio, el acompañamiento de un flautín en la balada “Doughnut for a Snowman”, la potente “Spiderfighter” de estilo progresivo, la atmosférica (violines incluidos) “Hang Mr. Kite”, la distorsionada “God Loves Us”, el single power-pop “The Unsinkable Fats Domino”, la susurrante “Who Invented the Sun” ideada por Sprout, la bizarra “The Big Hat and Toy Show” (una de esas que nos vienen a recordar las influencias en grupos como Pavement), la rockera-underground “Imperial Racehorsing”, el guiño a la serie “How I Met My Mother”, la brillante “Wave”, el sabor añejo de “My Europa”, la popera “Chocolate Boy” y el punto y a parte que es “The Things That Never Need”. Para acabar ya en la recta final con el piano de “Either Nelson” de corte clásico, “Cyclone Utilities (Remember Your Birthday)” en la que destacan las percusiones y las guitarras de nuevo en ese sonido medio oscuro, la psicodélica “Old Bones”, la escueta “Go Rolling Home“, la acústica “The Room Taking Shape” y la subterránea “We Won’t Apologize for the Human Race”, buen tema para cerrar, incluso para el final de un concierto.

A la espera de un nuevo disco que lanzarán también este año y que se pondrá a la venta en mayo, cuyo título será “Class Clown Spots a UFO” (¿ya hemos dicho que la capacidad compositiva de Pollard no tiene fondo?), disfrutemos de la compañía de los americanos que de una manera u otra siempre han estado ahí recordándonos que no importa si triumfas a gran escala o dejas de hacerlo, que lo importarse es forjarse una reputación y no flojear en el empeño.

Nota: 6/10

“El camino” es un trabajo bien producido que ha contado con la colaboración de Danger Mouse. Un disco en el que el glam, el rock sucio, los sonidos negros y el garage se dan la mano, en una mirada al pasado tanto a los ancestros como a su propia discografía en la que encontramos todo tipo de ritmos. Aunque esta vez dan un paso más allá, cosa que ha producido reacciones varias, introduciendo elementos de la música de baile a su concepto. Así nos encontramos muchos momentos del disco que no nos podemos quitar de la cabeza como es el caso de “Lonely Boy”, single del mismo, o “Stop Stop”.

Once temas que enganchan desde su arranque con la antes mencionada “Lonely Boy” de estribillo imparable acompañado de grandes coros, a la que sigue en segundo lugar “Dead And Gone” otro tema que toma brío a base de órganos y percusiones. Más tarde encontramos las guitarras fulminantes de “Gold on the Ceiling”, la acústica de “Little Black Submarines”, “Money Maker” de aires surferos y voz transformada, “Run Right Back” una bizarra manera de confesar un amor casi devoto y “Sister”, otro instante brillante bien trabajado. En la recta final nos topamos con canciones que no son simple relleno, sino algo más, así piezas como “Hell Of A Season” muestran su virtuosismo afilado a los instrumentos, “Stop Stop” contiene un sonido beat muy particular, “Nova Baby” introduce de nuevo los teclados y la batería compulsiva. Y “Mind Eraser” cierra el álbum dejándonos con ganas de más en una gran catarsis final.

Auerbach y Carney demuestran que pueden dar otra vuelta de tuerca a su sonido y que la jugada les salga más que bien. Felicitaciones de nuestra parte.

Nota: 9/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Este álbum que supone el debut de los de Malmö es una combinación explosiva de dream pop, chill out, sonidos isleños, y ensoñación pasada por el túrmix de teclados, sintetizadores y cantos angélicos. Un disco que gana puntos a cada escucha, que consigue hacernos viajar en un recorrido agradable de principio a fin, y que nos transporta hacia dimensiones más allá de las meramente terrenales. Moviendose en una delgada linea bipolar que pasa del pop a la electrónica en un abrir y cerrar de ojos, Korallreven nos acercan a ambientes muy nórdicos pero con el punto picante del trópico.

Así mezclan temas como las cálidas y ensoñadoras “The Truest Faith” o “Loved Up” con las más gélidas y delicadas “Sa sa samoa” o “A Surf On Endorphines” donde agrupan los títulos y las letras en referencia a esos viajes y experiencias con otros que hacen alusión a momentos de recogimiento más intimistas. Nos hacen embarcar en un trayecto espacio-temporal desde el que deambulamos con el único uso de nuestra mente mientras nos regalan estribillos pegadizos con títulos como “As Young As Yesterday” o “Honey Mine” en el que Victoria Bergsman (Taken By Trees, The Concretes) pone el toque femenino, en un trabajo en el que también participa la norteamericana Julianna Barwick aportando su voz. Cierran con “Comin’ Down” una pieza de nueve minutos, de las más largas del disco, que viene a ser un compendio de cántico retro de toques disco-electro y sentido espiritual.

Con “An Album by Korallreven” nos quedamos con la sensación de haber disfrutado del viaje, de que incluso ha sabido a poco y de que vamos a por más, solo esperamos que esta vez no tengamos que aguardar tanto tiempo.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Tras una época frenética, comprendida entre 2002 y 2008, en la que Moksha generó nada menos que cinco trabajos de gran calidad y múltiples conciertos, llegó esta nueva etapa de silencio que ha muerto con Sang de roure. Un disco que recupera la reinvención que hicieron de ellos mismos a partir de Supersilver Haze: una nueva manera vocal más poderosa y un sonido cada vez más contundente, más rockero, con ritmos marcados y pesados. Esta vez lo han hecho expresándose exclusivamente en catalán, un detalle atrevido del que no hay que tener prejuicios. Siguen con ese sonido escandinavo que les caracteriza -es inevitable hablar de Entombed sí, pero también de bandas más crust como los americanos His Hero Is gone- y parecen expresarse con un carácter más inquieto, sin abandonar la sencillez de siempre que les aleja de toda pose carnavalesca. Geniales “Sang de roure”, “Esgarriat” o “Corre i caure caure i recaure”.

Siempre he creído en Moksha como una manera elegante de hacer metal. Recuperarles ha sido todo un placer, una grata sorpresa a la altura del pasado.

Con unos inicios más que prometedores a golpe de hits como “You! Me! Dancing!” o “Death to Los Campesinos!”, el soplo de aire fresco que proponía este septeto les ha llevado a estirar el chicle quizás un poco más de lo debido llegando a firmar hasta un total de cuatro discos en tres años. Aún así su lirismo no ha perdido ni ápice de su ironía original, aunque en este nuevo trabajo, “Hello Sadness” dejan un poco de lado ese fluir casi adolescente para centrarse en algo más compacto y maduro como reza el título, más lánguido en algunos momentos, aunque siga sonando cien por cien Los Campesinos!.

Así temas como “By Your Hand” que abre el disco, una pieza poppy característica donde se mezclan las imágenes románticas con los tropiezos de la cruda realidad (va, se enamora de una chica, y en la cita ella le vomita encima…) se entremezclan con otros más oscuros que hablan incluso de la muerte, aunque siga siendo de un modo humorístico como en “Baby, I Got the Death Rattle”. El álbum es bastante uniforme y disfrutable, puedes escucharlo durante horas sin aburrir, goza de piezas brillantes que hacia el final llegan al punto más álgido con títulos como “To Tundra” que cuenta con una producción más elaborada y pausada de la que nos tenían acostumbrados hasta el momento, incluyendo una nueva profundidad en la voz del propio Gareth. O los temas que cierran el disco “Baby I Got the Death Rattle” y “Light Leaves, Dark Sees pt.II” que convencerán a todos aquellos que pensaban que tan solo se trataba de una formación dada al cachondeo sin remisión.
Porque con “Hello Sadness” Los Campesinos! consiguen despejar las dudas y demostrar que siguen avanzando en su camino.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Los ritmos quebrados y con bajos predominantes continúan ganando terreno en los oídos de los contemporáneos. Esto se puede ver en los lanzamientos de los sellos electrónicos (y no tanto), y en la nueva apuesta del sello con base en Londres.

Atlantis recopila el trabajo musical de FaltyDL, uno de los productores estrella del estilo, que se mueve entre los sonidos de New York -donde reside actualmente- y Chicago, y que se anima a hacer uso y abuso del mush-up, vocoders, samplers y coqueteos con bpm confusos y variados.

El EP abre con el track que le brinda el nombre al disco y que comienza con beats contundentes y bastante bailables. Continua con “Can’t stop the prophet”, que se revela en el disco como uno de los hits, de esos que tienen vocals distorsionados pero entendibles, caricias a un arpa y sonidos eclécticos e indescifrables.

“My light, my love” es el tercer track de Atlantis y recita: “Baby, we can make it”, como una declaración de amor en los tiempos que corren. FaltyDL se despide de este release con “The sales end”, que vuelve a los sonidos rotos e hipnóticos, que seguramente tendrán buenos remixes y serán acogidos por las pistas de baile.

Redacción: Samantha Cuglia.

La mansión vanguardista lanza un nuevo mix con canciones de esas pegadizas, pop y bien bailables otra vez.

Si querías saber dónde ibas a refugiarte este otoño/invierno, ahora ya lo sabes. Podrás caminar sobre las hojas marrones tarareando “True Romance” de Citizens! O sacudir la cabeza en el metro mientras sigues los compases de “The cast of cheers” de Goose.

Kitsuné siempre da en el clavo, y este nuevo recopilatorio no es una excepción, hemos visto nacer las carreras musicales de, por ejemplo, Crystal Fighters o Holy Ghost porque aparecieron en estos mágicos releases.

Ahora, puedes conocer el nuevo remix de The Magician (ex Aeroplane) o escuchar las nuevas versiones de “The Record Collection” de Mark Ronson & The Businees Intl y “Roman” de House de Racket.

Redacción: Samantha Cuglia.

“Josh Rouse and The Long Vacations” es un regreso a su pop-folk que incorpora pequeñas pinceladas de ritmos mediterráneos en el que podemos también escuchar algunos toques de jazz, y hasta bossa. Además ha contado con el trabajo de Xema Fuertes a la guitarra, batería y banjo y Cayo Bellveser al bajo y piano a los que ha bautizado como The Long Vacations. El álbum, de concisa duración, apenas 25 minutos, aunque preciso cuenta con temas tan destacables como “Fine, fine” de ritmos cariocas, “Lazy days” uno de los mejores temas del disco, “Oh, Look What The Sun Did!” un tema acústico, primer single extraído del mismo o “Movin’ on” en la que volvemos a encontrarnos con ese Josh cercano y cálido en su forma de cantar.

Grabado, en parte, en los estudios de Paco Loco, lo nuevo del de Nashville es un disco de agradable escucha, cuidado y con los arreglos necesarios, ideal para los momentos de recogimiento en los que soñar con las vacaciones como en estos días lluviosos.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Empezando por la mecánica “Year Off” de ritmos oscuros y vueltas al pasado de modo melodramático, con la dulce voz de Mary que nos arrulla a la vez que nos alza en una espiral eléctrica. En “The Pull” nos acerca al despegue del dosmil y algo cuando conocíamos por primera vez el pop electrónico. Después continúa con “Morning Ritual” que resuena como un eco en una cueva, frondoso, que se mueve entre ritmos nerviosos impregnados del dubstep al que hacíamos referencia. En “Banksia” las cajas rítmicas se convierten en principales protagonistas con ese toque tribal-futurista presente también en casi todo el disco. “Ahead Stop” es un tema instrumental que rebusca también en el pasado de principios de los noventa. “Dry Lake” experimenta de nuevo con varios sonidos en un loop instantáneo. “Sonora” hace uso del dub en una turbia escalera hacia los bajos fondos, siempre apoyado por la dulzura de la voz, eso sí, en este caso casi hipnótica.
Para cerrar, la honda “Sophia”, casi onírica, “Twenty Seven” que como el canto de una sirena viene a ser la predecesora del siguiente corte “Altos Lugares” que da por cerrado el álbum. Un disco en el que predominan las energías contraídas y explotadas, los ambientes a veces vidriosos, siempre minimalistas y las cadencias inquietas. Que nos devuelven a nombres tan reveladores como Xiu Xiu, Skrillex o Animal Collective y que nos recuerdan que los caminos de la experimentación no tienen límite ni fecha de caducidad en la tapa.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Eric Anderson

En el álbum aparte de las guitarras y la voz de Eric como elementos aglutinadores hayamos también banjos, chelos, trompetas y percusiones que lo hacen más rico en sonoridad y que consiguen que pasemos un agradable momento sin hacérsenos pesado en ningún momento y disfrutando de todo el minutaje de principio a fin. Hay que destacar temas como la inicial “Deep Cuts” en la que la voz aparece en primer plano y poco a poco va introduciendo la instrumentación, “Rock of Calvary”, una brillante pieza que es el single del álbum, “My Heart is Calling” más rítmica o “Fog on the glass” donde aparecen un piano y un saxo y que tiene un aire a lo Death Cab.

“Prison Boxing” cierra con “Reach Out and Touch Someone’s Hand” en la que Cataldo le canta al futuro, parece que el suyo es esperanzador.

Nota: 7/10

Unos rasgos que ya podemos apreciar desde el primer minuto con el tema que abre el disco y de idéntico título. Se nota que en este trabajo las directrices son otras y abandonan un poco el tono colorista para enterrase en algo más profundo, pausado, lleno de texturas, pero igual de idóneo, ya que en el single “Before The Bridge” siguen manteniendo el tono bailable pero las atmósferas son distintas. En “The Great Fire”, tema que nos narra las luces y sombras del amor, introducen la voz femenina de Jenn Wasner de Wye Oak y la arropan entre teclados y sintetizadores. Inmediatamente después enlazan esta melodía con una pieza instrumental con campanas de fondo, en “Where I Found You” y “Give Us The Wind” la manera de cantar se vuelve más “dolorosa” y sentida, tratando de escapar de lo terrenal. La melancolía se agolpa en “Close To None” (aunque resulte una canción algo larga), y sigue en “Balance” (aunque nos sorprenden con un tema con más ritmo y un guiño a los Cure, sin duda y que también es evidente en el tema final, “Grease”). “Tybee Island”, etérea y cristalina nos acuna con el sonido del mar de fondo.

¿Es “On The Water” un disco conceptual?, bien podría serlo, pero no se queda en la simple idea fija de girar sobre si misma, sino que ofrece mucho más, una languidez y tristeza tan profunda como los ríos o mares a los que hace referencia el título.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

De todos modos y pese a eso “Aabenbaringen over aaskammen” goza de muy buenos momentos, empezando por la atrevida e instrumental primera pieza titulada como el álbum por la que desfilan acordeones, flautas y cuernos, siguiendo por temas como el single principal “Det haster!” de estilo electro-funk en la que realizan como un juego al principio de la canción como si no hubieran insertado bien la clavija del ampli, “Dresinen”, una amplia gama de sonidos que va desde el post-punk al electro y al rock de guitarras, la más popera “Selskapets triste avslutning”, la psicotrópica “Golden Years”, la teletransportadora “Kaskaden” y “London Zoo” en la que reluce tanto la voz de Ketil Endresen como se mezclan los sintetizadores con las cajas de ritmos. Para cerrar lo hacen con “Aldri ska me ha det gøy” en la que volvemos a encontrar voces etéreas entre transformadores y melodías pregrabadas.

Con una producción musical llevada a muy buen término, Casiokids se posicionan con este trabajo como una formación a tener en muy cuenta en adelante, esperemos que sean capaces de equilibrar sus buenas artes con la buena producción y una determinación más rotunda.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Mina Tindle (cuyo verdadero nombre es Pauline De Lassus) nos ofrece desde este sencillo de título homónimo, seis brillantes piezas que se mueven entre el indiepop, la instrumentación, los coros dulces y unas pegadizas melodías. Empieza pisando fuerte con “To Carry Many Small Things” en la que le acompañan un bajo, un piano y palmadas. El segundo tema, “Bells” es un bello canto otoñal delicado en el que predomina la acústica, aunque introduce algunos elementos eléctricos. Luego le sigue “Echo”, otra bonita canción que nos alegra el día y donde nos demuestra sus grandes dotes como cantante.

En la recta final hayamos la fascinante “Henry”, una saltarina composición con subidas y cambios de ritmo que acaban convirtiéndose en una explosión sonora. La acompasada y armoniosa “Some Things Last a Long Time”, con la base de una guitarra electroacústica y la también suave “Plein Nord-Demo”, cantada en francés.

Nada mal para empezar. Esperamos que pronto podamos disfrutar de todos estos ingredientes en formato largo.

Nota: 8/10

Para empezar hay que decir que ha regresado de nuevo a su folk de ramalazos country que tanto echábamos de menos y que queda patente desde el primer segundo del disco cuando arranca con “Dirty Rain”, una balada melancólica que nos devuelve al mejor Adams y a la que sigue el tema al que da título al disco, ésta más animada y más country, nos imaginamos conduciendo por una larga carretera en medio de un árido paisaje. En “Come Home” se vuelve más intimista y casi nos susurra más que canta. “Rocks” sigue la inicial linea trazada y continúa rasgando su guitarra y nuestros corazones, “Do It Wait” es un reposado canto en el que la percusión también nos acoge. En “Chains of love” eleva el ritmo y se vuelve más pop, incluyendo cuerdas como acompañamiento a la guitarra principal. Con “Invisible Riverside” se adentra en los inescrutables caminos del blues con toques psicodélicos. Su lado más emotivo lo explora con “Save me” tanto en su forma como en su lírica. En “Kindness” incluye segundas voces que nos acunan, “Lucky now” es su claro homenaje a la esperanza y que se ha convertido en el single del álbum. Para poner punto final a este disco básicamente acústico, calmado y personal, Ryan escoge los temas “I Love You But I Don’t Know What To Say” y dos versiones acústicas (solo con guitarra, básicamente) de las anteriores “Dirty Rain” y la propia “I Love You But…”, que ponen el broche final a este desfile de declaraciones intimas y letras poéticas.

“Ashes & Fire” ha sido grabado por Glyn Johns en los Sunset Sound Factory de Hollywood y cuenta con las colaboraciones de Norah Jones y Benmont Tench, un motivo más para prestarle atención.
Ryan Adams consigue de nuevo emocionarnos, y aunque no contemos con ningún hit inmediato consigue firmar un disco que te apetecerá escuchar estos fríos días que acaban de llegar a nuestras ciudades.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Redacción: Álex Fdez.

Noel Gallagher’s High Flying Birds es el ansiado debut en solitario de Noel Gallagher, el que fuera alma creativa de uno de los grupos más grandes de los últimos años, Oasis. Durante años se han dedicado portadas de revistas, amplios artículos de las más prestigiosas publicaciones musicales de Europa, incluso el propio Noel ha alimentado en ocasiones las especulaciones sobre el inicio de una carrera en solitario que estaba cantada pero que no parecía llegar nunca. Y finalmente, después de 17 años desde la publicación del primer álbum de Oasis, podemos disfrutar de este ansiado disco.

Desde que se anunciara el disco, en el ya lejano y añorado verano, se nos han ido desgranando pequeñas (o grandes) piezas de lo que nos íbamos a encontrar ahora, en el ya estrenado otoño. Hemos podido ver como Noel finalmente le ha dado importancia a los videoclips y nos ha presentado una serie de tres de ellos que forman una original historia. Ello ha valido como excusa para presentarnos The Death of You and Me, If I Had a Gun y AKA… What a Life! Tres piezas de corte diferente que nos anticipaban algo que finalmente se ha cumplido, aquellas personas que esperaran un disco con el sello de Oasis saldrán decepcionados, este es un disco de Noel Gallagher.

El disco empieza derrumbando cualquier tipo de dudas acerca lo que nos vamos a encontrar, Everybody’s on the run nos lanzará al suelo mientras quedamos sin aliento, y es que no seremos capaces de asimilarlo todo ya que nos encontraremos con coros, secciones de cuerda, un estribillo marca de la casa mientras con una voz desgarradora, Noel nos deja claro desde el primer segundo que ha vuelto, y que se va a quedar. Dream On es el segundo corte del álbum, y volvemos a tener claro que los Kinks son una gran influencia para él. Muchos dirán que este debió de ser el primer single del álbum, es una canción instantánea, desde los primeros versos te atrapa y no te suelta. High Flying Birds recupera dos clásicos para los fans de Oasis, dos demos que han circulado durante años por la web y que finalmente se les hace justicia publicándolas y dándoles el cariño que se merecen. (I wanna live in a dream in my) Record Machine es una canción destinada a los conciertos, donde el público se dejará las gargantas cantando este maravilloso estribillo, mientras que Stop the clocks es quizá un tema incomprendido, bajo mi modesta opinión la pieza más floja del disco, y es que parece tener algo especial pero no acaba de aflorar.

Se trata de un álbum muy compensado ya que nos podemos encontrar con enormes canciones como If I Had a Gun con una letra preciosa y una de las mejores melodías de Noel de los últimos años. The Death Of You And Me y Soldier Boys and Jesus Freaks (junto con Dream On) comparten influencias, The Kinks una vez más, pero cada una es brillante a su manera, y lograrán que acabes tarareándola de camino al trabajo o en el coche de noche en una carretera solitaria.

Nos encontramos pues, ante un disco brillante, en el que Noel Gallagher se muestra tal y como es. Repitiendo lo comentado al principio de la reseña, quien espere un disco de Oasis saldrá decepcionado. No hay muros de sonido, ni guitarras a gran volumen, se trata de la propuesta de un compositor liberado de una banda estancada durante ya muchos años. Un disco de un músico que pasa de los 40 años, un disco sincero y que seguro que no te deja indiferente. La espera ha valido la pena.

Nota: 9/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Redacción: Joaquín Tarragó

Echando una vista a la década pasada arrancan con la acompasada “How Can You Swallow So Much Sleep”, a la que sigue la envolvente “Bad Timing”, la pirueta vocal de “Your Eyes”, “Lights Out, Words Gone” de toques electrónicos y que se acerca a algunas bandas de Kitsuné, y uno de los momentos del disco: “Take The Right One”. En la parte central, de un disco que quizás podría haber funcionado mejor con un par de temas menos, hayamos en primer lugar la fresca “Shuffle”, single adelanto del trabajo, las melodías tristes e intimistas-folky de “Beggars”, las quizás prescindibles “Leave It” y “Fracture”, la nubosa “What you want” y la más nostálgica “Favourite day”, una de mis favoritas. Y cerrando este “A Different Kind of Fix” nos topamos con “Still”, una balada que también podríamos clasificar entre lo mejorcito.

Jack Steadman y los suyos consiguen firmar un disco correcto, con sus subidas y bajadas aunque efectivo. Pero tras esa buena fachada no pueden disimular que si bien son creadores de piezas con solvencia, también les queda algo de tiempo para encontrarse a consigo mismos.

Nota: 6/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Contando con el apoyo siempre incondicional (que de paso le otorga categoría) de músicos como Bob Parins (Vetiver) a la armónica, McKenzie Smith (Midlake) a la batería, y su propio suegro al acordeón, Sondre nos ofrece piezas como la incial “Ricochet”, en la que enhebra el folk-pop con toques blues, “Private Caller” con ese timbre de voz agudo tan suyo en el estribillo y que deja con ganas de más, la intimista “Red Flags”, la pegadiza y adictiva “Go Right Ahead”, la totalmente beatleana (a dos voces) “Coliseum Town”, aunque el alma de los de Liverpool parece presente en varios rincones del disco. “Nevermind The Typos” dónde se unen las cuerdas a las percusiones de manera armoniosa. “Domino” que viene a ser uno de los hits del álbum y “Living Dangerously” otro momento introspectivo. El álbum cierra con la discordante “Tied Up To The Tide” uno de sus brillantes momentos, con la aparición del acordeón y “When The River” un tema emotivo con gran explosión de coros y psicodelia al final, ideal para el final de un buen concierto.

“Sondre Lerche” resulta ser finalmente un disco ecléctico, que no inventa nada ni huye del sonido “Lerche” que ya conocíamos, pero que apetecerá escuchar varias veces.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

“Fabuloso San José” es un sencillo de cuatro temas con remixes firmados por los barceloneses Sabore Bicoro que realizan piruetas eléctricas y ensalzan las voces y estribillo en “Solo”, tema del que también realiza su versión, más underground y funk, Nite Jewel. Le sigue una revisión de “Hermosilla 69″, más bailable pero igual de efectiva por The Ruby Suns y también otro punto de vista de aquella “Tokio”, directa a a pista de baile pero con pinceladas oscuras, firmada por Part Time desde California.

Tras acabar de fichar por Discoteca Océano (El Guincho, Joe Crepúsculo, Violeta Vil, Lorena Álvarez) y terminar su andadura junto a Lovemonk, con el que se lanzó este single junto a su nuevo sello, Linda Mirada nos ofrece un aperitivo de synth-pop discotequero ideal para estos, aún, días calurosos.

Teclados, sintetizadores, transformadores, guitarras, todo vale para este cocktail forjado sobre los cimientos de los temas pop cristalinos y las letras de Ana. Un cocktail explosivo para darle al play más de dos veces.

Nota: 7/10

Le Reno Amps

De todos modos “Appetite” es un disco generoso, con buenos momentos, que logran levantarte el ánimo e incluso hacerte mover. Empezando por la pegadiza “This One’s Not Waiting”, la acompasada-sixtie “Bad Blood”, la cabaretera “Never Be Alone”, la punkera “Saturation Day”, la armónica “Sinners”, a dos voces, la noventa’s “I’m Alive”, la densa “Cottonmouth Rock”, “Weight (I don’t give up on a friend)” que mezcla el punk con el piano y las percusiones, la más country “You Must Remember”, la plácida “Stuck In Your Throat” y cerrando la folky “Faded Star”.

Una simbiosis entre Bob Dylan, Lee Marvin, Elvis Costello e incluso sus paisanos The Fratellis podemos encontrar en este tan variado disco, que llevado al directo debe de dar mucho espectáculo y no solo por las bromas o pintas que puedan gastarse estos músicos sobre el escenario.

Nota: 6/10

Pinche aquí para ver el vídeo

El disco inicia con la pegadiza “Family Tree” de aires surferos y sucios, le sigue, manteniendo el listón, “Modern Art” de sonido limpio, para pasar a la, digamos, velvetiana “Spidey’s Curse”, la oscurilla “Mad Dog” con acordes de saxo incluida, la escalonada “Mr Driver” y “Bicentennial Man”, producida por Lockett Pundt de Deerhunter. Es a partir de la mitad del trabajo donde los temas ya nos resultan algo más repetitivos, aunque no pierden frescura alguna, “Go Out and Get It”, “Time” y “New Direction” siguen una línea muy similar, mientras que “Raw Beat” (a lo Ramones), “Bone Marrow” (ese theremin!) o “The Lie”, nos ofrecen instantes más destacables.

En general lo nuevo de los americanos nos resulta ameno y gratificante sobretodo para estos días en los que acampamos a la intemperie, y nos acompaña en estas noches más largas, en cualquier fiesta o reunión que se tercie.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Azari & III y su álbum debut

Desde Canadá y a través de Modular Recordings, el dúo compuesto por Dinamo Azari y Alixander III ha lanzado su esperado LP homónimo, que apostamos sonará hasta el cansancio en la pista de baile.

Azari & III (azariandiii.com) fue una de las revelaciones del dance de 2010 y estrenan en este mes de agosto su primer disco que recopila sus singles: Reckles (With Your love) – que ha sido remixado por Tensnake -, Hungry For The Power, y Manic (que ha servido de primer sencillo), y otros 8 brillantes tracks.

Pinche aquí para ver el vídeo

Cuando escuchamos este disco, sin dudas la primera reacción es mover la cabeza, luego los pies y quizás acompañar con brazos y caderas. Es que Azari & III recupera toda la cultura dance de las últimas décadas y mezcla: funk, disco, electro, house junto a unos vocals ultra pegadizos y frescos.

Suma unos cuantos puntos la estética de estos dos canadienses que están a la vanguardia del día. Singularidad que se puede ver en sus vídeos y en sus presentaciones en directo (en España han estado en Barcelona y en Madrid), y se espera que lleven sus música espacial a todas las salas veraniegas en las próximas semanas – incluida una presentación en Creamfields Andalucía).

Por otro lado, si quieres saber quien los apoya en su camino por las pistas, son todos aquellos que sonorizan nuestros pasos y nuestras noches: Friendly Fire, Matías Aguayo, Cosmo Vitelli, Nicolas Jaar, Guy Gerber, Art Departmen y un largo etcétera.

¿Te han dado ganas de darles una pequeña oportunidad? Visita el soundcloud del sello Modular y escúchalos vía streaming: soundcloud.com/modularpeople/sets/azari-iii-1

www.modularpeople.com

Redacción: Samanta Cuglia

Ellos son conscientes de sus camaleónicos cambios, pero lo convierten en una virtud, por eso el álbum está plagado de momentos brillantes, empezando por el single adelanto “Still Life” pegadizo a la vez que sencillo, puro pop and roll. El primer corte del disco “Changing the Rain”, atmosférico y elevador, muy Bowie. “You Said” introducido por múltiples teclados. “I Can See Through You”, uno de los hits del mismo. La apabullante intro de “Endless Blue”, la manchesteriana “Dive In”, la gélida y punzante “Wild Eyed” y la hipnótica “Moving Further Away”.

El cierre de los casi cincuenta y cuatro minutos de duración requiere una mención especial porque viene a resultar una extraña mezcla de ecos trasnochados de la Velvet junto a los momentos más refulgentes de los primeros Suede, hasta en la voz, con las piezas “Monica Gems” y “Oceans Burning”, como colofón y glorioso final.

Esperemos que este “viaje” se refleje tan bien llevado a un escenario, de ese modo nos podríamos olvidar de sus accidentadas actuaciones pasadas y tomárnoslos definitivamente en serio, tablas no les faltan.

Nota: 8/10

Redacción: Álex Fdez.
Ilustración: Mikko (Flickr Mikko)

Duncan Wallis, Robin Richards, Daniel Spedding, Peter Broadhead, y Andy Proudfoot consiguen unir instrumentos como el piano, la batería, el bajo, las guitarras y el xilófono con el refuerzo de las voces de Wallis y cargarnos las pilas a través de sus temas adictivos, sus letras pegadizas y ese aire retro tanto en su música como en su puesta en escena.

El álbum inicia con el single del que hablábamos, “Cadenza” una bomba de relojería que nos impulsa a bailar, y una canción un poco más oscura “Fragrant” con el despunte de la línea de un bajo. Luego con un toque más festivalero y con la presencia de sintetizadores el trabajo continúa con “Sting” sin perder fuerza y con contundencia en las percusiones. Le sigue “Dressage” quizás uno de los temas más punk del álbum. En la pista número cinco encontramos el piano de “OCDUC” dónde seguimos con Wallis contándonos pasajes de lo cotidiano y hablando sobre los sentimientos. Tras esta pieza nos topamos con “Dolli” de coros etéreos, “X-O”, una de las más ochenteras y oscuras del conjunto y con “Orval”, esta más setentera y de toques glam. Cierra el disco la mágica “The Rub” de riffs afilados y clímax inminente y la sosegada “Zalo” al piano que pone punto y final a “Cadenza” de un modo ordenado y equilibrado.

En general el primer disco de los británicos es un álbum lineal sin muchos cambios bruscos pero que para empezar ya nos deja entrever que nos encontramos frente a una banda que si sigue adelante tiene muchas cosas interesantes que decir. Les seguiremos la pista.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Ben Gibbard

Pero centrándonos en “Codes and Keys”, todos reconocemos el escepticismo que existía de cara a la salida de este octavo disco, sobretodo tras los patinazos de “Narrow Stairs” y “The Open Doors EP”, siempre visto desde punto de vista más “indie” porque como banda es un logro que te alcen a los primeros puestos de las listas de éxitos, aunque parece que una cosa está reñida con la otra, y que lo más transparente no puede ir nunca de la mano de lo más popular. Pero también es cierto que DCFC han conseguido firmar un disco más que digno, un sonido que no encontrabamos desde algunos de sus mejores trabajos como “Transatlanticism”, sin duda el mejor de su carrera.

Cayendo un poco en el auto-plagio, los de Washington dan forma a trece temas que conforman un conjunto compacto. Sí es cierto que tras más de diez años de carrera llega un punto de inflexión en el que no se sabe muy bien el camino a tomar, es decir o te decantas por realizar algo que siempre funcione, por lo menos entre los fans o te retiras del mercado, ellos han obtado por lo primero, pero eso no significa que no puedan llegar a sorprendernos en cualquier momento.

“Home is fire” abre el álbum con melodías dónde se ve claramente la mano en la producción de Alan Moulder. Les sigue “Codes and Keys” en la que el piano toma protagonismo y que suena mucho más Death Cab. A continuacón la opaca “Some Boys”, la percusión en “Doors Unlocked And Open”, el single “You Are A Tourist”, el paso cercano a Postal Service que es “Unobstructed Views”, la arriesgada pero efectiva “Monday Morning”, la costumbrista “Portable Television”, otro single cien por cien ellos como es “Underneath the Sycamore”. Y cerrando el trabajo la textura compleja de “St. Peter’s Cathedral”, la acústica y agradecida, con su toque folky, “Stay Young, Go Dancing”, y dos temas en versión demo que son más dos regalos de relleno para los fans que otra cosa, pero que también se agradecen por ese carácter franco.

Así pues los americanos consiguen pasar esta prueba de fuego, un poco justos eso sí pero lo consiguen. Y nos regalan incluso algunos momentos destacables, demostrándonos estar en buena forma como en los buenos tiempos. Esperamos que puedan seguir manteniendo el tipo durante mucho tiempo.

Nota: 7/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Tras un periodo en el que intentó superar su síndrome de Asperger que lo llevó a convertirse en uno de los chicos malos del rock actual y entrar en tratamiento, Craig Nicholls que ha firmado algunos hits como “Get Free” y “Ride” junto con el resto de la banda ha tratado de crear un disco retro en el que destacan sobretodo temas como el single “Gimme Me Love”, la más suave “Leave Me In The Dark”, la homónima “Future Primitive” o la embrutecida “Black Dragon”, que como piezas sueltas funcionan francamente bien.

Luego el conjunto del disco pues ya irá a gustos, pero si bien es cierto que tiene algunos recovecos luminosos en algún momento puede llegar a resultar algo pesado, sobretodo para aquel público que no esté acostumbrado a su música o no sea seguidor de la banda directamente. Quizás eso se deba a esa inmediatez en las canciones e incluso a su duración. A parecer que se pasa por encima de algunas cosas que se podrían tratar más a fondo, pero que no lo hacen. Cuestiones que provocan que nos planteemos si han madurado hacia algo o simplemente se han dedicado a repetir fórmula.
Aún así seguimos diciendo que han firmado un álbum interesante que cabe destacar por esos buenos momentos incluso cuando se atreven a experimentar en piezas como “Outro” o “All That You Do”.

The Vines suenan a The Vines, o lo tomas o lo dejas, parece que digan desde cada uno de los acordes y riffs de “Future Primitive”, no lo discutiremos y además les debe de funcionar ya que consiguen que siempre acabemos enganchándonos de algún modo a su música.

Nota: 6/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Y es que por fin el bueno de Miles se ha decidido a navegar en solitario dejando de un lado a sus Rascals y aparcando de momento y hasta nuevo aviso a The Last Shadow Puppets. Y como podéis haber supuesto leyendo el primer párrafo, la aventura de momento parece de lo más interesante. Tenemos ante nosotros un disco elegante, bien hecho y con gusto. El primer tema se trata de Come Closer, una canción directa, sencilla pero que logra su propósito que no es otro que engancharnos su sencillo estribillo durante todo el día. Con los dos siguientes la cosa ya se pone seria, Rearrange se convertirá en una de las canciones del año seguro mientras que My Fantasy (con colaboración de Noel Gallagher, ahí es nada) nos devuelve aunque sea un poquito al Glam Rock. Durante el resto del disco subiremos y bajaremos revoluciones en favor al equilibrio de su equilibrio, encontrándonos tanto con baladones como Colour of the Trap o canciones llenas de energía como Better Left Invisible.

Colour Of The Trap es en definitiva un disco de rock de los que ya apenas se ven. Un disco con muy buen gusto, sencillo pero que logra con creces su cometido. No necesita apenas de artificios técnicos aparte de la base clásica del rock de unas cuantas guitarras, bajo y batería. Sus canciones probablemente no suenen en los lugares de moda de Europa, y quizás Miles nunca será considerado como el más cool del mundo de la música (recordad que un álbum cool no es precisamente sinónimo de calidad), pero una cosa está clara, de lo que importa, que es la música va sobrado. Espero que este sea el inicio de una brillante carrera, que durante muchos años nos siga brindando unos puñados de rock de calidad, yo personalmente firmo, ¿y vosotros?.

Nota: 8/10

Pinche aquí para ver el vídeo

Redacción: Joaquín Tarragó

Entrevista a Joan Colomo

Con motivo de la aparición de Producto Interior Bruto Vol. 1, segundo álbum en solitario de Joan Colomo, me reúno con el artista en los aledaños del Mercat de Sant Antoni. Puntual a la cita, le encuentro con sus características gafas de sol de cristales redondos y el flequillo que siempre le acompaña. En seguida nos adentramos en el Raval. De camino me comenta que el disco ha salido con algo de retraso y que lleva todo el día de entrevistas. Llegamos a la calle de la Cera. Allí me descubre un diminuto local que antiguamente fue una pescadería. Se llama Pesca Salada y Colomo, señalando el techo, me invita a fijarme en su peculiar decoración. Las lámparas son enormes latas de sardinas y el lavabo se encuentra en lo que era la nevera del local. Luego me recomienda que pida una cerveza de trigo cojonuda. Yo me dejo aconsejar y enchufo la grabadora.

El Colomo es un tío peculiar. Tiene el trato cercano de la gente que no se ha criado en una gran ciudad y la conversación amable de quien ya se las sabe todas. De vez en cuando añade una nota guasona a la charla que sugiere mucho de su forma de ser, algo que ya intuía solo con seguir su carrera. Sin embargo, al responder a mis preguntas se entretiene en buscar las palabras exactas para tratar de ser preciso. De Sant Celoni, empezamos a oír hablar de él cuando Zeidun fichó por Bcore. Con un estilo cercano a The Get Up Kids, encandilaron a muchos por sus efectivas melodías y su actitud despreocupada. Tras años aparentemente parados, hoy se mantienen con vida mediante contadas apariciones en directo. Posteriormente se movió por varios proyectos de diversa naturaleza: los metálicos Moksha, los aclamados y ya desaparecidos The Unfinished Sympathy y La Célula Durmiente, quizás su otro proyecto más personal. Esta disparidad de estilos no es casual: “A mí me gusta toda la música menos U2, siempre lo he dicho. Me flipa la Rihanna, la Beyoncé y toda la música comercial. Vengo del hardcore y del punk, pero también te vas haciendo grande y vas abriendo tus horizontes. Y a mi cada vez la caña…” Quizás por esto emprendió una carrera paralela como cantautor, iniciada con Contra todo pronóstico (Bcore, 2009), que se ha movido entre el punk, el pop y el folk: “los tres estilos de donde cojo más cosas”. Una evolución semejante a la de otros miembros relacionados con Bcore. Ramón Rodríguez de Madee se convirtió en The New Raemon, The Unfinished Sympathy se deshizo y hoy queda Eric Fuentes y Standstill es cada vez más Enric Montefusco. ¿Qué es lo que hace esto tan habitual? ¿Quizás sea cosa de la edad? “Llevar un grupo es una movida en la que si todos los componentes no están implicados de la misma manera siempre puede generar un conflicto. Hacer algo solo te quita muchos dolores de cabeza y muchas historias. En el momento de crear y grabar estás tú con tu criterio. Siempre pides ayuda a quien te graba o al colega que te ayuda con un violín, pero no tienes que estar haciendo democracia continuamente. Aunque tocar en un grupo también mola, sobretodo cuando eres adolescente. Así que quizás sí tiene que ver con la edad”. No contento con esto, se atreve a sacar dos álbumes el mismo año, pues el segundo volumen de su producto interior bruto aparecerá el próximo otoño.

Sea como sea y después de su exitoso debut, lo que tengo claro es que con su nuevo disco su carrera ha dado un paso adelante hacia un sonido más definido: “Estoy muy contento de cómo suena y de los arreglos que han hecho los compañeros. En el anterior álbum empecé a intentar vestir las canciones yo solo y en éste, con los músicos, ya teníamos el trabajo un poco hecho. Ha quedado más compacto y más de banda, pero no era algo buscado”. Me explica que en este trabajo todas las canciones tienen batería y que eso ha ayudado a esta conjunción. Todo mucho más homogéneo y también más reivindicativo. Siempre con esa fina ironía que ataca con inocencia, pero que es despiadada. “La verdad es que desde adolescentes ya estábamos bastante politizados, siempre ha sido un tema bastante recurrente. Esto es porque hemos escuchado punk y aunque es verdad que es muy fácil hacer critica social cuando uno vive en el primer mundo, me sale de manera espontánea hablar de estas cosas”. Yo creo que sí, que puede ser fácil, pero que no todo el mundo está dispuesto a hacerlo y que es necesario un poco de sentido crítico entre tanta candidez musical. El día anterior a esta entrevista, Barcelona y muchas otras ciudades españolas se llenaban de gente que expresaba su indignación recorriendo la ciudad. Igual es ése el acné del que habla en uno de sus mejores temas: “Fe en el acné”. “A parte de que siempre he tenido el problema endémico del acné, quería hacer una metáfora de esto. De un sentimiento que aflora como en estos días está pasando. Una metáfora del espíritu revolucionario que está latente y que en un momento dado explota”.

La cerveza, en efecto, es cojonuda. Espesa y suave, entra perfecta en esta calurosa tarde de junio. Cambiamos de tema. Le quiero preguntar por la composición de las letras. Le he oído decir en varias ocasiones que en Contra todo pronóstico muchas de ellas las compuso a última hora y me pregunto si para esta ocasión hizo los deberes a tiempo. Él se ríe y luego explica: “Siempre me pasa lo mismo. Me creo que lo llevo bien, pero la semana de grabar las voces las hago la noche antes de grabar. Con la música no tengo problemas para que me salgan temas y más temas. Pero escribir es difícil y yo no tengo ni idea, así que siempre lo hago en el último momento. Y esta vez también”. Lo dice humildemente. Como si se culpase a sí mismo por algo que tiene que cambiar. Pero quizás el secreto de muchas de sus letras esté en la inmediatez de la prisa. Pienso en “Sever led”, en “Els destil·lats i la constitució” o en “Un comino”, de su anterior trabajo. “Igual hay cosas que sí quedan graciosas y otras no. También pueden hacer interpretaciones más elaboradas a lo que tú estás pensando cuando escribes la letra”. Seguro que sí. Pero canciones como “L’ocell” o “A contrapèl” están cargadas de contenido. Para Producto Interior Burto Vol. 1, sin embargo, ha pasado a expresarse solo en catalán y castellano, abandonando el inglés por completo. Evolución que también hemos encontrado en La Célula Durmiente. “La verdad es que hasta que no me puse a cantar en catalán o en castellano, no me había dado cuenta de lo ridículo que es intentar cantar en inglés sin saber inglés. Quizás es porque no teníamos referencias interesantes en estos idiomas. Al principio cuesta pero la verdad es que una vez lo consigues dices: nunca más”. Así que por ahora Colomo se muestra bilingüe aunque esto puede cambiar en el futuro. Me comenta que está pensando en hacer un disco solo en catalán o castellano para tratar de homogeneizar todavía más su música.

Llegamos al final de mi lista de preguntas con los vasos medio llenos. Me he fijado que cuando habla del pasado se expresa en plural. Al fin y al cabo su música en solitario es heredera directa de todo aquello que hizo con sus compañeros de adolescencia musical. Necesito preguntarle por Zeidun. “Es el grupo de toda la vida, de los amigos… Y da la casualidad que somos unos amigos muy dispersos, muy liados y locos. Empezamos una grabación hace tres años, el primer verano grabamos la batería, el siguiente el bajo y ahí se quedó… No hemos conseguido quedar para seguir la grabación. Pero por otro lado nos queremos mucho y nos encanta tocar juntos. Deseamos que algún día podamos tener las circunstancias para hacer cosas nuevas”. Me quedo más tranquilo, hay esperanza. Pero aún quiero saber más: ¿Y Moksha? “Yo dejé Moksha cuando entré en The Unfinished Sympathy, hará más o menos cuatro años. Habíamos grabado el último disco y desde entonces no han grabado nada hasta este septiembre, que saldrá el nuevo disco en Bcore. Es la ostia, es en catalán y es más cafre que nunca”.

Apago el micro. Espero que se haya grabado bien. Aún tenemos tiempo de charlar un rato mientras apuramos las cervezas. Me recomienda los gin tonic del Pesca Salada y yo me apunto que volveré un día para probarlos. Hablamos de la ciudad y de como van las cosas últimamente en la escena. Me comenta algunos conciertos que tiene previstos para dentro de poco. Le acaban de confirmar uno para el 11 de agosto en Can Rin, un popular restaurante de Cabrils que regala acústicos en verano. Luego salimos a la calle. En la puerta él regresa a sus gafas negras, enciende un cigarro y nos despedimos hasta la próxima. Igual nos vemos en Can Rin. Le veo alejarse hacia las entrañas del barrio chino encantado de haberle conocido. Camina con un andar gracioso y musical. Me digo que alguien a quien le define su manera de andar tiene que ser sincero por narices.

Joan Colomo – Producto Interior Bruto Vol. 1 (Bcore, 2011)

• Año: 2011
• Artista: Joan Colomo
• Sello: B Core

Si Contra todo pronóstico fue una ecléctica declaración de intenciones, Producto Interior Bruto Vol. 1 es la confirmación del talento de Joan Colomo. Una nueva muestra en la que los temas se engloban de mejor manera y en el que la lírica abandona el valor más espiritual de sus primeras composiciones para orientarse decididamente hacia la protesta directa.

Ante todo se trata de un disco fresco y divertido, que contiene todavía mucho del carácter festivo de su autor mediante cortes que bien podríamos colocar en la mejor verbena. En general, todo suena más compacto: acompañado de trabajados arreglos y de instrumentos que adornan el tejido con matices excelentes. La guitarra de Colomo, sin embargo, sigue siendo la protagonista junto a su voz. Una voz de la que no descubro nada si digo que parece angelical, pero que abarca más registros de los que aparenta, y que es el vehículo idóneo para expresar las cosas como quien no quiere la cosa.

Está claro que “Fe en el acné”, “Màgic” o “Hort mort” -ésta con colaboración de su amigo Joan Pons de El Petit de Cal Eril- destacarán en el futuro reciente de muchas listas de preferencias. Pero temas como “Sever led”, “A contrapèl” o “Las distancias cortas” enganchan tanto o más que aquéllas, a pesar de que puedan parecer eclipsadas en un primer momento. Podríamos hablar de melodías redondas y de letras irónicas, de un disco que simboliza la comunión perfecta entre la espontaneidad, el talento y el desparpajo. Una evolución en la que Joan Colomo parece haberse focalizado para acercar lo hecho hasta ahora hacia un lugar común.

Para mí puede tratarse de uno de los discos del año para Bcore y, por qué no, del panorama nacional. Queda por ver lo que está por ofrecernos este buen hombre con su segundo volumen. Desde luego la interioridad de Joan Colomo nos tiene encantados.

Redacción: Sergi Hernández

El disco sigue el camino que el grupo pareció tomar con Humbug, se acabaron esos temas como Fake Tales of San Francisco que eran como un puñetazo en la boca del estómago y que te dejaban sin respiración cuando los escuchabas, sin embargo hemos ganado en madurez, en matices y detalles. El primer tema que pudimos escuchar de este álbum y uno de los más contundentes es Brick By Brick que el grupo colgó en su web nada más grabarlo y mezclarlo. También con antelación pudimos escuchar Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair que se convirtió en el primer sencillo del álbum, un tema redondo del cual disfrutas de cada instante. Cada uno de los temas del disco es digno de ser nombrado, y de cada uno de ellos podría decir cosas buenas y pocas malas, podríamos seguir destacando temas como The Hellcat Spangled shalalala o Reckless Serenade, pero lo que más destaca de este disco es su equilibrio, que funciona perfectamente como unidad. No se trata de una colección de singles sino que es en su conjunto cuando el disco cobra sentido.

No me atreveré a decir que nos encontramos ante el mejor disco de los Monkeys, pero sí afirmo que es una brillante continuación a la carrera de uno de los grupos más importantes que han surgido en los últimos 10 años. Con Suck It And See notas que estás ante un grupo diferente, notas como Alex Turner ha sabido llevar al grupo a una evolución coherente y que el grupo acaba agradeciendo enormemente. En definitiva nos encontramos ante un gran disco, que no aportará nada nuevo a la música (ojo, ni lo pretende) pero que seguro que nos hace disfrutar durante los 40 minutos que dura y apuesto a que a final de año, cuando hagamos balance, seguro que está entre los favoritos a los aficionados del Rock.

Nota: 8/10

Redacción: Joaquín Tarragó

Mark Foster

Su “Pumped Up Kicks” está sonando ya en todas partes, desde los regentados clubs nocturnos, hasta las emisoras más mainstream, convirtiéndose en la alternativa “indie” del verano como fue el año pasado el “Let’s Go Surfing” de The Drums, por ejemplo.

“Torches” nos ofrece momentos tan rítmicos como la inicial “Helena Beat” o “Call It What You Want” de aires euro-dance, la cadente “Houdini” al son de las notas de un piano eléctrico, la aparación de maquinitas en “Don’t Stop (Color On The Walls)” y la experimentación en “I Would Do Anything For You”, pero siempre bajo el prisma de lo efectivo y fresco, al son del electro-pop más sencillo pero influyente. Incluso en el propio single “Pumped Up Kicks” en el que se habla sobre disparar a alguien esto acaba resultando algo animado y bailable. En la recta final del disco nos encontramos con “Life On The Nikel”, en la que vuelven a ensayar con los juguetitos, la aplastante “Miss You” y la cristalina “Warrant”, con coros incluidos.

Como aperitivo de su futura carrera este primer trabajo no está nada mal, seguro que pueden exprimir mucho más sus capacidades, pero el disco resulta una audaz bocanada de aire fresco y no se hace pesado en ningún momento.
Nos mantendremos expectantes a su evolución y si se puede para empezar, con un directo en alguna de las salas de la penísula, mejor que mejor.

Nota: 7/10

Desde sus últimos álbumes, If you lose it y sobretodo Migth as well, he sido un poco escéptico con respecto a Last Days Of April. Como en éstos, la primera impresión al escuchar Gooey fue agridulce. Piensas que la cosa está bien, sí, pero que sigue sin el nivel de antaño: aquellos maravillosos tiempos de Rainmaker, Angel Youth y Ascend to the stars. Sin embargo, quizás por toparme ahora con este disco y no con unos años menos, en seguida llego a la conclusión de que he sido injusto en mi primera impresión. Que ahora puedo comprender su madurez en estos últimos años y que estas canciones son tan buenas como aquellas que capitanearon el movimiento emo europeo. Cada vez más pop, cada vez más Karl Larsson. Pero siempre con el buen gusto de este sueco de larga melena que hoy blande una Flying V como si pretendiera revelarse a su tradición sensible y delicada. De nuevo hay numerosos temas para no olvidar, mucho más técnicos y trabajados de lo que aparentan. Memorables “America”, “Why so hasty?” o “In ink”. Mención aparte las colaboraciones de Evan Dando, líder de The Lemonheads, en “All the same” y de Tegan Quin en “If (Don’t ever blame yourself)”, dos cortes de emotividad aguda, dignos de ser colocados en un lugar privilegiado.

Uno piensa que los discos de Last Days Of April deberían estar mejor considerados, que los festivales de música independiente deberían tenerlos más en cuenta y que el trabajo de tantos años -junto a una evolución sensata y positiva, ligada fielmente a Bad Taste Records- debería haberles colocado más alto. De cualquier modo, a todos nos gusta la grandeza de las cosas pequeñas. La discreción del secreto bien guardado. Quizá el tiempo para colocar discos en la memoria musical de una escena -aunque sea la de unos pocos- ya pasó para Last Days Of April, pero eso no quita que Gooey no esté a la altura de aquéllos, ni que debamos estar encantados de que todavía encuentren recursos para emocionar sin aburrir.

Reseñar una banda por la que sientes predilección es mucho más fácil de lo esperado. Las palabras salen solas y el miedo a la subjetividad desaparece al instante. Al fin y al cabo estamos para esto.

Con un título la mar de insinuante que les ha llevado incluso a crear polémica en los EE.UU, Arctic Monkeys despliegan toda su energía sobre este trabajo, como si de las mismas entrañas les saliera, tanto en los momentos punzantes como en los de puro relax. Su sonido se ha ido volviendo con el tiempo más maduro y crudo, más auténtico desde que se dejaron asesorar y conducir por el productor James Ford (Simian Mobile Disco, Klaxons, The Last Shadow Puppets), dejando de un lado las melodías adolescentes y los estribillos facilones.

Este giro coincide precisamente con el inicio de la involucración de Turner en otros proyectos como los propios The Last Shadow Puppets, participando en soundtracks para películas y rindiendo homenaje a autores como Leonard Cohen.
Esto les ha llevado a conseguir un sonido más bien estructurado y pensado, sin perder por ello ápice de efectivismo y ofreciendo pinceladas de rabia y armonía a partes iguales. Temas como “She’s Thunderstorms” o “That’s Where You’re Wrong” nos devuelven a décadas pasadas, a un pop-post-punk delicioso. Otros como “Love Is A Laserquest” su lado más intimista y romántico y el más desgarrador lo encontramos en “Library Pictures” o el single “Don’t Sit Down Cause I’ve Moved Your Chair”.

Quizás nos encontremos ante uno de los mejores discos de los Arctic, puede que ante el mejor, lo que sí está claro que este “Suck It and See” copará las listas de lo mejor de aquí a finales de año.

Nota: 9/10

‘Don’t Sit Down Cause I’ve Moved Your Chair‘ – video

Redacción: Álex Fernandez.

EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\, es un disco que a algunos les sonará pretencioso, a otros les dejará indiferentes y al resto puede que les fascine, y la verdad es que cualquiera de las tres posiciones es la acertada. La primera porque James Allan y los suyos se han centrado en dar forma a unas canciones que juegan con las emociones, pero elevándolas al clímax y a la máxima potencia, para resultar composiciones épicas. También puede que el disco te traiga sin cuidado porque te resulte que la fórmula está demasiado manida, sonidos de los 80′s pasados por el tamiz del nuevo siglo?. Pero el segundo disco del cuarteto también te puede llegar a calar hondo tan solo por temas como “Euphoria, Take Me Hand” que no puedes cansarte de escuchar una y otra vez sin aburrirte.

El disco empieza con la instrumental “Pain Pain Never Rain” con la que y nos dejan ver por que derroteros irán, eso y a portada del disco de clara referencia cinematográfica. Así que tema a tema van trazando y pisando esa línea claro-oscura y girando en esa espiral de sintetizadores, guitarras y acordes de bajo, junto a la peculiar voz de Allan, inconfundible. “The World Is Yours” nos devuelve al pasado y nos introduce en ese denso marco. “You” no ofrece mucho cambio al respecto, “Shine Like Stars” retumba en nuestra cabeza gracias a la aparición estelar de un bombo, inmediatamente luego se introducen en una especie de melancolía universal con “Whatever Hurts You Through The Night”, gran balada triste de cuna. Como una oda a la identidad aparece “Stronger Than Dirt” que habla sobre la homosexualidad y los sentimientos.

Y en la recta final hayamos “Dream Dream Dreaming” con la que nos siguen envolviendo en ese manto de sinfonías casi espaciales. Le sigue la segunda parte de “Stronger Than Dirt”: “I Feel Wrong”, llega la vitoreada ya “Euphoria, Take Me Hand”. El punto final del disco lo ponen “Lost Sometimes” y “Change” que son como la calma tras la tormenta y que quizás nos dejan un poco desinflados esperando algo más.

A grandes rasgos, EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\, es un disco correcto, algo lineal, con momentos mejores que otros, algunos realmente buenos, pero que alejan a la banda bastante de sus inicios. Veremos como sigue la escritura de su historia…

Parece que ese es el caso del líder y compositor de Noah and The Whale, Charlie Fink, quien no se ha tomado ni un segundo de descanso entre disco y disco pese a la montaña rusa de emociones que han copado el paso entre cada uno de ellos.

“Last Night On Earth” es la intención de Fink y los suyos de volver a levantar la cabeza y decir: “aquí seguimos y con más fuerza”, pese a que el álbum contenga algunos momentos obvios y previsibles. Tras las malas críticas, demasiado injustas por otro lado, de su segundo disco, los ingleses regresan con un trabajo que se aleja de sus obras anteriores, dejando de un lado el folk, aunque en esencia sigue estando presente, para dar salida al pop traslúcido, a los sintetizadores y a las cajitas de ruidos.

Así abren con temas tan redondos como “Life Is Life”, “Tonight’s The Kind Of Night” o la coreable y ya hit directo al corazón de los melómanos de turno, “L.I.F.E.G.O.E.S.O.N”, dedicada precisamente a ese caer para luego levantarse, que mezclan con otros no tan brillantes, más pasables, pero que aún así no pierden la gracia gracias al juego de guitarras (Wild Thing), xilófono (Give It All Back), violines (Just Me Before We Met) y piano (Paradise Stars). Para cerrar con una “sweet jane” de estilo personal en “Waiting For My Change To Come”, la apacible balada “The Line” y la gospeliana “Old Joy”, que da paso al lado espiritual y el camino hacia la esperanza.

Noah and The Whale toman un giro de 180 grados para sonar más grandilocuentes pero sin renegar de su pasado, ni de lo bueno ni de lo malo, y el resultado les sale bastante bien.

www.noahandthewhale.com

Pero el momento cumbre llega al final. Uno escucha “Let me back in” y se dice haber recuperado lo mejor de los texanos: ese avance progresivo, unas veces limpio y otras veces distorsionado, enérgico en su momento más álgido y arpegiado en aquellos más reflexivos. Una agradable sensación semejante al reencuentro con un viejo conocido.

Quizás porque el post-rock instrumental ya es un lugar de por sí alejado de los sonidos fáciles, Take care, take care, take care se puede permitir el lujo de ser un disco cercano a lo que fue All of a Sudden I Miss Everyone sin que pase nada. Porque está ejecutado con maestría y porque contiene momentos estupendos. Un disco continuista que amplia la lista de grandes canciones con las que abstraerse del mundo durante unos minutos.